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26 avril 2018

Sarah Toussaint-Léveillé : interview pour La mort est un jardin sauvage

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(Photo : Jerry Pigeon)

sarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandorJe ne sais pas ce qu’il y a au Québec, mais la plupart des artistes sont enthousiasmants. Sarah Toussaint-Léveillé n’échappe pas à la règle. Elle m’a conquis dès la première écoute de son deuxième album, La mort est un jardin sauvage. Entre pop et chanson folk, ses chansons douces-amères sont imprégnées de mélancolie. Accouchement, pertes, deuil, passage à l’âge adulte… Voilà des thématiques universelles, mais les chansons sont très personnelles et son écriture fine, infiniment poétique.

Le 13 mars dernier, lors d’un court séjour parisien, je lui ai donné rendez-vous dans un bar de la place du Trocadéro.

Biographie officielle :

Sarah Toussaint-Léveillé est une jeune artiste multidisciplinaire de 26 ans, passionnée d’écriture, de musique et de cinéma. Son cœur cynique carbure au rire, et c’est souvent son rire qui parle à sa place. Elle s’exprime en images, des fois pesantes, des fois vulnérables. Des fois en mosaïque, des fois en gueulant, parfois presque en chuchotant.

En 2012, elle lance un premier album, La Mal Lunée, qui fait son chemin sur la scène musicale francophone. La jeune auteure-compositrice-interprète fait de nombreuses prestations un peu partout au Québec, en France, ainsi qu’en participant à toutes sortes de vitrines, concours, festivals et résidences artistiques (Francofolies, Tadoussac, Petite Vallée, Vue sur la Relève, tournée ROSEQ, résidence d’écriture avec Gilles Vigneault, etc). Après avoir fait une vitrine à Rideau 2014 et remporté le prix des Diffuseurs Européens, en plus d’avoir gagné les entrées en scène Loto Québec grâce à Vue sur la Relève, elle se retrouve avec une soixantaine de dates pour 2014-2015.

Le disque (argumentaire officiel) :sarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandor

Sarah Toussaint-Léveillé se consacre ensuite à l’écriture et l’enregistrement de son deuxième album, co-réalisé avec Socalled. La mort est un jardin sauvage sort en 2016. Ses textes de chansons sont imagés, mêlant le surréalisme au réalisme. Elle met en avant une poésie sincère et introspective, portée par des arrangements de cordes à la fois doux et puissants.

Très bien reçu par la critique, La mort est un jardin sauvage s’est vu récompensé en avril 2016 par L’Académie Charles-Cros (France), qui lui décerne le prix Coup de cœur Francophone Québécois. Mais elle a aussi obtenu deux nominations à l’ADISQ (auteur ou compositeur de l’année, prise de son et mix de l’année) et deux nominations aux GAMIQ (album folk de l’année, prix du public).

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sarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandorInterview :

Souvent, les journalistes qui connaissent ton travail disent que tu as fait d’énormes progrès entre ton premier disque La mal lunée et celui-ci, La mort est un jardin sauvage. Ce n’est pas vexant de lire ça ?

Non, parce que c’est souvent moi qui le dit. J’ai écrit les chansons de mon premier disque entre l’âge de 15 et 20 ans. Je me suis lancée sans réfléchir. Même si j’ai toujours fait de la musique, ce n’était pas mon premier amour artistique. Le fait que je me mette à chanter est un peu un accident.

C’était quoi ton premier amour artistique alors ?

L’écriture. Pour le théâtre, pour la musique, pour le cinéma… D’ailleurs, quand j’écris une chanson, c’est vraiment comme un film. Je visualise toutes les images. J’écris souvent en image et c’est peu réaliste.

Tes chansons sont pleines de poésies, de métaphores, mais parfois, c’est plus dans le concret.

C’est un mélange des deux.

Par exemple, ta chanson « Pas à pas »  me plait beaucoup, mais je ne l’ai pas vraiment comprise.

C’est normal. Même moi, je ne comprends pas toujours tout ce que j’écris. La signification peut évoluer en cours d’écriture.

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Ça peut friser l’écriture automatique ? sarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandor

Non. J’écris beaucoup et quasiment tout le temps. J’ai toujours un cahier avec moi qui me sert à noter ce que je pense, ce que je vois, c’est comme un journal intime, ou pas. Parfois quand j’écris une chanson sur un thème précis, je me souviens avoir écrit quelque chose sur ce même thème dans mes cahiers. Je recherche et si c’est intéressant, je l’inclus dans ma chanson.

Ton disque parle beaucoup de la mort.

J’évoque aussi le passage.

Le passage ?

Oui, ça peut-être la naissance par exemple. C’est le thème de ma première chanson « Ta tempête ». La naissance est un état où tu pousses tes limites. Tu es à la fois dans la plus grande vulnérabilité et en même temps, dans la plus grande puissance humaine.

"Ta tempête" (extrait de l'album La mort est un jardin sauvage) à Montréal en lumière 2015. Live au Lion d'or.

sarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandorLa mort te fait peur ?

Oui. J’ai peur de mourir et j’ai envie de vivre longtemps. La mort des gens que j’aime et qui sont autour de moi me terrorise aussi. En écrivant sur ce sujet, ça exorcise quelque chose. Dans la société occidentale, il n’y a pas beaucoup de rituels liés à la mort. On n’a pas le temps de réfléchir à ce sujet. C’est même tabou. Ça manque à nos traditions du coup, personne n’est à l’aise avec la mort.

Dans « L’escargot » et « La guitomane », tu évoques la peur de l’engagement avec l’autre. Ça te concerne ?

Oui. Comme beaucoup de personne, on a envie que la relation fonctionne, qu’elle se développe, qu’elle grandisse. C’est difficile de trouver l’équilibre entre les compromis à faire et rester soi-même.

"La guitomane" (extrait de l'album La mort est un jardin sauvage) à Montréal en lumière 2015. Live au Lion d'or.

Dans « La guitomane », tu insinues presque qu’il est impossible d’aimer ou d’être aimé quand onsarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandor voue sa vie à la création.

Au contraire, c’est très possible en fait. L’amour et le désir sont même de grandes sources d’inspiration. L’amour, c’est ce qui fait que l’on écrit. Si on n’aime pas, c’est difficile d’écrire quelque chose de vraie et de toucher les gens.

Quand il t’arrive quelque chose de négatif dans la vie, en fais-tu des chansons qui te permettent de sublimer le malheur ?

Je le fais instinctivement, mais ça ne finit pas nécessairement en chanson enregistrée. Le moteur de l’écriture c’est les états d’esprit comme la tristesse, le bonheur ou la souffrance. Ça me fait du bien d’écrire parce que le problème se détache de moi et je peux l’observer.

"Prison voyageuse" (live session quatuor) extrait de l'album La mort est un jardin sauvage. Son et mix: Tyler Fitzmaurice, caméra et montage: Marc-André Laurin (Northand Films)

sarah toussaint-léveillé,la mort est un jardin sauvage,interview,mandorDans « Prison voyageuse », tu expliques qu’on peut aimer d’amour une personne du sexe opposé ou du même sexe.

C’est l’histoire d’une personne qui traversent ses deux envies là et qui essaye de se comprendre. Quand on est ouvert dans son orientation sexuelle, ça dérange les gens parce que cela provoque des questionnements chez eux sur leur propre orientation et leurs propres envies. Les personnes comme moi sont le miroir des gens. Souvent, ils ont besoin de nommer la bisexualité, je peux le comprendre. Moi, je veux juste vivre telle que je le souhaite. Que je fréquente un homme et que trois mois plus tard je fréquente une femme, dans l’ensemble, on s’en fout.

Est-ce que tu essayes d’universaliser tes histoires personnelles quand tu écris ?

Pas vraiment. Ça voudrait dire que je suis capable de toucher tout le monde. Je ne veux pas diluer mon propos pour qu’il passe mieux. Je peux juste parler de ce que je connais, des choses que je vis, des discussions que j’ai avec des gens. Je me projette dans ce qui me touche et j’y  rentre à fond. Je veux être le plus juste possible dans ce que je ressens. Ceux qui m’écoutent doivent au moins ressentir de la sincérité.

"Mille et un cris" (live session quatuor) extrait de l'album La mort est un jardin sauvage. Son et mix: Tyler Fitzmaurice, caméra et montage: Marc-André Laurin (Northand Films)

Dans tes chansons, tu te livres beaucoup. Es-tu pudique à la base ?

Je suis pudique, mais dans une chanson, je ne me dévoile pas entièrement, de plus, je choisis ce que je dis et ce que je ne dis pas. Il y a toujours une façon de rester fidèle à soi-même en gardant de la pudeur, mais en disant pourtant beaucoup. C’est un juste milieu à trouver.

Je ne te parle pas trop de tes chansons parce que je présume que tu n’aimes pas ça. Tout est dit dans une chanson, non ?

C’est exactement ça. Je n’aime pas les expliquer. Ca brise l’interprétation que les gens peuvent s’en faire. Parfois, quand j’écoute des chansons, moi aussi j’aimerais bien savoir d’où elles partent, ce qu’il y a derrière… c’est intéressant de connaître l’histoire d’une chanson. Je reviens sur ce que je viens de te dire. Ça ne me dérange pas de parler du thème d’une chanson, de la réflexion qu’elle englobe, mais ce que je ne veux pas, c’est de l’analyser phrase par phrase. Mes chansons sont souvent un ressenti, ce n’est pas à moi d’analyser ce que je fais.

Tes textes sont souvent très longs.

(Rires.) La graphiste qui a fait le livret du disque a un peu galéré. Sérieusement, souvent on veut faire court parce qu’une chanson, au-dessus de 3 minutes, ça ne passe pas à la radio. Moi, je ne m’interdis rien, je ne pense pas aux conséquences de cette nature-là.

Clip de "L'escargot", extrait de l'album La mort est un jardin sauvage.

Dans tes clips officiels, on ne te voit jamais. Ce sont des dessins-animés. Pourquoi ?

Je ne suis pas à l’aise avec la caméra et je ne veux pas faire semblant. Mes clips me permettent de travailler avec des gens de l’animation. J’adore ce milieu-là parce que tout est possible. C’est magique. Cela me permet de transformer mon « œuvre » en autre chose.

Tu as travaillé avec Socalled, parle-moi de lui.

Cet homme est une drôle de créature. Il est connu un peu partout dans le monde, mais paradoxalement, c’est l’homme le plus discret du monde, donc personne ne sait vraiment qui il est. Il a apporté beaucoup à cet album dans les arrangements. Il m’a apporté beaucoup de stimulation.

Ton père, François Leveillé, chanteur et humoriste très connu dans ton pays, est ton producteur. Ça se passe bien ?

On est tous dans le milieu artistique chez nous. Ma mère est directrice de production à la télévision. Bref, au départ, je voulais m’autoproduire pour être indépendante, mais j’étais jeune et je ne savais pas comment faire. Mon père, très naturellement, a donc décidé de m’aider et tout se passe à merveille entre lui et moi.

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Après l'interview, le 13 mars 2018.

24 avril 2018

Hiver Pool : interview pour Turbulences

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hiver pool,delphine fargier,martial seonsut,turbulences,interview« Hiver Pool est un duo auvergnat qui a créé un univers poétique où pop indé et folk, arrangements fouillés et minimalistes, mélodies soyeuses et rythmiques entêtantes, douceur raffinée des consonances anglaises et dynamisme élégant de la langue française se croisent, se mêlent et s’harmonisent ». Ainsi sont présentés les deux artistes sur leur page Bandcamp.

Et comme l’indique le site Indiepoprock, «Turbulences s’annonce comme une nouvelle pépite de la chanson française, qui devrait faire chavirer tous les orphelins de Gainsbourg et de Bashung… Univers qualifié par la formation elle-même de “léger”, on y voit aussi un charme vénéneux et lancinant. »

Enregistré avec du matériel vintage, ils ont utilisé des reverbs à ressorts ou encore du micro à ruban. L'idée était de donner un son pur. Il l’est. Il n’en reste pas moins que ce charmant duo proposent des chansons intemporelles et universelles. Elles touchent tout le monde.

J’ai rencontré les (très) sympathiques Hiver Pool, le 14 mars dernier à une terrasse d’un bistrot de la capitale.

Biographie officielle par Hervé Deffontis (Chargé de communication / La coopérative de Mai)hiver pool,delphine fargier,martial seonsut,turbulences,interview

Delphine Fargier et Martial Semonsut ont construit une œuvre ultrasensible et poétique, enluminée et mystérieuse, livrée à l’art délicat du tout analogique, au creux du studio Kerwax.

Entre les mains de Christophe Chavanon, co-réalisateur, clé de voûte d’un duo en marge des tendances faciles, les neuf titres de ce premier album respirent d’un souffle épique et charnel, un rêve éveillé où des guitares claires et espiègles jouent entre les lampes, les rubans et les claviers d’une pop à l’ancienne, parfaitement apprivoisée, et pourtant libre comme l’air. D’une balade en sous-bois, d’un baiser sur la mousse, d’une envolée joyeuse ou d’une ombre légère entrevue derrière les fûts, l’ampleur et la brillante simplicité de chaque titre dévoilent une écriture peu commune, lyrique et envoûtante.

Le complice des Fersen et autres Rover, qui n’a plus grand-chose à apprendre en termes de pop d’orfèvre, a plongé tête la première dans l’aventure, donnant à la dimension poétique du propos la légèreté des sixties, les battements de cœur et le parfum sucré des chansons bien troussées, et entre chaque ligne, partout, la sensualité malicieuse des égéries gainsbouriennes.

Il faudra attendre l’hiver, aux clair-obscurs et aux ombres grandissantes, pour tomber amoureux du premier album d’Hiver Pool. En attendant, rachetez-vous une platine vinyle, vous en aurez besoin.

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hiver pool,delphine fargier,martial seonsut,turbulences,interviewInterview :

Avant Hiver Pool, je crois que vous travailliez ensemble.

Delphine Fargier : J’écrivais les textes des chansons de l’ancien projet de Martial, Snowy Owl. C’était tout en anglais.

Martial Semonsut : Avec ce groupe, on faisait de la pop atmosphérique. J’ai arrêté ce projet parce que j’avais un accent anglais qui n’était pas terrible. Nous sommes allés jusqu’aux sélections du Printemps de Bourges, nous représentions la région Auvergne, et je n’avais pas été pris à cause de cet accent. C’était un peu vexant de s’entendre dire cela, mais ma décision d’arrêter a été radicale. Etant assez perfectionniste, deux choix s’offraient à moi : soit je partais deux ans vivre à Londres pour travailler la langue, soit je montais un autre projet. C’est ainsi que j’ai créé Hiver Pool.

Delphine, tu étais aussi chanteuse avant Hiver Pool ?

Delphine : Pas du tout. Je n’avais pas d’expérience de scène. J’étais passionnée par l’art, mais plus par l’écriture et la peinture. Un jour, nous sommes partis tous les deux en Irlande et quand j’ai commencé à écrire les textes, nous nous sommes mis à chanter ensemble. Ça a été une évidence, alors que nous n’avions pas prévu une telle chose.

Martial : Nous sommes allés tester les chansons dans une église, on adore le son des églises. On a filmé une prestation et en la regardant un soir, dans notre chambre d’hôtel, on a compris qu’il fallait que nous ayons un projet en commun. On est rentrés en France avec la motivation de créer ce nouveau projet.

Delphine : Nous nous sommes attaqués à la création des chansons. Pour moi, écrire en français était nouveau.

Martial : L’avantage, c’est que j’ai un home studio à la maison. Delphine a écrit les textes et j’ai composé la musique. Il y a eu un an d’écriture avant de faire notre première scène en 2014. En 4 ans d’existence, nous avons sorti deux EP et cet album.

Clip de "Avalanches de lumières".

Votre musique est un peu seventies, mais moderne. hiver pool,delphine fargier,martial seonsut,turbulences,interview

Martial : On n’a pas décidé de faire une musique particulière. Ce qui est intéressant, c’est ce qui sort des tripes. On marche beaucoup à l’émotion tous les deux.

Tu pars toujours des textes de Delphine pour composer ?

Martial : Oui. J’adore ses mots et ses textes m’inspirent.

Delphine : Quand j’ai écrit un texte et que j’écoute ce que Martial en a fait, à chaque fois, j’ai une grande émotion. Découvrir la chanson terminée nous émeut beaucoup.

Tu écris comment Delphine ?

Delphine : Ca ne vient pas vite, il faut que je travaille et retravaille les textes. J’écoute en boucle une musique qui va me suivre tout au long du texte. J’ai besoin de ça. Les sujets me viennent en voyageant, en rencontrant les gens.

Vous ne travaillez pas ensemble, je crois.

Martial : Delphine écrit de son côté, puis elle me livre le texte et ensuite je compose. Après, nous nous retrouvons et, s’il y a un mot qui ne colle pas ou si une mélodie ne convient pas, on en discute et nous modifions. Le but, c’est que nous soyons contents tous les deux. Si on ne l’est pas, on ne garde pas. Pas de concession. Notre but est de surprendre l’auditeur. On aime ajouter dans nos chansons des côtés imprévisibles et des effets de surprise.

hiver pool,delphine fargier,martial seonsut,turbulences,interviewC’est parfois un peu de la musique progressive ?

Martial : Oui, parce qu’il y a du changement et des cassures.

Il y a aussi un côté psychédélique dans votre musique.

Martial : La musique, c’est un peu comme la cuisine. On rajoute quelques ingrédients, quelques épices… mais par contre,  on ne regarde pas si notre musique est actuelle ou vintage. Je suis incapable de la qualifier d’ailleurs.

J’ai l’impression que les paysages que vous avez traversés lors de la création des chansons ont influencé vos musiques ?

Martial : Cet album a été composé entre terre et mer. Il y a le côté paysage très vert de l’Auvergne où l’on vit et le paysage de mer de Bretagne, où nous avons enregistré le disque.

Delphine : On pourrait aussi intercaler des images d’Irlande.

Parlons de la pochette du disque. C’est une magnifique peinture. Je sais qu’elle est de toi Delphine !

Martial : Il faut savoir que Delphine est une surdouée. Elle peint magnifiquement. Elle m’impressionne.

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En studio...

Il y a un troisième membre dans Hiver Pool,  il s’agit de Christophe Chavanon, le co-réalisateur.

Martial : Cette rencontre est très importante. Cette oreille externe était primordiale pour nous. Il a fallu une tierce personne pour nous permettre d’avoir un peu de recul sur notre travail. Il adore le projet et nous avons passé des moments formidables ensemble.

Dans la bio de votre disque, il est question de Thomas Fersen.

Delphine : On jouait le même soir que lui à Aurillac, en Auvergne. Il est venu nous voir dans le bar où on se produisait, c’était presque la fin du set.

Martial : Il nous a accostés quand on a commencé à ranger notre matériel. Ça nous a touchés parce que nous, nous sommes très timides.

Delphine : Il nous a demandé où on en était du projet. A ce moment-là, on cherchait quelqu’un pour mixer. C’est lui qui nous a conseillé d’aller mixer au studio Kerwax.

Martial : On lui a dit que nous voulions un son organique, un peu vintage, je l’avoue (rires). C’est là qu’il nous a conseillé réellement Christophe Chavanon.

Thomas Fersen fait partie de vos références ?

Martial : Il a un talent fou et a apporté beaucoup à la chanson, mais je suis plus amateur de Dominique A. D’ailleurs, j’évite d’écouter parce que mes premières compositions ressemblaient trop à son style. C’est Delphine qui me l’a fait remarquer. Gainsbourg et Bashung m’ont aussi beaucoup influencé.

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Hiver Pool fêtera la sortie de son premier album "Turbulences" lors d'une Release Party à la salle LE TREMPLIN - Musiques actuelles - Beaumont le 26 Avril. Avec Alain Bonnefont pour ouvrir la soirée! 

Dans un morceau, il me semble avoir reconnu un son de basse comme dans l’album Histoire de hiver pool,delphine fargier,martial seonsut,turbulences,interviewMelody Nelson.

Martial : Exactement. C’est volontaire. C’est ce qu’on appelle une basse carton. J’ai eu un réel plaisir à jouer cette basse.

Vous écoutez aussi David Bowie ?

Martial : Oui. Certains sentent qu’on est aussi influencé par lui.

Vous avez un public qui vous suit depuis 4 ans ?

Delphine : Oui, pour le moment au niveau régional.

Martial : On n’a pas encore un grand public, parce que nous ne sommes pas mis en avant par les médias.

Vous avez les mêmes goûts en matière de musique ?

Delphine : Globalement oui. On aime bien faire découvrir tel ou tel artiste à l’autre.

Martial : Tous les matins, on écoute Deezer. On aime découvrir les nouveautés.

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Pendant l'interview...

Qu’est-ce qu’il vous manque professionnellement ?

Martial : Un tourneur. Pour le moment, c’est moi qui m’occupe du booking. Je n’ai pas encore un grand réseau… Pour ne pas être en attente, on est même prêt à collaborer avec un tourneur tout en continuant à chercher des dates. Aujourd’hui, un artiste  ne doit pas être en attente. Il faut aller de l’avant.

Pourquoi ce disque sort-il aussi en vinyle ?

Martial : Un album qui sort de chez Kerwax se doit d’être en vinyle (note de Mandor : pour voir qui a enregistré dans ce mythique studio, c’est ici).

Pardonnez cette question, je ne demande jamais la signification d’un nom de groupe, mais j’aimerais savoir si Hiver Pool a un rapport avec Liverpool… est-ce un clin d’œil aux Beatles ?

Martial : Quand on s’est connus avec Delphine, on adorait les Beatles… il y a donc un léger clin d’œil.

Delphine : On aime aussi beaucoup le groupe Bon Iver. Clin d’œil là aussi.

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Après l'interview, le mars 2018.

21 avril 2018

Carine Achard : interview pour La Traversée

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carine achard,la traversée,interview,mandorCarine Achard est une pianiste chanteuse originaire de Tours. Après un album, Avant l’aurore (2014), un EP, Blanc Carmin (2016), la voici de retour avec un très joli disque dans lequel figure des chansons ardentes et sensuelles, servies par des mélodies d’une redoutable efficacité, La Traversée (qui sort en physique le 25 mai prochain). Elle y livre ses états d’âme profonds, en forme de chroniques amoureuses douces-amères. Emane d’elle un mélange de douceur et de force.

Je lui ai demandé de me rejoindre dans un bistrot de la Place du Trocadéro le 7 mars 2018 pour une première mandorisation.

Biographie officielle :

Carine Achard chante ce qui ne se dit pas. Parce qu’en musique, tout est différent : ce qui fait mal, ce qui révolte, ce qui bouleverse et submerge, d’un coup trouve un sens. Les non-dits qui serrent le ventre se faufilent dans un murmure puis s’envolent. C’est doux, puis fort, ça martèle et emporte, se tend en un appel strident pour atterrir comme une caresse bienveillante. Elle chante l’ombre et la lumière, les siennes et celles du monde. Parce qu’en musique, tout est différent, parce qu’en musique, tout trouve un sens.

Dans l’orage électrique des guitares en colère et la mélancolie épurée des piano-voix pudiques et tendres, Carine Achard se livre, tout en contraste, sur des textes intimistes et engagés, bruts et sans détours.

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carine achard,la traversée,interview,mandorInterview :

As-tu eu un environnement familial propice à faire de la musique ?

Il n’y avait pas assez de mots et de dialogues dans ma famille et comme j’avais des choses à dire, j’ai trouvé la chanson pour m’exprimer.

Ce n’est donc pas pour rien que tu as commencé le piano à l’âge de 5 ans.

A cet âge, j’ai déjà compris les bienfaits de la musique. Grâce au piano, je parvenais à m’échapper complètement et tout s’apaisait d’un coup.

Comment en es-tu venu à faire de la chanson ?

J’ai commencé par beaucoup en écouter. A 15 ans, j’appréciais Jean-Jacques Goldman par exemple. Je recherchais peut-être des réponses en écoutant ses chansons. Les artistes font du bien aux gens. Quand j’ai écouté Véronique Sanson, je me suis sentie tellement moins seule. J’ai compris qu’artiste ou pas, on vivait les mêmes vies et qu’on avait tous des choses, des histoires en commun. J’espère que je pourrai provoquer ça chez certaines personnes qui écouteront mes chansons… c’est en grande partie pour cela que j’ai commencé à en faire.

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Carine Achard et Jacques Higelin... l'homme qui lui a donné l'envie de faire de la scène. 

Je sais que tu aimes beaucoup Jacques Higelin (note de Mandor : l’interview a été réalisée antérieurement à son décès), qu’aimes-tu chez lui?

Une amie m’avait fait écouter un disque et je n’avais pas accroché. Mais un jour, je l’ai vu sur scène et là, j’ai reçu une grosse claque. Sur la même tournée, je l’ai vu trois fois d’affilée. Quand je le voyais sur scène, je me disais qu’il fallait que moi aussi je monte sur une scène pour faire comme lui. Mais, je ne ferai jamais comme lui parce que je suis un peu l’opposée. Il s’accorde toutes les libertés, c’est ce que je suis incapable de faire pour le moment. La recherche de liberté, c’est un bel axe pour avancer dans la musique.

Pour le moment, tu te sens encore un peu prisonnière de toi-même ?

Un petit peu, mais de moins en moins depuis cet album. Ce disque, qui porte bien son nom, a été une traversée éprouvante, mais hyper enrichissante sur la connaissance de moi-même. Je me pose moins de question et je parviens à être plus dans le partage.

Teaser de l'album La traversée.

Au début de ta carrière, tu as fait quelques dates dans ce lieu mythique qu’est Le Petit Journal de Montparnasse, ça veut dire que tu étais plus chanteuse de jazz ?

C’était mes premières dates parisiennes. Je reprenais des chansons de Michel Jonasz, de Maurane par exemple et quelques compositions personnelles… mais, on peut dire que c’était de la chanson un peu jazzifié.

Tu chantais quoi dans tes premières chansons ?

Dans la vie, j’avais une espèce de censure émotionnelle qui me faisait croire que tout ce qui touchaient aux émotions, on ne pouvait pas le dire, mais éventuellement, on pouvait les chanter. Dans mes premières chansons j’évacuais donc beaucoup de choses trop fortes ancrées en moi. Je suis certaine que j’ai exorcisé certains événements de cette manière-là. Parfois, des chansons écrites pour se libérer ne parviennent pas nécessairement sur scène ou sur disque.

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(© Michel Piedallu)

« Petit frère » est une chanson magnifique. Je me suis demandé si c’était ton frère à toi.

Non. Inventer des histoires pour en faire des chansons, je ne sais pas faire. Par contre, je peux être touchée par les histoires vécues par des gens que j’aime. J’apprécie que l’on s’ouvre à moi, que l’on parvienne à se confier. Pour « Petit frère », c’est un ami qui a mis un an et demi pour me dire que son frère était mort en kamikaze. Pour écrire et interpréter cette chanson, je me suis mise dans la peau de mon ami et de sa famille.

Ton ami a écouté cette chanson ?

Oui, mais il ne m’a pas fait de retour. Je pense qu’il y a une grande pudeur.

Les deux premières chansons, « Mon auréole noire » et « Ton inquiétude » parle d’abandon d’une femme par un homme. Au début, je pensais que c’était la même histoire sous deux angles différents, mais un peu plus tard, je me suis demandé si « Ton inquiétude » ne parlait pas d’un abandon d’une fille par son père…

Au final, peut-être que ces deux chansons parlent de la même chose… Mais peut-être qu’inconsciemment, le rapport qu’on a avec ses parents construit le rapport aux autres et également le rapport qu’on aura dans les relations amoureuses. Pareil pour des sensations d'abandons qu’on a vécu enfant… le schéma peut se reproduire dans nos propres vies intimes. Il y a du liant dans tout ça. Je t’assure que dans « Mon auréole noire », je ne sais pas si j’évoque une histoire d’amour ou une histoire familiale.

"Ton inquiétude" extrait de l'album La traversée.

carine achard,la traversée,interview,mandorAujourd’hui, tu n’as plus de problème de légitimité dans le métier? Tu te sens bien à ta place ?

Pendant très longtemps, quand je montais sur scène, j’avais la sensation que c’était une imposture. J’ai mis des années à me dire que j’étais chanteuse. Aujourd’hui, comme je monte sur scène régulièrement, que je joue du piano, que je chante, je suis donc pianiste chanteuse. C’est mon métier. Je fais les choses comme je peux et j’essaie de faire au mieux. Je donne le maximum. Ma place est là et j’espère qu’elle va évoluer. La musique, finalement, c’est le seul endroit où je me sens à ma place. 

Est-ce que tu es artiste aussi parce que tu as besoin d’amour et de reconnaissance ?

Oui, je crois, comme que la majeure partie des artistes. Je pense que si on arrive dans le milieu artistique, c’est parce que nous avons des failles à ce niveau-là. Et le combat, justement, c’est de se sentir légitime et de parvenir à trouver un large public.

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(© Roger Pichot)

Avoir un EP et deux albums, ça participe à la légitimité ?

Je n’en ai pas vraiment conscience, car le chemin est très long. Je préfère rester prudente. Ce ne sont que trois disques et ce n’est que le début du parcours.

Pourquoi « La traversée » a pris beaucoup de temps à sortir ?

Pour diverses raisons qui seraient trop longues à expliquer ici, mais du coup, il est comme je le voulais. Le premier disque, Avant l’aurore, a été fait très facilement, mais je considère qu’il n’est pas assez creusé.

Carine Achard et Jean-Baptiste Bullet (mandorisé et interviewé pour un triste évènement ici) au 43e Rencontres d'Astaffort en 2016.

Tu as participé aux ateliers d’écriture de Claude Lemesle et tu es allée aux Rencontres d’Astaffortcarine achard,la traversée,interview,mandor pour parfaire ta façon d’écrire. C’était impératif de passer par là ?

Ecrire, c’est plus facile pour certains que pour d’autres. Moi, je suis arrivée dans l’écriture de chansons par passion, pas par don. Je suis une chanteuse qui n’avait à la base aucune voix pour être chanteuse, j’avais juste envie. Pareil pour l’écriture. Je suis plutôt une scientifique, mais j’avais envie d’écrire. Je sais depuis toujours qu’il faut énormément de travail pour arriver à quelque chose. Alors, j’apprends avec des professionnels.

On apprend quoi en atelier d’écriture ?

Parfois on apprend que les rimes ne sont pas essentielles. Lors du premier atelier avec Claude Lemesle, après avoir lu ma chanson il m’a dit : « toi tu ne fais pas rimer, tu as raison, les rimes on s’en fout ». On apprend donc à ne pas mettre le mot pour la rime en s’appuyant plus sur les images. On apprend à sortir de l’abstrait pour aller plus vers de la métaphore de l’image. Claude m’a aidé à sortir du conceptuel et à abandonner les adjectifs… voilà le genre de chose qu’on apprend.

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(© Roger Pichot)

carine achard,la traversée,interview,mandorTa chanson « Las Vegas » est très dans l’humour noir.

C’est ma chanson méchante, mais très second degré. Elle en devient drôle.

Pour moi, ta chanson la plus méchante reste « Mes volutes grises ».

On a parfois un petit diable ou un petit ange dans sa tête. Là, dans ce nouveau disque, j’ai laissé parler mon petit diable. Dans le premier album, pour plaire à tous, je n’ai fait parler que le petit ange.

Dans « Mon inachevé », on peut penser à un avortement, à une femme qui a perdu un enfant…

Ce n’est pas ça. C’est le fait de ne pas vouloir mettre un enfant dans le monde actuel. C’est une chanson sur la femme et son désir ou non de maternité.

Tu poses une question : « L’amour existe-t-il ? » Thème récurrent chez toi.

Sur ce disque, le lien entre toutes les chansons, ce sont les différentes formes d’amour. L’amour d’une sœur pour son petit frère, l’amour pour l’humanité, l’amour passionné et l’amour avec un grand A. Ce n’est pas une question qui me fait m’interroger, c’est une question primordiale, essentielle.

Est-ce que tu penses comme les Rita Mitsouko que les histoires d’amour finissent mal… en général ?

C’est marrant parce qu’il peut y avoir beaucoup d’ombres dans mes chansons, mais à côté de ça, je suis quelqu’un d’un positivisme assez extrême. Au final, si je me retourne sur toutes mes histoires d’amour, je dirais que, vu d’aujourd’hui, il n’y en a aucune qui s’est terminée mal, parce qu’elles ont toutes ouvert des portes à autre chose. Bien sûr, sur le coup ça fait mal, mais est-ce que ça se termine vraiment mal ? Non.

Est-ce que ton disque est féministe ?

Un peu. Je ne m’en rendais pas compte, mais on me l'a fait remarquer récemment. La condition de la femme est pas mal évoquée, mais je ne revendique rien de particulier.

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Au mois de mai, Carine Achard sera l'une des invités de ce formidable festival. 

On va revenir à la scène, tu fais ce métier-là juste pour ça ? carine achard,la traversée,interview,mandor

Je fais ce métier pour la scène. Je fais des disques pour pouvoir chanter mes chansons sur scène. J’aime être devant les gens et avoir un rapport énergétique avec eux. Il y a beaucoup d’échanges entre l’artiste et le public. Ce n’est pas du tout à sens unique.

Pour finir, que pense ta famille de ce disque ?

J’ai eu des mots très touchants de ma mère. Peut-être que certaines chansons ont été écrites pour entendre ces mots. Comme quoi, la musique peut-être un médiateur. Ce sont ces histoires de non-dits qui ont fait que ce disque a mis aussi longtemps à se faire. J’appréhendais que l’on puisse écouter certains textes. Je n’assumais pas complètement tout ce que je disais dans mes chansons. Maintenant, c’est le cas.

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Après l'interview le 7 mars 2018.

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20 avril 2018

Alain Chamfort : interview pour Le désordre des choses et ses 50 ans de carrière

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(Photo : Julien Mignot)

alain chamfort,le désordre des choses,50 ans de carrière,interview,mandorAlain Chamfort a décidé de fêter ses 50 ans de carrière avec un nouvel album, Le Désordre des choses. Dans ce 15e disque, le chanteur se renouvelle, se pose des questions existentielles et assume beaucoup de choses, en premier lieu son âge. Chamfort se réinvente encore, assume ses rides et évoque le temps qui passe. Ces années de carrière n’ont en rien abîmé son envie de ne jamais être là où on l’attend et de ne jamais se reposer sur ce qui est derrière lui. Ce nouveau bijou de la pop française et aussi une étonnante captation de l'ère du temps.

Le 29 mars dernier, pour Le Magazine des Loisirs Culturels Auchan (daté des mois d’avril-mai 2018), j’ai rencontré Alain Chamfort dans un restaurant parisien. Voici le fruit de notre conversation (avec un bonus mandorien à la fin).

Signalons que toutes les photos qui ornent l’interview sont signées Julien Mignot (sauf celles au restaurant, bien sûr).

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Le clip officiel d'"Exister", extrait de l'album Le désordre des choses.

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Clip officiel de "Les microsillons", extrait de l'album Le désordre des choses.

alain chamfort,le désordre des choses,50 ans de carrière,interview,mandorBonus mandorien :

Quand vous composez une mélodie, il faut qu’elle vienne rapidement ?

Il ne faut pas qu’elle mette trop longtemps en tout cas. Si au bout de deux heures, elle n’est pas là, je passe à autre chose.

Ce qui est troublant avec les textes de Pierre-Dominique Burgaud, c’est que c’est dans la continuité de ce qu’écrivait Jacques Duvall pour vous. En écoutant cet album, on se dit « c’est bien du Chamfort ! »

Avec le travail de Jacques Duvall, il y avait tout un décor déjà installé. Automatiquement,  les auteurs qui m’écrivent des chansons sont obligés d’en tenir compte parce que ça fait partie de mon identité de chanteur.

Clip officiel de "Tout est pop", extrait de l'album Le désordre des choses.

Dans la chanson « Palmyre », j’ai trouvé intéressant que vous repreniezalain chamfort,le désordre des choses,50 ans de carrière,interview,mandor votre voix qui partait dans les aigus. Vous aviez abandonné cette façon de chanter depuis longtemps.

(Rires) J’ai un peu plus de difficulté aujourd’hui à aller dans ces tonalités-là. Sur scène, quand je chante Palais Royal, je ne l’interprète plus comme avant, je descends d’un ton. Ma voix de tête, je la laisse très souvent tranquille. J’évite les tentatives de trop, mais là, dans « Palmyre », je me suis amusé à essayer. En studio, ce qui est bien, c’est que l’on peut recommencer plusieurs fois.

Ca faisait longtemps aussi que vous n’aviez pas proposé des chansons aussi pop, aussi dansantes.

Vous me parlez notamment de « Tout est pop » et de « Sans haine ni violence », je suppose. Je voulais apporter un peu de respiration, car je craignais que ce soit un album trop lourd. Mais ces deux chansons ne sont pas aussi légères textuellement qu’on pourrait le penser.

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Pendant l'interview...

Clip de "En attendant".

alain chamfort,le désordre des choses,50 ans de carrière,interview,mandorEtes-vous objectif sur votre travail, sur la qualité de vos chansons ?

Il faut un certain temps pour avoir un peu de recul sur un album qu’on vient de sortir. On est très mauvais juge à ce moment-là. Le seul indice qu’on peut conserver en nous, c’est ce que l’on a ressenti au moment où on a composé la chanson. Quand la musique et le texte qu’on colle dessus forment une chanson honorable avant les arrangements, avant de passer en studio, on est satisfait… et il est fréquent que l’on conserve cette satisfaction plus tard.

Les premières critiques de votre nouveau disque sont dithyrambiques. Certains disent même que c’est votre meilleur album depuis longtemps. Ce n’est pas un peu vexant de s’entendre insinuer que les albums précédents n’étaient pas à la hauteur ?

Les avis des uns et des autres, il faut les entendre. Je ne suis pas toujours d’accord avec, mais ça fait partie du jeu. Depuis 50 ans, je suis rompu à l’exercice. 

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Après l'interview, le 29 mars 2018.

Bonus mandorien (bis):

Et comme dans Le désordre des choses, il est pas mal question du temps qui passe, je trouvais approprié d'ajouter ces photos. J'étais alors animateur dans la radio leader du Bas-Rhin, Top Music. Le 2 novembre 1993, j'interviewais Alain Chamfort

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Et n'oubliez pas...

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19 avril 2018

Mehdi Krüger : pour ses EP et ses spectacles

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WP-PORTRAIT1.1-Mehdikrugerger.jpg« Poète de l’urbain, Mehdi Krüger livre des textes sombres et ciselés, du roman noir en vers. Fausse douceur des mélodies cassées par une belle scansion et servies par d’élégantes nappes de guitare » indique notamment sa présentation officielle. Pour être tout à fait franc, c’est Marie-Françoise Balavoine qui m’a incité à découvrir cet artiste. Souvent. J’ai fini par m’y intéresser. Et évidemment, la claque. Personne ne peut rester insensible à la poésie et à l’interprétation de ses textes d’une puissance rare. Le dernier EP du lauréat du prix Georges-Brassens 2016, Luttopies, est disponible sur son site web gratuitement (tout comme ses disques précédents).

Nous nous sommes donné rendez-vous le lendemain de sa prestation au Prix Moustaki (il était en finale), le 5 mars 2018.

Autobiographie (un peu écourtée) :

D’origine allemande et algérienne, pour moi les mots ont été le moyen d’assembler les pièces de mon puzzle. Je les vois comme les grains d’un bac à sable truffé de mines.

D’une enfance en banlieue, j’ai gardé le souvenir des ravages que cause leur absence, la violence qu’elle déchaîne. Puis les tours se sont éloignées et ont laissé place à une adolescence ennuyeuse et solitaire à la campagne où les mots ont été mes complices d’évasion. J’ai passé mon temps à les lire, mais surtout les écouter et les dire.

A l’adolescence, la noirceur du Wu-Tang-Clan m’a ouvert à l’univers Hip-Hop, et dès le début des années 2000, la poésie Vaudou de Saul Williams m’a fait basculer dans le Slam. J’y ai découvert cette vérité fondamentale: il est des mots qu’on ne pourrait confier à l’oreille d’un proche mais qu’on peut partager sur scène avec une foule d’anonymes. Depuis, je les ai déclamés sur des dizaines de scènes en France, au Liban, en Belgique, Italie, Tunisie et Algérie.sans-titre.png

C’est sous le nom de Lee Harvey Asphalte (qui se souvient qu’Oswald était embusqué dans une fabrique de livres?) que s’exprime l’envie de confronter la rime et le rythme afin de relever ce défi: “faire penser les danseurs et danser les penseurs”. Ambassadeur de la Francophonie, puis Lauréat France Ô Folies, cette aventure s’est achevée de la plus belle des manières par la sortie de l’album “Asphaltocratie” en 2013.

L’urgence de dire reste intacte, mais les thèmes se font plus intimes, toujours portés par l’écrin des guitares d’Ostax. Ensemble nous naviguons entre Rive Gauche et East Coast, explorant la Chanson urbaine se destinant autant aux amateurs de musique urbaine (spoken-word, slam, rap…) qu’aux amateurs de chanson.

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IMG_1134.JPGInterview :

Dans ta jeunesse, c’est l’ennui et la solitude qui t’ont donné envie de lire beaucoup.

Je lisais tout ce qui me tombait sous la main. J’ai eu un parcours très autodidacte. Je lisais par exemple Le portrait de Dorian Gray d’Oscar Wilde. Il y a un passage où le narrateur est chez lui dans son salon et il lit Splendeurs et misères des courtisanes d’Honoré de Balzac. Ça m’a permis des ramifications et, du coup, de faire mon chemin culturel. Je ne m’ennuyais plus. J’ai essayé d’accumuler et assimiler quantités de connaissances qui avaient du sens.  Aujourd’hui, je pense qu’un homme qui arrive à ne pas s’ennuyer avec lui-même est un homme libre.

Tu as commencé le rap quand tu as commencé tes études sur l’histoire de l’art. C'était le choc des cultures ?

Les métissages les plus compliqués que j’ai eu, ce sont les métissages sociaux. Je passais de la fac à étudier la peinture du 16e siècle aux soirées hip hop dans les MJC. C’est là que j’ai compris qu’il n’y avait pas de petites ou de grandes cultures.

Tu déclares faire de l’artivisme. Qu’est-ce que c’est ?

Il y a l’idée d’action, d’activisme. L’artiste doit aussi chercher son rôle dans la société et contribuer au monde dans lequel il vit, tout en ne restant qu’un artiste proposant un regard que d’autres n’ont pas. Aujourd’hui, on a cruellement besoin des artistes. L’artivisme, c’est d’appliquer dans la vie ce que l’on raconte dans ses textes.

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Tu veux apporter quelque chose à l’humain qui va t’écouter, c'est ça?

C’est évident. Mais je ne veux pas être le moralisateur dans le camp du bien. Je me plais à poser des questions sur des sujets qui m’interpellent et ne pas forcément y répondre.

J’ai vu une video qui s’appelle « Cause toujours » dans laquelle tu défends complètement la liberté d’expression.

Ce morceau, je l’ai écrit en faisant en sorte que quelqu’un qui vote Front National, par exemple, puisse se retrouver dans mes propos. Je défends aussi sa liberté d’expression. Mon écriture est très tournée vers l’autre, même si j’y mets beaucoup de moi et que je ne fais pas l’économie de l’intime. 

"Cause toujours"

C’est difficile de ne pas dépasser la frontière entre des textes engagés et des textes moralisateurs ?

Quand tu passes par l’émotion, quand tu poses les questions aux autres que tu te poses toi-même, tu arrives à une vraie discussion, un véritable échange. Je propose que l’on réfléchisse ensemble à ses questions-là. Je ne juge jamais personne.

En tout cas, tu ne fais pas de l’art de propagande.

Non, je ne place pas l’art au service d’une cause. Je ne défends rien, ni personne. Encore une fois, les questions sont toujours plus intéressantes que les réponses. Je ne sais plus qui disait : « On ne regarde pas les choses telles qu’elles sont, mais telles que nous sommes. » J’essaie de garder cela en tête.

Tu dis que tu ne défends rien, ni personne. Tu es sur de toi?

A notre époque, le plus dur à cultiver, c’est de rester naïf. Il faut savoir conserver sa part d’enfant que nous avons en nous. Il y a de la place pour un art qui frotte, un art avec lequel on n’est pas d’accord, un art qui sort des codes et des formats. Les gens sont très réceptifs à ça.

"Une seconde avant l'impact" (France 3 Auvergne-Rhône-Alpes-octobre 2017).

Ton troisième EP s’intitule Luttopies. C’est important l’utopie ?

La véritable utopie c’est d’arriver à rester en lutte permanente. L’acceptation, c’est la mort. Il faut s’exercer à ne jamais accepter le monde dans lequel on vit, c’est là où tu développes un point de vue personnel. Mao Tsé -Toung disait : « N’oublie pas qu’il y a des hommes qui déplacent vraiment des montagnes ». A la fois, je sais qu’une chanson est inutile, mais je crois aussi qu’une chanson peut changer le monde.

Comment écris-tu ?

J’écris beaucoup dans ma tête. Je mets sur papier quand j’ai fini le texte. J’essaie toujours de trouver l’angle qui me permet de parler de l’autre et de parler de moi.

Ce que j’apprécie chez toi, c’est que ta poésie est compréhensible.

Il y a des morceaux très immédiats, d’autres qui le sont moins. Parfois, je glisse des références dans mes textes, mais je veux que personne ne se sente exclu.

"Clandestinée" (France 3 Auvergne-Rhône-Alpes-octobre 2017).

Tu es d’origine allemande par ta maman et algérienne par ton papa. Tu vis en France depuis toujours. Considères-tu avoir trois cultures ?

Tu es comme une grenouille. La grenouille est un des rares animaux à garder les yeux ouverts à moitié en l’air et à moitié dans l’eau. Quand tu regardes les poissons, tu n’as pas conscience qu’ils sont dans l’eau. Ce détachement que j’ai m’a donné envie d’être dans la création artistique. J’ai à la fois un millier d’appartenances et aucune. 

Dans « L’arabstrait », tu parles beaucoup de tes origines. Tu as souffert du racisme en France ?

A la campagne, il y a 25 ans, être arabe était assez mal vu. Mais je n’en ai pas réellement souffert. Il y a eu des moments un peu violent ou humiliant. Quand j’essayais de comprendre la personne que j’avais en face de moi et que j’arrivais à poser un regard sans haine, je le ressentais comme une vraie victoire. Je me disais qu’il fallait que je le comprenne. On est à la campagne, il n’avait jamais vu d’arabe, si ce n’est à la télé, ses parents ont dû lui mettre la tête à l’envers sur ce que nous sommes… je lui trouvais toutes sortes d’excuses pour lui pardonner. 

"Le cerf-volant" (France 3 Auvergne-Rhône-Alpes-octobre 2017).

Tu dis que ton pays, c’est les livres.

Mon pays, c’est la langue. J’ai passé une grosse part de mon adolescence à me chercher. Je me disais que je n’étais pas assez blanc ou pas assez arabe… Aujourd’hui, j’ai remplacé les « ou » par les « et ». Ça m’a permis d’enlever ce satané sac à dos qui était sur mes épaules depuis toujours.

J’ai lu que tu considérais la scène comme une arène. L’énergie d’un boxeur et la légèreté d’un danseur…

C’est comme ça que je la ressens. La scène, c’est la vérité de ce que tu fais. Dans ce lieu, il faut convaincre à chaque fois. Comment ce que tu dis peut être important pour les gens, si ça ne l’est pas pour toi. Plus tu donnes de la valeur à ce que tu racontes, plus les gens sont obligés de le prendre comme tu le donnes. Il faut aller chercher les gens. Pas les dominer, mais partager. C’est viscéral pour moi. Je joue ma vie à chaque concert.

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(Photo : Anne-Marie Panigada).

La scène, c’est à la fois un combat et un échange amoureux ?

Le public, c’est un adversaire coopérant.

En concert, tu ne parles pas entre les morceaux. Pourquoi ?

Parce que ça fait du bien du silence. J’essaie d’imposer le silence.

Sur scène, ta façon de communiquer n’est pas que verbale. Ton corps parle aussi.

Je m’anime. Si un texte ne passe pas aussi par le corps, on peut le jeter.

Quand tu écris, ton corps doit vibrer.

Oui. D’ailleurs, j’écris debout. Miles Davis, quand il faisait passer une audition avec  son band, le nouveau musicien arrivait avec son étui. La star du jazz lui demandait de laisser son instrument et de danser sur la musique qu’ils allaient jouer. Si le type ne savait pas danser, il n’était pas embauché.

evenement-musical-exceptionnel-samedi-sur-la-scene_3838270_498x330p.jpgTu n’es pas seul sur scène, le guitariste Ostax joue avec toi.

Il est beaucoup dans l’échange. On est dans une écoute mutuelle très attentive. On n’a pas besoin spécialement de se regarder.

Tu ne vends pas ta musique, tu l’offres sur ton site. Pourquoi ?

Parce qu’il faut que la musique circule.

Comment gagnes-tu ta vie alors ?

Sur les concerts et les ateliers d’écriture. J’achète ma liberté. A chaque fois que je donne, c’est comme si je me payais 20 euros. Je sors aussi de toutes les contraintes de marketing. Luttopies était sur le site une semaine après la fin de l’enregistrement. J’appelle cela la gratuité équitable. Je te donne la musique, mais je demande quelque chose en échange, c’est d’écouter ce disque une fois vraiment, en ne faisant rien d’autre. Ce sont des EP de 25 minutes, c’est la moitié d’un épisode de Netflix, ce n’est pas la mort du petit cheval. 

Vis-tu ce métier comme une mission ?

Oui, bien sûr. Je suis intimement persuadé que la poésie peut changer la vie des gens. Moi, je me vis comme un prof de Fac. Je prends la moitié de mon temps pour la création, l’autre moitié pour le partage, l’atelier d’écriture… Je trouve mon équilibre là-dedans.

Clip de "Les rivières noires".

Tu te sens seul dans ton style musical ?

Non, parce que j’ai des potes dans la chanson, dans le rap, dans l’électronique et à la fois oui, parce que je suis un peu seul dans ce que je fais. J’estime que ce que mon travail se situe entre Kendrick Lamar et Allain Leprest.

Kendrick Lamar est le premier rappeur à avoir reçu le Prix Pulitzer…

Ce type est d’une dureté vis-à-vis de lui-même et d’une tendresse pour les autres. Ses textes sont d’une maturité dingue. En termes d’écriture, on n’a rien de comparable en France. Je le trouve très émouvant.

Considères-tu que tu es dur avec toi-même ?

Pas assez (rires). En vrai, je suis très exigeant.

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Le 5 mars 2018, à la fin de l'interview.

18 avril 2018

Kent : interview pour l'album live La grande effusion

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LORIOU.jpgEn 1977, Kent (photo à gauche signé Frank Loriou) fonde Starshooter. Après la séparation du groupe de rock en 1982, il se lance en solo. Il se consacre également en parallèle à la bande dessinée, publie plusieurs romans et collabore avec de nombreux artistes (Johnny Hallyday, Calogero, Nolwenn Leroy, ...). On lui doit aussi le titre « Quelqu’un de bien » chanté par Enzo Enzo en 1994. Kent fête ses 40 ans de carrière. Il sort un album live, La grande effusion, reprenant une partie de son dernier album, La grande illusion (mandorisé là en  2017) et tous les succès qui ont émaillé sa carrière.

Le 2 avril 2017, nous nous sommes donné rendez-vous dans une brasserie de la place du Chatelet pour une ixième mandorisation (voir aussi ici une interview filmée pour L'homme de Mars  en 2008 et ici pour l'album Le temps des âmes en 2013).

Argumentaire du disque :lagrandeeffusionaHD.jpg

Avec La grande effusion, l’heure est aux célébrations. Des standards survoltés de Starshooter aux chansons désormais classiques de son répertoire, Kent survole ici avec bonheur quatre décennies de création et revisite près d’une vingtaine de titres devenus incontournables. Tantôt seul accompagné de son groupe, tantôt en duo avec Alex Beaupain, Pierre Guenard de Radio Elvis, Katel ou Alice Animal, le songwriter lyonnais révèle l’extraordinaire cohérence de son répertoire et nous rappelle avec brio qu’il compte parmi les plus grands auteurs de sa génération.   Enregistrée lors du concert anniversaire organisé le 7 novembre 2017 au Café de la Danse à Paris, La grande effusion constitue l’illustration parfaite d’une carrière riche et protéiforme menée avec la rigueur et la précision d’un artiste hors-pair depuis 40 ans.

La soirée est à voir en intégralité là.

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(Photo : Christophe Schouler)

IMG_1662.JPGInterview :

Aimes-tu les disques live ?

Oui, j’en achète encore beaucoup. Si je m’emballe pour un artiste, il faut absolument que j’aille le voir sur scène. Et si un disque live existe, je me le procure. Même s’il y a des corrections faites en studio parfois, c’est la base de la musique de l'artiste.

Un disque live est-il un bon reflet de ce que l’on a vécu dans la salle ?

C’est une image arrêtée sur un souvenir d’une situation en mouvement, après tu te fais ton propre cinéma. Le cinéma est encore plus fictionnel  quand tu n’as pas vu le concert, quand tu  n’as pas vu l’artiste sur scène.

Sur La grande effusion, as-tu retravaillé le son ?

Le moins possible. Un disque comme celui-là, c’est un one-shot. Le disque live idéal, c’est quand tu peux enregistrer sur au moins trois jours. Tu peux te faire un montage de la setlist parfaite avec tous les morceaux bien joués. Un soir comme celui-là, tu joues et tu avances.

Ce soir-là, sachant que c’était enregistré, cela t’a mis une pression supplémentaire ?

Au Café de la Danse, il y avait tout : la captation, le disque, les invités et un timing à respecter. En plus je voulais que pour ma première partie, Alice Animal, joue 30 minutes. C’était compliqué à gérer.

C’était aussi un concert pour fêter tes 40 ans de carrière. C’était donc un répertoire particulier. Par exemple, tu as joué du Starshooter, ce que tu ne faisais plus depuis des années.

Pour fêter mes 40 ans de carrière, j’étais obligé de commencer par le début. Comme je privilégie toujours le présent, j’ai quand même centré la setlist sur le dernier album, mais j’y ai ajouté pas mal de flash-back. Je suis allé chercher des morceaux emblématiques de ma vie professionnelle. « Betsy Party » de Starshooter en version électrique, je ne l’avais pas fait depuis la fin du groupe en 1982. Je ne le ferai plus après cette tournée.

Tu t’es amusé à refaire ses morceaux ?

Oui, très nettement. C’est très amusant de refaire le punk. Pendant 3 minutes, voir des gens qui font leur pogo en s’éclatant, c’est jouissif. Mais je sais que je risque de très vite m’en lasser. Je n’aime vraiment pas exploiter la nostalgie.

Tu dis « refaire le punk ». Tu ne l’es plus ?

Non, si on reste punk, c’est pitoyable. Il n’y a pas eu de mouvement punk, c’était juste une explosion. Tout ce que l'on fait sur les 40 ans du punk en ce moment, avec des débats et des colloques, ça m’hallucine. Je ne comprends pas, ce n’était pas fait pour ça. Le punk, c’est un paquet de dynamite posé sur la musique rock qui explose. Le punk, ça voulait juste semer la merde.

Le seul truc qui était vrai, c’était le slogan « no future » ?

Exactement. Les musiciens punks qui ont apporté quelque chose à la musique, ce sont ceux qui ont quitté le punk. Les Clash sont un parfait exemple de musiciens qui sont restés intègres dans leur position quasiment politique, mais qui ont évolué dans leur musique.

Toi, tu es devenu sage ?

J’essaie de le devenir. Je ne le suis pas en permanence. Je suis encore capable de faire des grosses conneries. Désormais, je m’en rends compte très vite (rires).

Pourquoi tu continues à faire des disques et des livres ?

Parfois, je me demande à quoi ça sert que je continue. Il y en a tellement qui sortent, c’est un embouteillage permanent. On passe plus de temps à essayer de se montrer qu’à créer. Tout est sur la com’… et ça prend du temps la com’.

28471694_1954236397938119_619477037096604626_n.jpgIl y a des duos dans ton live. J’aimerais que l’on s’attarde sur Alice Animal. Elle a fait ta première partie au Café de la Danse, mais il lui arrive de jouer avec toi sur scène.

Je fais tout ce qui est en mon pouvoir pour la faire connaître et reconnaître. Je l’avais rencontré dans la rue, elle m’avait filé sa maquette. Je me souviens que j’aimais bien ce qu’elle dégageait en me parlant. J’ai écouté, ça m’a intéressé. Je l’ai vu sur scène à la Passerelle.2, elle était seule avec sa gratte et elle a assuré. A la fin de son concert, je lui demande ce qu’elle va faire le 7 novembre 2017, elle me répond qu’elle vient me voir au Café de la Danse. Je lui rétorque que non parce qu’elle va faire la première partie. Il y a quelques années, Lisa Portelli, c’était 29512903_10160105480360573_6484652348250821894_n.jpgpareil. Je l’ai vu seule à un tremplin et elle m’a laissé sur le cul. Après, je lui ai demandé de faire ma première partie à la Cigale.

Au Café de la Danse, hormis Alex Beaupain qui est connu depuis des années, tu n’as fait des duos qu’avec des nouveaux artistes.

Pour être parfaitement honnête, ma maison de disque m’a proposé d’avoir des invités pour ce concert spécial « 40 ans de carrière ». Je n’étais pas très motivé pour avoir des invités. Je pensais qu’ils souhaitaient que j’invite des artistes très connus, comme Julien Doré. Je ne le connais pas et je ne connais pas non plus les artistes « hype » du moment, ce n’est pas mon milieu. Si j’invite des gens, ce sont des gens dont je suis curieux et qui m’intéressent.

Pierre Guénard de Radio Elvis par exemple ?

Oui, il a fait ma première partie tout seul aux Trois Baudets il y a 5 ans. C’est marrant parce que je le voulais absolument et j’ai appris plus tard qu’il avait tenté lui-même de faire ma première partie. Autre anecdote étonnante. Il vient dans ma loge et me demande les accords de ma chanson « Métropolitain ». Je n’en revenais pas qu’il connaisse cette chanson. C’est sur un vieux disque que je n’ai pas vendu du tout. Il me répond que c’est son disque préféré et qu’il adore cette chanson-là. Du coup, nous l’avons chanté ensemble au Café de la Danse.

Et Katel ?

Pour moi, son dernier album, Elégie, a été ma claque musicale de l’année dernière.  Quand je l’ai vu en concert au Café de la Danse, je me suis dit : « qu’est-ce que c’est que ça ? » J’ai tout de suite voulu faire sa connaissance  tant je l’ai trouvé impressionnante.

Et pourquoi Alex Beaupain ?

Il connait David Sztanke de Tahiti Boy qui joue avec moi sur le disque et en concert. Alex et lui sont même très proches. Il est venu quand on a enregistré l’album studio La grande illusion. C’est là que j’ai appris qu’il aimait beaucoup mon travail. Il a suivi avec intérêt ce que l’on faisait. Il nous a encouragés très souvent sur la couleur de certains morceaux. Franchement, ça faisait du bien. Tu sais, c’est rare d’avoir le retour de collègues dans ce métier. Ça n’arrive jamais en fait.

Toi, je sais que tu le fais.

Quand je découvre quelque chose de nouveau par un nouvel artiste ou par un ancien qui vient de faire quelque chose d’étonnant, je décroche mon téléphone. On est tout le temps dans le doute alors, que quelqu’un t’encourage, ça fait un bien fou. Même quand le succès est là, la reconnaissance des pairs, c’est très important. Quelqu’un qui se satisfait de son ego et des retours de ses fans, c’est un imbécile.

Tu es toujours dans le doute ?

En permanence. Le doute est aussi un moteur, certes anxiogène, mais un moteur quand même. Ça permet des remises en cause. Pas seulement musicale… ma façon de penser aussi.

Il faut dire que tu te mets en danger à chaque nouvel album.

Je ne veux juste pas refaire le même album. J’essaie à chaque fois de le faire d’une autre manière. J’ai une espèce de balance entre la chanson et le rock. C’est un large éventail, il y a de quoi faire. Il y a de la chanson électro et du rock acoustique… parfois, c’est juste une histoire de coupe de cheveux et de façon de s’habiller. Il y a toujours cette phrase de Truffaut dans La nuit américaine qui me revient en tête : "Avant d’entamer un film, on pense que l’on va faire un chef d’œuvre, au fil des semaines qui passent, on espère sauver les meubles."

Est-ce que tu crois que le métier et le public ont bien cerné ton travail ?

Le public qui me suit oui, mais le métier non. Je donne cette impression de partir dans tous les sens. Un réalisateur de films ou un comédien, plus il part dans tous les sens, plus on dit qu’il a un talent fou. Un chanteur, lui, doit toujours creuser le même sillon. Ça me fait suer de faire partie d’une même famille toute ma vie Et qu’est-ce qu’on entend par « famille » ? Je n’aurais donc pas le droit de m’aventurer ?

Tu as pris ce droit de toute façon.

Voilà. Ça peut brouiller les pistes, mais ce dont je me méfie plus que tout, ce sont les médias « arrêtés ». La génération des médias qui m’a connu rock n’a pas écouté ce que je faisais dans la chanson. Elle ne sait donc pas si c’est bon ou mauvais. Idem chez les ayatollahs de la chanson française. A un moment, j’ai correspondu à une attente avec ce « revival » auquel j’ai participé avec enthousiasme. J’ai fait des chansons avec un accordéon, mais pour des chansons que j’estimais dans la rénovation et pas dans la nostalgie. Ça leur plaisait. Mais quand j’ai fait « Métropolitain » en  électro rock, là, ils m’ont tous lâché. Hérésie totale.

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Ce soir-là, Kent était dans la lumière... mais Mandor aussi, involontairement (photo : David Desreumaux/Hexagone) Cliquez sur la photo pour la voir en plus grand.

Je déteste les ayatollahs de la chanson française.

C’est terrifiant parce que je ne peux pas être jugé dans la continuité. Je suis jugé partiellement à chaque fois. C’est dommage pour quelqu’un qui aime être en phase avec l’air du temps qui arrive et pas avec l’air du temps qui est là. Je trouve que ce qui est amusant et intéressant, c’est de sentir ce qu’il va se passer. Parfois, je suis un peu en avance sur mon temps, ça ne joue pas en ma faveur, mais j’ai une petite fierté d’avoir senti certaines choses.

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Pendant l'interview...

Et les gens du métier te respectent.

Les gens qui me connaissent me respectent, j’insiste. Tu dis Kent, tu dis Bashung, ce n’est pas pareil. Tout le monde connait Bashung, même si tout le monde n’a pas écouté. Je ne peux pas me gausser d’être incontournable. J’ai conscience de ce que je représente. Je vais te raconter une anecdote. Un jour, une jeune chanteuse qui a fait The Voice vient me voir et elle me dit qu’elle a voulu chanter une de mes chansons parce qu’elle apprécie ce que je fais et que ses parents sont fans de moi. La production a refusé parce qu’elle a estimé que je n’étais pas assez connu. C’est un peu blessant d’entendre des choses comme ça. En te racontant ça, je veux t’expliquer que quand tu es rangé dans un tiroir, pour t’en sortir, c’est très difficile. Par contre, je sais que si je meurs demain, il y aura une chouette couverture médiatique pendant une journée. Je suis apprécié, ça me touche beaucoup, mais personne ne va me passer en prime time parce que ça ne parle à personne.

Mais tu as aussi l’image de l’artiste sans compromission, qui ne joue pas toujours le jeu.

J’ai aussi l’image de l’artiste qui se débrouille, qui fait sa vie et qui n’a besoin de personne. Je voudrais juste savoir si mon taux d’acceptation passe par les oreilles avant de passer par les préjugés.

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Le 2 avril 2018, après l'interview.

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15 avril 2018

Vanessa Philippe : interview pour A l'abri du vent

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(Photo : Marta Bevacqua)

vanessa philippe, a l'abri du vent, interview, mandorVanessa Philippe vient de sortir un album tout en délicatesse qui allie harmonieusement chansons française, pop et folk. Ses textes sensibles et métaphoriques nous happent et ne nous lâchent plus. On décèle dans A l’abri du vent une fausse naïveté, mais ne vous y trompez pas, comme le dit le site Indiepoprock, « c’est le disque d’une artiste française, projetant des sentiments profonds, troubles, souvent noirs mais jamais complaisants, dans une musique ambitieuse et belle, aux racines ténébreuses. »

Le 9 mars dernier, nous nous sommes donné rendez-vous dans une brasserie de Trocadero pour une première mandorisation.

Biographie officielle :

Auteur-compositeur, c'est après deux premiers albums de chansons françaises, La dérive en 2008 et La fille sans qualités en 2011, que Vanessa Philippe a écrit et co-compose My Man avec Naïm Amor (Calexico) en français et en anglais, un troisième album plus rock, plus «live» sorti en 2015. Également danseuse et chorégraphe, elle décide de mettre en scène ses chansons et réalise plusieurs clips vidéos (en rotation sur D17, MTV, TV5 monde), notamment pour les titres "Quand je te vois" et  "Woman, Who's a Woman". 

L’album (argumentaire  officiel un peu raccourci): vanessa philippe, a l'abri du vent, interview, mandor

Dans une forme d’écriture inconsciente ou automatique, Vanessa Philippe passe plusieurs mois à composer seule des mélodies à la guitare, sur des accords simples, improvisant des textes.

Elle fait alors écouter ses 11 titres à Fredda et lui propose de re-composer 5 chansons pour ajouter de la couleur au projet. La réalisation avec Pascal Parisot (le compagnon de Fredda) est évidente, l’envie de Vanessa étant d’aller vers quelque chose de simple, un son épuré avec des samples, dans une tendance pop-folk électro.

C’est «à la maison» que Pascal réalise et joue l’ensemble des chansons avec un instrumentarium limité, identique sur tous les titres, ainsi que quelques samples bien choisis. Acoustiques, pop ou aux limites de l’électro, les arrangements sont aériens et organiques, complètement en accord avec les aspirations de Vanessa. La fragilité de la voix est volontairement mise en avant. Sur une proposition de Fredda, Vanessa Philippe confie ensuite le mixage à Jim Waters (French Cowboy, The Little Rabbits) à Tucson.

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(Photo : Marta Bevacqua)

vanessa philippe,a l'abri du vent,interview,mandorInterview :

Ton premier disque est sorti en 2008. Tu fêtes donc tes 10 ans de carrière.

Et encore, la première version de mon premier disque La dérive est sortie en 2006.

A la base, tu es danseuse.

Depuis toute petite. D’abord danseuse classique, puis contemporaine, mais j’ai toujours écrit. Dès l’âge de 10 ans,  j’écrivais des journaux intimes, des poèmes, des nouvelles… rétrospectivement, je me rends compte que ce que j’écrivais n’avais que peu d’intérêt. J’habitais au Cameroun, je racontais donc ma vie là-bas. Plus j’approchais de l’adolescence, plus j’écrivais des poèmes nourris par mes lectures. J’aimais beaucoup Les fleurs du mal de Charles Baudelaire.

Tu n’écrivais que de courts textes ?

A 19 ans, j’ai écrit aussi un vague roman qui s’appelle La saison des pluies. Il n’a pas été publié.

Tu as fait des études de communication.

C’est d’ailleurs à ce moment que j’ai rencontré un compositeur qui cherchait des textes. J’en avais, je lui en ai donc proposé. Il m’a demandé de les interpréter moi-même et, de fil en aiguille, on en avait suffisamment pour enregistrer un album entier. Ce n’était pas du tout prévu. J’aime bien que la vie me réserve ce genre de surprise.

Ça a été une révélation ?

C’est tout à fait ça. C’est devenu vital pour moi de faire des chansons.

Clip de "Not a Siren Song", extrait de l'album A l'abri du vent.

Quand on décide de chanter sérieusement, on prend des cours ?

J’étais complètement autodidacte, donc rien n’a été facile au début. J’ai pris quelques cours  pour apprendre à chanter juste, mais pas beaucoup. Je voulais garder une certaine fragilité.

En 2009, tu faisais deux concerts par mois dans des salles à Paris.

Comme je n’étais pas connue, je ne vais pas prétendre que je réussissais à remplir les salles. Au bout d’un moment, j’ai donc arrêté de me produire.

En 2011, tu sors ton deuxième album, La fille sans qualités.

J’étais enceinte à l’époque, du coup, j’ai écrit des chansons plus joyeuses, plus libres, plus métaphoriques. J’avais une sorte d’apaisement et de légèreté qui n’étaient pas présent dans mon premier disque.

En 2015 sort un troisième album, My man.

J’ai composé moi-même quelques chansons parce que je n’avais plus de compositeur. Celui de mes deux premiers albums n’avait plus envie de faire des chansons parce qu’il trouvait que ça ne prenait pas, qu’il n’y avait pas de retombée par rapport à ce qu’il attendait lui. Moi, ce qui me plaisait, c’était la création, j’avais donc envie de continuer. J’ai rencontré Marianne Dissard qui venait de Tucson et je lui ai proposé de réaliser l’album. Elle m’a proposé de travailler avec Naïm Amor pour les compositions. Forcément, j’ai trouvé que ce qu’il faisait était bien mieux que ce que je faisais moi. On a donc co-composé quatre titres et il a recomposé tout le reste.

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(Photo : Marta Bevacqua)

A l’abri du vent, lui, est composé par Fredda Dastrevigne.

J’avais composé les 11 chansons. Fredda en a recomposé 5. C’était un choix d’avoir une autre couleur, un autre esprit. J’aime beaucoup tout faire moi-même, mais c’est enrichissant de partager.

C’est un album délicat et épuré.

Je voulais faire un album guitare-voix, mais on a ajouté des petites touches electro. J’avais adoré les premières chansons d’Emilie Simon et, musicalement, je me rends compte que nous ne sommes pas si éloignés.

Clip de "Barbe bleue", tiré de l'album A l'abri du vent.

Ton écriture n’est pas frontale.

Elle est métaphorique et poétique. Je n’aime pas trop les textes au premier degré. J’aime bien contourner un peu pour laisser l’ouverture… comme quand on regarde une peinture. On peut interpréter ce que l’on a envie de voir, envie d’entendre, de lire, d’écouter.

C’est de l’écriture  inconsciente ?

Oui. C’est un peu le principe du journal intime. On ne sait pas ce qui va sortir mais l’inconscient fait son œuvre. Tu finis par l’écouter et tu écris naturellement. Avec l’écriture automatique, on part vers une idée, mais on aboutit à tout autre chose.

Et pour les compositions ?

Ça se passe de la même façon, mais avec ma guitare. Je fais des accords, des mélodies viennent et là-dessus s’imposent les textes.

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(Photo : Marta Bevacqua)

Tu écris beaucoup ?

J’ai des périodes d’écriture. Quand ma tête est libre, que je peux prendre une guitare et me laisser aller.

Ecrire te fais du bien ?

Oui, d’ailleurs je conseille à tout le monde d’écrire. Ça permet de se débarrasser de ce qu’on a sur le cœur. Mes chansons ne sont pas autobiographiques, c’est de l’empathie sur certaines choses.

vanessa philippe,a l'abri du vent,interview,mandorTu donnes des cours de yoga. Tu as dû faire ce disque dans une certaine sérénité ?

Ça m’a amené effectivement pas mal de sérénité… une sorte d’apaisement et de confiance en moi. Ce n’est pas évident d’avoir confiance en soi quand on est autodidacte.

Te sens-tu légitime dans le monde de la musique ?

Je ne sais pas si on peut parler de légitimité, mais j’ai besoin de faire les choses. Je fais toujours un autre album avec la conviction qu’il va me ressembler encore plus. Je fais une recherche sur moi-même de plus en plus pointue.

C’est dur de se faire sa place ?

Oui, très. D’autant que je ne cultive pas mon réseau. Il n’est pas facile de se faire programmer dans des salles.

Tu réalises toi-même tes clips. Pour ce nouveau disque, il y en a déjà deux en ligne, trois autres arrivent bientôt.

C’est un peu le même processus que quand j’écris. Je suis très dans l’impro. J’ai une idée de départ et après je travaille à l’aveugle. C’est là qu’il se passe des choses. Avec mes clips un peu décalés, je veux donner une autre dimension à mes chansons. La mélancolie qu’il y a dans mes textes, je l’évite dans mes clips.

Clip de "Aujourd'hui", tiré de l'album A l'abri du vent.

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Le 9 mars 2018, après l'interview.

11 avril 2018

La Goutte (Gabriel de Villeneuve) : interview pour Advienne que pourra

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10 ans d’existence, de très nombreuses scènes et 3 albums, voilà le bilan du groupe Lillois, La Goutte. Il vient d’enregistrer douze nouvelles chansons dans Advienne que pourra. Le quatuor confirme ce gout certains pour les beaux textes ciselés. Cette fois, les arrangements sont différents, il y a des sonorités nouvelles... comme pour marquer une évolution. Il est question de solitude, d’enfermement, de relations amoureuses, de doutes, de questionnements personnels, du destin et des hasards de la vie. Malgré des textes plutôt graves, on sent toujours un brin d'espoir dans le fond...

Le 28 février dernier, j’ai mandorisé (pour la deuxième fois) le chanteur et âme du groupe, Gabriel de Villeneuve dans un café (bien nommé) « La pinte du Nord ».

(La première mandorisation, en janvier 2013, pour le deuxième album de La Goutte, Drôle de monde, à lire ici.)

Mini bio (officielle, mais écourtée):

Flamenco du port d'Amsterdam...tango des Flandres...quelque part entre la musique de chambre et le rock de garage, La Goutte marche hors des sentiers battus. "En s'énervant contre le monde à force de trop vouloir l'aimer", c'est une douce révolte, un grand parfum de liberté que la bande vous invite à partager. Sans faux-semblants ni simagrées voici un récital à fleur de peau, mais aussi une franche rigolade et il suffit de le découvrir en scène pour s'en apercevoir.

gabriel de villeneuve,la goutte,lille,advienne que pourra,interview,mandorL’album (argumentaire officiel, mais écourté) :

S’il y a des poètes que le temps tarit, des musiciens que la trentaine assèche, les membres de La Goutte ne sont pas de ceux-là. Avec Advienne que pourra, leur troisième album, Gaby et sa troupe nous offrent une consolation, un contour à nos nostalgies, un sourire à nos angoisses. Cet album, c’est le fado d’un équipage rimbaldien, l’appariement des chansons de pirate et des chansons d’amour. « Solitaire en exil », c’est l’inexplicable saudade* (du latin solitatis, isolé, « délicieuse nostalgie et désir d’ailleurs ») à portée de notre sensibilité.

Loin de s’enfermer dans le carcan « chanson » qui colle au timbre du groupe, celui-ci se réinvente. Plus électrique, plus équilibré, l’album laisse un espace rêvé aux chœurs et aux claviers de Ludivine, aux guitares et aux basses-batteries inspirés de Jonas et Hugo. La Goutte a fait son chemin et trouvé sa voie, nous livrant comme un compagnon son chef d’œuvre, après deux beaux albums qui sonnent aujourd’hui comme les promesses de celui-ci. N’est-ce pas cela, un chef d’œuvre : un objet qui rend sensible ce que l’on pressentait, donne une forme à ce qui nous hantait ? Advienne que pourra est un trésor trop précieux pour qu’on n’ait pas l’envie de le partager avec le monde entier.

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gabriel de villeneuve,la goutte,lille,advienne que pourra,interview,mandorInterview :

Tout le monde s’accorde à dire que Advienne que pourra est un album dans lequel vous vous renouvelez franchement.

Il n’y a rien qui ne s’est fait consciemment. J’ai continué à composer les chansons et à les écrire de la même manière, mais avec plus d’âge et d’expériences. La grosse différence, c’est que j’ai laissé beaucoup plus de place à Ludivine qui fait des voix, les claviers et l’accordéon et à Jonas, à la guitare électrique. Ils ont apporté énormément sur la tonalité du disque. Avant, j’étais attaché à l’acoustique, là, j’ai lâché du lest.

Pourquoi as-tu décidé de leur laisser plus de place ?

Parce que j’ai trouvé leur travail magnifique. Nous étions fiers d’aller enregistrer ses chansons-là avec ses arrangements-là. Nous sommes restés fidèles à ce que l’on a toujours fait, mais au final, notre son est beaucoup plus actuel. J’ai pris conscience qu’il le fallait.

Clip de "Nuages à l'envers", extrait de l'album Advienne que pourra

Tu n’as pas eu peur de bousculer le public de La Goutte ?

Je me suis posé la question, mais pas longtemps. Le disque est sincère, il est ce que nous sommes, donc le public le remarque aussi.

Ce disque est beaucoup plus personnel que les deux précédents. Il me semble que tu parles plus de toi.

Je ne parle pas forcément beaucoup plus de moi, je l’ai toujours fait. C’est juste que j’essaie de toucher à l’universel en passant par la singularité de ma vie. Je parle du couple notamment, parce que cela touche tout le monde. Nous sommes de plus en plus seuls dans l’amour. On n’est pas accompagnés comme nous l’étions avant, il me semble. Sans juger que c’est mieux ou moins bien, c’est juste différent. Ce sujet m’a inspiré.

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Ce disque ne serait-il pas un chouia plus optimiste que les précédents ?

Le thème de la destruction progressive de la vie sur Terre est un thème infini, certes, mais je me suis peut-être un peu usé à l’évoquer. Dans ce disque la chanson « Kaput » est encore sur cette thématique-là. Pour ne rien te cacher, j’écris encore plein de chansons là-dessus, mais j’en garde moins qu’avant. Je dois dire que les autres membres du groupe m’ont incité pas mal à mettre en avant les histoires d’amour plutôt que mes chansons sur la planète en danger (rires). Quand j’arrive avec mes chansons, je sens à l’avance lesquelles vont leur plaire et celles qu’ils aimeront moins. On se connait depuis longtemps maintenant.

Vous avez changé votre façon d’enregistrer en studio ?

Disons que c’est la première fois que l’on entre en studio avec des chansons que l’on n’a jamais joué en live. Précisément, on en jouait 4 en concert, mais pas les 8 autres. Il fallait donc que ça sonne déjà sur le disque. Pour le live, on a réarrangé la plupart des titres, car nous sommes 5 musiciens et le disque a été enregistré à 4.

Vous avez un nouveau batteur.

Oui, c’est un ami de Jonas, le guitariste. Il s’est d’ailleurs parfaitement intégré. Il est comme un poisson dans l’eau. Il est charmant.

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La presse spécialisée est dithyrambique sur ce  nouvel album.

Les gens qui m’en parlent disent qu’il y a une nette évolution et que c’est plus mature. J’ai l’impression qu’il se passe plus de choses avec ce disque. Mais, bon, on ne sait pas ce qu’il va se passer derrière ce frémissement.

Faut-il 10 ans pour trouver la bonne voie ?

Quand je regarde autour de moi, j’ai l’impression qu’il y a deux chemins possible. Il y a ceux qui sont propulsés immédiatement, et qui ne durent pas forcément longtemps, et ceux qui sont dans le labeur, qui ne lâchent rien et qui persévèrent… parfois pendant 10 ans. J’ai conscience que dans 10 ou 20 ans, on pourra encore nous dire qu’enfin, on a trouvé le bon chemin.

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(Photo : Kalimba Mendes).

Pourquoi écris-tu une chanson ?

Le plus grand plaisir que je peux avoir, c’est quand quelqu’un vient me voir et me dit que ma chanson l’a aidé ou lui a ouvert les yeux sur certains sujets. Ce genre de témoignage est précieux pour moi. Sinon, écrire, c’est plutôt une hygiène de vie. J’ai besoin d’écrire des chansons pour me sentir bien. Si je ne les chante pas, je suis frustré. A la base, je sais, c’est égoïste. Je le fais parce que ça me fait du bien. Pour que ça me fasse du bien, j’ai besoin que les gens les aiment aussi… je suis pris dans un sacré cercle vicieux (rires). De là à dire que mes chansons ont pour but de faire réfléchir ceux qui les écoutent, je trouve cela prétentieux. En tout cas, si jamais je pose des questions qui invitent aux questionnements, ce n’est déjà pas si mal.

« Si je me voyais » est une chanson sur le regard que l’on a sur soi-même.

Et du regard que l’on a sur les autres. C’est une analyse un peu psychologique de ce que nous sommes, de ce nous nous ne comprenons pas, de ce que nous ne maîtrisons pas, mais qui sort pourtant de nous. Cette chanson est une invitation à se découvrir plus profondément, une analyse de ce que nous sommes.

"Elle dit" en version acoustique, extrait de l'album Advienne que pourra.

Que penses-tu de toi-même ?

Ça va, je fais comme je peux.

Advienne que pourra n’est pas un titre choisi au hasard, je présume ?

J’ai choisi ce titre-là parce que j’ai l’impression que c’est finalement une réponse que l’on pourrait apporter à une question fondamentale et principale :  qu’est-ce qu’il va se passer demain sur Terre ? On n’en a aucune idée. C’est donc une forme de philosophie à suivre. On ne maitrise rien, donc, on verra bien. Il faut faire confiance à la vie.

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Le monde qui part en sucette, ça te rend fou ?

Ça ne me rend pas plus fou que toi, je n’en sais rien. Je suis content d’être vivant, ma vie me plait, tout va bien. Après, si tu me parles de l’état du monde, il y a en moi une certaine fatalité. On se dirige tout droit vers quelque chose qui risque de nous péter à la gueule, mais au fond, je n’en sais rien.

Quoi ? Un chanteur n’est pas prophète ?

Malheureusement non.

Es-tu satisfait de comment est ta vie d’artiste ?

Ça ne nous suffit jamais totalement. On aimerait avoir le confort de ne plus chercher des dates. On aimerait que l’on nous propose et que nous disposions. Mais, globalement, cet équilibre me va bien. J’alterne ma vie banale et tranquille en Bretagne où je vis 10 jours par mois et le reste du temps nous sommes sur la route pour faire des concerts. Le truc, c’est qu’on aimerait travailler régulièrement. Ça fait 10 ans que nous restons à la surface, mais de manière progressive…et on est toujours là.

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Après l'interview, le 28 février 2018.

10 avril 2018

Fred Blondin : Interview pour Pas de vie sans blues

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(Photo : Philip Corsant-Colat)

fred blondin,pas de vie sans blues,casino de paris,interview,mandorFred Blondin sera au Casino de Paris ce samedi 14 avril 2018 pour fêter ses 30 ans de carrière. En attendant le grand soir, vous pouvez vous plonger dans son huitième album, Pas de vie sans blues, comprenant treize titres fortement marqués par sa voix chaude, puissante, rauque et rock. Taillé sur mesure pour le blues, Fred Blondin est un grand artiste français, trop peu médiatisé. C’est injuste.

Rendez-vous dans un café parisien, pour une première mandorisation, le 2 mars dernier.

Biographie officielle :

Des paroles plus que jamais d’actualité et toujours des bougies pour fêter les 30 ans de carrière de Fred Blondin. Une carrière démarrée en 1988 avec le groupe Glen Murdock dont il est le leader. Très vite, il se fait remarquer par un producteur indépendant qui reconnait en lui un artiste en devenir. Son 1er single « Paris au bord des larmes » fera découvrir sa voix chaude et puissante au grand public et le propulsera aux Victoires de la Musique dans la catégorie révélation masculine. Suivront ensuite une dizaine d’albums et une seconde nomination aux Victoires de la musique pour l’album Je voudrais voir les iles. Fred nous fait partager tout au long de sa partition ses influences musicales allant du blues à la pop en passant par le rock. A travers ses rencontres artistiques, il composera également pour de nombreux artistes tels que Johnny Hallyday, Patricia Kaas, Yannick Noah, Michel Sardou, Julio Iglesias. Sa personnalité vocale séduira de grands noms de la chanson française qui lui offriront à leur tour des chansons (Calogero, CharlÉlie Couture). La scène faisant partie intégrante de son hygiène de vie, il préfèrera sillonner les routes et défendre la chanson française plutôt que d’arpenter les fred blondin,pas de vie sans blues,casino de paris,interview,mandorplateaux télé aseptisés. Toujours en recherche du contact avec son public, il naviguera à travers la France et inventera le Péniche Tour. De toutes ces dates où il a disséminé ses chansons, sa proximité, ses mots et sa voix lui ont permis d’acquérir un public nombreux et fidèle et d’en faire aujourd’hui l’un des piliers de la chanson française.

L’album :

Pas de vie sans blues est une rencontre artistique entre Fred Blondin et des artistes qu’il apprécie et qui lui ont écrit des chansons qui lui ressemblent… Daran sur « Pas de vie sans blues », Cali pour « Notre amour foutu » et « On rentre à la maison » et Grand Corp Malade pour « J’ai vu le blues ».

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fred blondin,pas de vie sans blues,casino de paris,interview,mandorInterview :

30 ans de carrière, ce n’est pas rien.

Ce sont des amis qui m’ont fait remarquer qu’on en arrivait à ce chiffre symbolique. Je ne suis tellement pas tourné vers le passé que je n’avais pas fait attention à cette date anniversaire. Je suis plutôt vers le présent… même pas vers le futur. Plus je vieillis, plus je suis dans l’instant parce que je ne sais pas si je vais me réveiller demain. Personne ne sait. Je vis chaque journée comme si c’était la dernière. J’ai cette philosophie depuis longtemps.

Avant 1988, qu’est-ce qui t’a amené à la musique ?

J’ai eu la chance d’avoir des parents qui m’ont écouté et qui m’ont fait confiance. Quand je leur ai dit que je voulais faire de la musique, ils m’ont acheté une guitare. Même s’ils n’étaient pas rassurés parce que « musicien n’est pas un métier », ils ont bien vu que j’étais très motivé. Comme on est tous têtus dans la famille, j’aurais fait ce métier de toute manière.

C’est en seconde que tu as commencé à jouer dans un groupe.

Le premier jour de la rentrée scolaire, je me suis retrouvé tout au fond de la classe avec un chevelu. Il jouait de la guitare électrique. Ça m’a fasciné. Il m’a donc proposé de rejoindre son groupe. Je suis devenu leur guitariste. Ça m’a donné envie de devenir Guitar Héro. J’ai appris la guitare en autodidacte… en écoutant des artistes comme Éric Clapton.

Tu es vite parti de l’école parce que tu n’étais pas fait pour ça. L’autorité t’exaspérait. Tu en as fred blondin,pas de vie sans blues,casino de paris,interview,mandorprofité pour te perfectionner à la guitare et, un jour, monter ton premier groupe, le power trio Glen Murdock. Là, nous sommes en 1988.

C’est le premier groupe que j’ai créé moi-même. Je faisais les chansons, je chantais et jouais de la guitare. Mes premières armes…

Ensuite, arrive tes débuts en solo. La chanson « Paris au bord des larmes », en 1990, est la première chanson que j’ai entendue de toi.

C’était mon premier single. C’était assez violent, parce que je suis passé de petits groupes de rock de banlieue à une exposition médiatique intense. J’ai fait de la télé, des radios. Ça m’a un peu déstabilisé parce que c’était un autre monde. Il fallait que je chante en playback, que je regarde telle ou telle caméra. Pour moi, le showbiz, c’était un autre métier. Et puis soudain, j’ai fait la connaissance de ce qu’on appelle la pression. Je n’étais pas à l’aise. Je suis un ex super timide, souvent dans ma bulle. Encore aujourd’hui, je peux être là, sans être là. La guitare a beaucoup amoindri ce côté-là de moi. J’ai pu exister et dire des choses sans être obligé de parler.

Pourquoi considères-tu que ton vrai premier album est Pour une poussière d’ange en 1992 et non Blondin en 1990?

Parce que Pour une poussière d’ange est celui que j’ai complètement maitrisé. Je n’avais plus de producteur/manager, j’ai donc fait ce que je voulais. Je ne me voyais plus interpréter des chansons que je n’avais pas vraiment envie de défendre.

"Elle allume des bougies", extrait du DVD "SEPT À SÈTE live" (Charlélie) ©Blondinland Music 2015

Dans le troisième album, J’voudrais voir des îles, en 1996, il y a eu un gros tube, « Elle allume des bougies », une chanson de CharlElie Couture. On découvre une voix que tu n’exploitais pas de la même façon dans les deux premiers albums.

Blondin, je ne peux plus l’écouter. J’ai l’impression que je gueule du début à la fin. C’est insupportable pour moi. Au bout du troisième, j’avais déjà plus d’expérience et j’ai fait des rencontres bénéfiques. On avait enregistré ce disque dans de bonnes conditions à Toulouse. J’en garde un merveilleux souvenir.

Après, tu as toujours été actif, mais on te voyait moins. Tu continuais à faire de la scène et à sortir des disques.

J’avais un peu marre de ce métier. Je ne trouvais plus ma place. Du coup, j’ai beaucoup composé et écrit pour des grands artistes (voir bio plus haut) et je gagnais beaucoup mieux ma vie, tout en restant chez moi dans mon home studio. J’ai l’impression d’avoir eu 15 ans de vacances.

Pourquoi es-tu ressorti de ta tanière en 2011 alors ?

Parce que la scène me manquait. Et puis, j’avais un album dans mes tiroirs que j’avais fait en Allemagne en 2005, du coup, je l’ai sorti. Il s’appelle Même pas mal.

En 2014, tu as sorti Tiroir Songs.

C’est un disque de chansons que j’avais faites pour d’autres, mais qu’ils n’ont pas voulu. Je les ai donc chanté moi-même.

Clip de "Je partirai demain" extrait de l'album Pas de vie sans blues.

Quand on travaille pour les autres, on épouse leur style ou on essaye de faire complètement autre chose ?

C’est un mélange des deux. Si c’est identique à ce qu’ils font, les artistes n’aiment pas parce qu’ils ont besoin de se renouveler. Si c’est trop nouveau, ils n’aiment pas parce que ce n’est plus leur style. Tu vois la difficulté de l’exercice ?

C’est quoi la formule magique alors ?

Je crois que c’est faire une bonne chanson. C’est la base. Après, tout est une question d’arrangement. « La mer » de Charles Trenet, tu peux la faire en punk, en reggae, en disco, en valse, elle restera toujours une bonne chanson.

C’est quoi une bonne chanson ?

Une chanson simple, à la mélodie efficace. Il faut que qu’elle rentre dans la tête des gens et qu’elle parvienne à s’imprimer. Il faut aussi qu’elle parle à tout le monde.

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Fred Blondin et Johnny Hallyday.

Quand tu entendais Johnny chanter tes chansons, ça te faisait quoi ?

Ce n’était plus mes chansons. J’ai toujours considéré que, comme les artistes s’approprient les arrangements, ça devient une autre chanson. La première écoute est toujours spéciale. A part avec Johnny où je suis venu en studio, généralement, on envoie la maquette aux artistes et ils en font ce qu’ils veulent. C’est la surprise à chaque fois.

Dans ce nouveau disque, Pas de vie sans blues, il y a des collaborations. Il y en a une qui me parait évidente, c’est avec Daran. Vous avez quasiment la même voix.

Moi aussi, ça me paraissait évident. Nous sommes dans la même catégorie d’artiste et nous avons le même point de vue sur la façon de conduire sa carrière. On a commencé en même temps et nous nous sommes retrouvés en Louisiane, au Canada… on se connait depuis longtemps. C’était le bon moment pour que l’on se retrouve. Il m’a envoyé une chanson sublime, « Pas de vie sans blues ».

Clip de "Pas de vie sans blues", extrait de l'album Pas de vie sans blues.

Cali non plus, je ne sais pas pourquoi, ça ne m’étonne pas non plus.

Je ne le connaissais pas personnellement. On s’est rencontrés et le lien s’est fait immédiatement. Au début, il m’a fait un texte, « Notre amour foutu ». Je l’ai maquetté très vite. Je l’ai retrouvé aux Déferlantes à Argelès-sur-Mer. Je lui ai fait écouter. Il a tellement apprécié qu’il m’a proposé d’en faire une autre. Ça a donné, « On rentre à la maison ».

Et Grand Corps Malade ? Je trouve cela plus surprenant.

Ça s’est fait par l’intermédiaire de Jacques Veneruso qui est un ami et qui a fait la musique de « J’ai vu le blues ». Je ne savais même pas que le texte était signé Grand Corps Malade, je pensais que Jacques en était l’auteur. Je l’ai su seulement quand il a fallu écrire les crédits dans le livret du disque. Ce n’est pas un choix marketing.

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Pendant l'interview...

Pourquoi prends-tu des compositions et des textes des autres alors que tu es toi-même auteur compositeur ?

Je vais te répondre franchement, au bout de 30 ans, je n’arrive plus à m’étonner. Et si on ne s’étonne pas soi-même, on n’étonnera pas le public. Désormais, je fais donc confiance à d’autres qui, eux, sauront m’emmener ailleurs. Avec cet album, j’avais envie de prendre d’autres chemins. Je suis tellement content du résultat.

Dans le métier, tu as la réputation d’un artiste rare et talentueux.

Ça m’épate d’entendre ça, parce que je ne sais pas du tout ce que l’on pense de moi. C’est vrai que j’avais disparu de la circulation, pourtant, quand j’ai demandé des chansons aux uns et aux autres, ils ont tous répondu présent. Je suis super flatté de ça.

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Au Casino de Paris, il y a aura toutes tes nouvelles chansons ?

Non. Le concept est de fêter les 30 ans. Il y aura des chansons de tous mes albums, mes « tubes », mais pas forcément les chansons que j’ai l’habitude de chanter sur scène… histoire  de surprendre les habitués de mes concerts. Ce sera donc un tour d’horizon de mon répertoire.

Il y aura des guests ?

Oui. Notamment Cali, Daran, Art Mengo et CharlElie Couture…

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Après l'interview, le 2 mars 2018.

Bonus mandorien:

Entre 1992  et 1994, j'étais animateur de Top Music (radio leader du Bas-Rhin) et je présentais la majeure partie des interviews concerts qui avaient lieu à la Fnac de Strasbourg. Le 28 mai 1993, Fred Blondin est venu présenter son nouveau disque, Pour une poussière d'ange... voici quelques clichés. 

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09 avril 2018

Samuele : interview pour Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent

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samuele,les filles sages vont au paradis,les autres vont où elles veulent,interview,québec,transgenre,queerForte personnalité, ayant écumée l’underground de Montréal pendant des années, ce n’est que récemment que Samuele a pu obtenir la reconnaissance du métier, des médias et du public québécois. Après deux EP, elle sort enfin son premier album, Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent, aux couleurs folk-rock, blues et indie sans complexe. Militante de premier ordre, féministe assumée, épousant la cause du radicalisme queer, Samuele joue de sa poésie brute et crue pour mieux nous sensibiliser à ses combats. Je ne pouvais pas passer à côté de cette québécoise, tout sauf lisse… et, pour la petite histoire, fan de Daniel Balavoine et de Starmania. Le 26 février dernier, nous nous sommes retrouvés dans un bar de la capitale.

Biographie officielle :

Multi instrumentiste à la plume bien aiguisée, Samuele dépose une poésie intime et engagée sur un folk-rock à forte ascendance blues.  À l’aise sur les planches comme plante au soleil, elle se produit sur les scènes des bars underground de Montréal avant d’avoir l’âge légal d’y entrer.  Seule à la guitare, accompagnée de ses complices musicaux ou, austérité oblige, en femme-orchestre, Samuele livre un spectacle désarmant d’honnêteté où se mélangent chansons et spoken word.

Samuele assume pleinement son côté militant, féministe et queer à travers sa musique. Sa démarche samuele,les filles sages vont au paradis,les autres vont où elles veulent,interview,québec,transgenre,queerartistique sans concession lui donne une place de choix parmi les nouveaux talents émergents, grâce à sa singularité et son énergie.

Après deux EP, Le goût de rien et Z’album, Samuele se distingue avec ses chansons folk-blues engagées et sa forte présence scénique lors de la 19e édition des Francouvertes en 2015 se retrouvant en demi-finale et remportant deux prix. Suivent le festival Vue sur la Relève avec 10 prix Coups de cœur, puis la consécration en 2016 au Festival international de la chanson de Granby d’où Samuele repart avec le Grand Prix, bénéficiant d’une bourse qui lui permet de produire son premier album, Les filles sages vont au paradis, les autres vont où elles veulent. Il reçoit une forte attention médiatique et lui vaut deux nominations au Gala de l’ADISQ 2017 (l’équivalent de nos Victoires de la Musique) dans les catégories Album alternatif et Révélation de l’année.

Sachez enfin qu'avec cet album, Samuele a reçu un prix "Coups de cœur de l'Académie Charles Cros 2018".

Ce qu’ils en disent :

« Disque essentiel, sincère, fort et fragile à la fois. Samuele va où elle veut, au fil de ses émotions et nous, on suit ! » FrancoFans

« [...] [Samuele] fait partie des rares artistes qui osent le courage de leurs pensées, et vont jusqu’au bout de ce qu’elles affichent.» Froggy’s Delight

« Avec sa voix forte, qui claque parfois, [Samuele] sait nous faire vibrer comme personne. Et se donne sur scène [...]»  Le Peuple du Rock

« Surprenante et détonante [...] Autant par ses chansons que ses discours bien sentis ! Claque. Voilà une forte personnalité venue du Québec avec laquelle il va falloir compter ! » Longueur d’Ondes

«[Samuele] n’est qu’authenticité, sans calcul.» Nos Enchanteurs

« Une artiste engagée à découvrir de toute urgence !» Unis-son

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Isamuele,les filles sages vont au paradis,les autres vont où elles veulent,interview,québec,transgenre,queernterview :

Tu as commencé à 7 ans à écrire des poésies.

J’ai reçu un cahier pour ma fête. Ca a tout déclenché. J’ai décidé d’écrire de la poésie parce que je voyais mes parents écrire tout le temps.

Quel genre de poésie on peut écrire à cet âge-là ?

Je m’inventais des problèmes, des drames. J’avais une écriture dramatique  naturellement, même si j’allais très bien. Je trouvais que c’était romantique d’être malheureux. Et je trouve qu’écrire est romantique.

Tu lisais beaucoup ?

J’ai commencé à lire avant d’aller à l’école. J’étais fascinée par les mots, alors j’ai appris à lire toute seule.

C’est la guitare qui t’a donné envie de passer de la poésie à la chanson?

Oui, mais j’ai commencé à interpréter les chansons des autres comme Nirvana et Léonard Cohen, par exemple. J’ai grandi dans la musique anglophone. J’ai écrit en anglais jusqu’à l’âge de 20 ans. En écoutant Léonard Cohen, je me suis rendu compte que je n’aurais jamais une poésie aussi imagée, aussi touchante que lui en anglais. Je n’aurais jamais assez de vocabulaire à ma disposition.

Alors, tu as décidé de chanter en français.

En chantant en français, je me sentais beaucoup plus vulnérable, mais je me suis rendu compte que j’étais capable d’aller plus en profondeur et de trouver les mots qui pouvaient toucher ceux qui m’écoutaient. J’ai une meilleure maitrise du français que de l’anglais, il fallait que je me rende à l’évidence. L’anglais est plus malléable que le français, alors, quand même, pour moi, c’était un plus gros défi. Ecrire du rock en français, c’est dur ! « I love you baby » ne sonne pas comme « je t’aime mon amour ».

Clip de "La révolte".

Quel a été le déclic qui t’a fait envisager de faire une carrière dans la musique ?

J’élevais un enfant toute seule, j’avais un emploi à temps plein et je débutais ma carrière à côté. Les trois ensemble, c’était trop. Il fallait que quelque chose saute. J’ai tenté un concours, les Francouvertes, en 2015, qui allait me faire savoir s’il y avait un potentiel commercial dans ce que je faisais ou pas. Il se trouve que les résultats me l’ont confirmé. Du coup, j’ai abandonné mon boulot.

Ça fait peur ?

Oui, parce qu’on a l’impression de se jeter dans le vide. Si je n’avais pas pris cette lourde décision, je pense que je serais devenue dépressive et amère.

samuele,les filles sages vont au paradis,les autres vont où elles veulent,interview,québec,transgenre,queerUn an après, au 48e Festival international de la chanson de Granby, tu as obtenu le Grand Prix.

Oui, et c’est grâce à cela que je suis en France en ce moment. Ça m’a permis aussi d’avoir de l’argent pour finir mon album et d’avoir un budget promo. 

Chanter est le meilleur moyen de délivrer des messages ?

Toutes mes chansons n’ont pas un message, ne sont pas militantes et engagées, mais par contre, il doit se passer quelque chose dans mes spectacles. Je sens l’urgence de dire des choses importantes. Chanter c’est porter une histoire. Les mots sont le premier instrument.

Quand elles ne sont pas militantes, tes chansons sont très dans le quotidien.

Ce qui est certain, c’est que je n’écris jamais des histoires inventées. Mon cerveau n’est pas capable d’inventer de la science-fiction.

Le texte d'"Egalité de papier".

Le premier titre de l’album, « Egalité de papier » tente de replacer la femme, au moins à la même hauteur que l’homme.

Au minimum. Mais « Egalité de papier » est plutôt un constat. J’ai écrit ce texte après avoir entendu une phrase qui m’a choqué : « le Québec est féministe ». On vit l’égalité sur le papier, mais la réalité est très violente. Dans les faits, il y a encore beaucoup de doubles standards et je les décris dans ce texte parlé. Les attentes ne sont pas les mêmes quand tu es une femme et quand tu es un homme.

Ce que tu dis dans ce texte écrit il y a 6 ans correspond à ce que l’on entend aujourd’hui grâce aux différents mouvements qui ont libéré la parole des femmes.

Le propos que j’ai dans « Egalité de papier » n’aurait pas eu le même écho quand je l’ai écrit. Là, tout le monde me parle de ce texte. J’ai l’impression que les gens ont envie d’entendre aujourd’hui ce que je pense depuis des années. C’est une coïncidence, mais c’était le bon moment de sortir ce texte.

Clip de "La sortie".

Dans « La sortie », tu expliques qu’il est bon de sortir du cadre, des conventions, du moule, pour aller là où on veut aller, sans restriction.

C’est exactement ça. J’ai eu cette image : la vie est une autoroute à 4 voies et soudain, il y a une sortie qui t’emmène ailleurs. Il est intéressant de la prendre, même si tu ne sais pas où elle te mène.

Il n’y a aucune concession dans tes chansons.

J’ai la chance d’avoir une équipe qui m’encourage à être moi-même. C’est un milieu où tu es vite attaqué de toutes parts, ou tu vas être jugé, critiqué, du coup, c’est difficile de se rendre vulnérable, d’ouvrir son cœur. Moi, avec le soutien des gens que j’aime, qui m’acceptent telle que je suis, j’ai décidé de me livrer complètement.

Sur scène, vous êtes complètement vous ?

Au maximum. Quand je vais voir quelqu’un en concert, j’aime bien que l’artiste soit vrai ou que le personnage qu'il "joue" nous emmène dans un autre univers dans lequel j’ai accès et qui me touche. Personnellement, je puise dans ce que je vis et je l’offre au public. Je vis tout très intensément. Je suis dans l’émotion. C’est un travail de plusieurs années d’être capable de n’avoir aucun frein.

Clip de "Dactylo".

Tu parles de la transsexualité ou de l’homosexualité sans aucun tabou.

Les gens qui vivent la même chose que moi sont heureux d’en entendre parler. Ce n’est ni politisé, ni un enjeu, c’est juste moi et ce que je vis. Nous vivons dans une société homophobe, alors je raconte  mon intimité ou ceux de mes amis qui sont comme moi en essayant de toucher les gens… ça aide à faire comprendre certaines choses et rendre les personnes plus tolérantes.

Il y a 10 ans, aurais-tu pu faire un album de ce type ?

Non.

Donc, les temps changent en mieux ?

Oui. Il y a une ouverture. Mais il ne faut pas comprendre « il y a une ouverture » et « ça va bien ». Ça va mieux, mais il y a encore beaucoup de problèmes et de violences.

Tu es optimiste ou pessimiste ?

Je fais beaucoup d’effort pour être optimiste. J’ai passé les trois quarts de ma vie à me battre. J’ai compris désormais que j’ai plus d’impact sur scène que dans une manifestation.

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J’ai l’impression que tes chansons « à messages » sont quand même poétisées.

Quand j’écris un texte, tout vient en images. Ce sont des émotions, des sentiments, des métaphores, des images qui me viennent. Mon cerveau ne décortique rien de façon cartésienne. Parfois, j’aimerais écrire autrement, mais j’en suis incapable.

Vous êtes peu à vous revendiquer « queer » dans la chanson, peu à s’exposer finalement. Tu n’as pas peur d’en devenir la porte-parole.

Même si j’accepte les émissions où l’on parle de ce sujet, je fais très attention pour que ça n’arrive pas. Si  j’ai l’occasion de donner la parole à quelqu’un d’autre, je le fais aussi. Tu sais, il  n’y a pas grand monde qui a envie d’en parler dans les médias. Moi, je viens d’un monde radical et le monde radical déteste le monde médiatique. J’ai un pied dans chaque partie, alors je joue le jeu. J’accepte certaines entrevues parce que je sais que si je n’y vais pas, ce sera quelqu’un de moins radical qui me remplacera. Le propos que j’ai envie de porter ne sera pas porté.

C’est quoi cette notion de radicalité ?

C’est aller à la racine des choses. Il ne faut pas confondre avec l’extrémisme qui est d’aller à l’extrême d’une chose. La racine, c’est le contraire. Le radicalisme queer, c’est déconstruire ce que l’on a appris de l’hétéronormativité (personne qui pense que l'hétérosexualité est la seule et unique orientation sexuelle possible). Si chaque personne avait des valeurs de respect, de consentement et d’ouverture, il n’y aurait pas de sexisme.

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Tu n’as pas peur d’être « segmentante » avec de tels sujets, pas vraiment « populaires ».

Je ne pense pas à ça. Je suis chanceuse d’écrire ce que je veux écrire sans compromis.

As-tu envie d’écrire autre chose que des chansons.

Je viens d’écrire une comédie musicale.

samuele,les filles sages vont au paradis,les autres vont où elles veulent,interview,québec,transgenre,queerAh bon ! Moi, je viens d’écrire un livre sur Starmania.

Non ! J’adore Starmania ! Avec Balavoine ?

Oui, toutes les versions en fait.

C’est vraiment un bel opéra rock, carrément révolutionnaire. C’est de la grosse tune (tune : chanson). Et je suis une grande fan de Daniel Balavoine.

C’est mon chanteur préféré.

Oh my god ! Moi aussi ! Il était fascinant. Voilà quelqu’un qui n’avait pas peur de dire ce qu’il pensait… et quelles chansons, quelle voix !

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Oh! Mais qui est sur le joli T-shirt de Samuele? 

Dans Starmania, vous auriez aimé jouer un rôle ?

Oui, celui que jouais Balavoine, Johnny Rockfort. Je veux être le bad boy.

Revenons à ta comédie musicale à toi. Elle va parler de quoi ?

Je n’ai pas envie d’en parler tout de suite, c’est un peu tôt.

Tu vis en communauté. C’est essentiel pour toi.

Je ne pourrais pas habiter toute seule. Je ne pourrais pas ne pas avoir une famille qui m’accueille quand je reviens d’une tournée. C’est une sacrée lapalissade, mais je ne me sens pas chez moi quand je ne suis pas chez moi. Sur la scène, tout va bien, je suis comme un poisson dans l’eau. Etre sur la route, rencontrer tout le temps de nouvelles personnes, par contre, c’est difficile. J’ai besoin de mes racines, ma famille, mes amis.

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Après l'interview, le 26 février 2018.

05 avril 2018

Barcella : interview pour Soleil

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(Photo : Michaël Boudot)

barcella, soleil, interview, mandorComme l’indique son dossier de presse, Barcella est un « artiste atypique et solaire, poète moderne ruisselant d’eau vive et d’audace. Il « conte » parmi les virtuoses les plus inventifs de sa génération. Homme de scène accompli, tantôt chanteur, musicien, conteur, slameur. Interprète saisissant et élastique, il se mue d’une plume à l’autre, nous bringuebalant du rire aux larmes avec finesse et humour. » J’ai déjà mandorisé Barcella et sa bio complète est là (dont je ne réitère pas son parcours).

Barcella sera ce soir et demain au Café de la Danse de Paris. Il vient de sortir son quatrième album, Soleil. Il y parle d'amour, d'espoir, de joie, de voyages, d'absence, il parle de lui, de ce qu'il a vécu ces 4 dernières années. Deux bonnes raisons pour donner rendez-vous le 15 mars dernier à cet artiste solaire de 36 ans dans un bar de la capitale. 

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barcella,soleil,interview,mandorInterview :

Tu me disais en off que tu étais angoissé par la sortie de ce nouvel album. Pourquoi ?

J’ai la chance d’avoir un métier dans lequel on voyage beaucoup, on rencontre de nouvelles personnes, on vit des aventures originales. Chaque album clôture une période de vie et cela fait bizarre de livrer cela au public. C’est une part de toi-même, la fin d’un carnet de bord et le début d’une nouvelle aventure.

Tu fonctionnes à l’envie. Entre deux albums, tu joues des spectacles jeunes publics, tu participes à des collectifs… 

On a fait plus de 100 dates de Tournepouce. Les enfants nourrissent beaucoup l’imagination des auteurs. Dans l’enfance, il y a une fraicheur et une capacité à s’émerveiller de tout. Ça m’a fait beaucoup de bien. J’ai adoré cette parenthèse artistique. Après, j’avais envie de revenir à des chansons pour les adultes, pour la famille. J’avais envie aussi de refaire des festivals d’été et des grandes salles.

On entend des chœurs d’enfants dans ta chanson « Soleil ».barcella,soleil,interview,mandor

Il se trouve que je parraine « On souffle dans ton dos », une association qui est chargée d’accompagner des enfants extraordinaires, plus exactement de jeunes autistes. Les membres de cette association font en sorte qu’ils soient scolarisés dans des écoles classiques avec des auxiliaires de vie. Il faut que ces enfants continuent à vivre et à s’élever avec les autres enfants. Il y a parmi eux une fille qui s’appelle Lisette et il se trouve que ses parents sont choristes. Je leur ai fait écouter une chanson pour voir ce qu’ils pourraient en faire vocalement. Dans cette famille, il y a 8 enfants… et  ils chantent tous. C’était tellement bien que je les ai invités sur 4 titres de l’album.

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« Soleil 2.0 » est la chanson la plus positive de l’album.

Il y a dans les mots simples, une puissance vibratoire très forte. Le soleil pour moi est synonyme de joie, de liberté, c’est le début des beaux jours, c’est une forme de source d’inspiration. Quand je fais des concerts, je vais souvent au milieu de la foule et j’ai vraiment l’impression d’être entouré des rayons de chacun. J’ai la sensation que l’on forme un soleil collectif.

On dit souvent aux artistes : « vous donnez au public ». Toi, tu trouves que c’est complètement réciproque ?

Evidemment. Le public nous donne beaucoup aussi. Ça se voit dans l’étincelle des yeux des gens. C’est avant tout un partage. Je me nourris énormément de l’énergie des gens. Leur côté solaire me donne envie de continuer à écrire. Ma plus belle histoire d’amour, c’est vous (rires).

Dans Tournepouce, ton spectacle « jeunes publics », il y a une chanson qui s’appelle « Maman ». Dans ton nouvel album aussi. Je me souviens que tu m’avais dit lors de notre première rencontre qu’elle était professeure de littérature et que ton goût des mots venait d’elle.

Elle était aussi prof de théâtre. C’est ma mère qui a nourri mon inspiration, mon goût pour l’écriture et mon amour des  mots. C’est quelqu’un qui aime les mots, qui les savourent… les chiens ne font pas des chats.

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Dans la chanson « Améthyste », tu racontes ton amour des mots.

Encore une fois, je parle de la puissance vibratoire des mots. Dans la vibration, j’entends le sens et la sonorité. Quelqu’un qui passe sa journée à vociférer des insultes, quelque part, se fait du mal. On le voit physiquement, dans ses yeux, dans la manière qu’il a de dessiner son visage avec des rides qui tombent. Les gens solaires fabriquent des visages « sourieux ». Cultiver la joie est un chemin plus vertueux et plus courageux que faire des chansons de pleureurs.

Tu n’aimes pas les chansons tristes ?

Si. On peut se nourrir de nostalgie et de mélancolie, mais je trouve plus courageux de cultiver la joie. Bourvil, Georges Brassens, Henri Salvador, Boby Lapointe, Robert Lamoureux, Charles Trenet, Boris Vian… Quand vous écoutez leurs chansons, ça vous remonte le moral en un instant.

Toi, tu ne cultives que la joie ?

Comme tout le monde, je suis traversé par toutes sortes d’émotions. J’en fais parfois des chansons, mais je ne les cultive pas. Sur mes anciens albums, j’ai proposé beaucoup de chansons nostalgiques comme « La symphonie d’Alzheimer », « L’âge d’or »… Je continuerai de les chanter, mais aujourd’hui, j’ai compris que quand la joie est là, tu as envie qu’elle reste. Quand tu es dans des émotions lancinantes et négatives, elles t’indiquent que la joie va revenir. Donc dans tous les cas, je ne cultive que la joie. Une chanson de pleureur, c’est une chanson de quelqu’un qui a envie d’arrêter de pleurer.

barcella,soleil,interview,mandorDans « La rivière insolente », où est la joie ?

Elle n’y est pas, mais c’est un chemin pour y arriver. Ce n’est pas une chanson introspective. J’aime l’idée d’endosser des rôles d’interprètes. Là, je joue un papa noyé dans l’alcool qui s’adresse à sa fille. Préoccupé par les turpitudes sa vie, il se rend compte qu’il ne lui a jamais dit « je t’aime ». Je connais beaucoup de gens touchés par ce problème, ce n’est pas pour autant que cela concerne mon père ou moi. Nous, on arrive à se dire je t’aime en se regardant droit dans les yeux.

Tu aimes les artistes qui ne sont qu’interprètes ?

Bien sûr. La puissance du rôle de l’interprétation est énorme. On peut travailler sur l’empathie et embrasser des émotions qui ne nous appartiennent pas. Brel et Aznavour sont extraordinaires par rapport à ça.

(Soudain, un jeune garçon nous interrompt poliment et avec le sourire. Il salue avec respect Barcella et lui dit que lui aussi est Rémois et qu’il l’apprécie beaucoup. Qu’il l’a vu souvent sur scène et qu’il va acheter son nouveau disque. )

La scène que nous venons de vivre est géniale car symptomatique de ce que tu projettes aux gens. La sympathie immédiate.

C’est une loi de l’univers, on récolte ce que l’on sème. Ça me touche énormément ce genre de chose. J’ai une carrière modeste, je suis connu juste dans le monde de la chanson, je fais ma vie professionnelle sur les routes, mais pas à la télévision. Voir un type de 20 ans m’exprimer sa joie de me rencontrer, c’est la plus belle des récompenses. Dans la mesure où l’on récolte ce que l’on sème, commençons par semer des mots empreints d’une certaine poésie, d’une forme de douceur, de légèreté nourrie au soleil et à l’harmonie.

Comment est ton public ?

Il est fantastique. Sans flagornerie. D’ailleurs, tu n’es pas obligé de l’écrire. J’ai fait à peu près 800 concerts, il y a quelques personnes qui sont venus au moins 80 fois. Je ne sais pas comment ils ne se lassent pas, même si chaque soir est différent. Je laisse une grande part à l’improvisation et je m’adapte aux gens qui sont en face de moi. On a un public curieux, fidèle et solaire.

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Et quand on fait un cover d’une de tes chansons, tu aimes ?

Voir ses chansons voyager et écouter d’autres gens les chanter est merveilleux. J’ai vu quelques covers, notamment de « Ma douce » ou du tube des Fréro Delavéga, « Le chant des sirènes » dont j’ai écrit les paroles, ça m’émeut beaucoup.

« Le chant des sirènes » reste ton plus grand succès.

Je ne reviens pas de l’ampleur d’une chanson comme celle-là. C’était une très jolie chanson d’habillage d’album qui ne devait initialement pas sortir en single. Là, il y a quelque chose qui me dépasse. Encore une fois, quand les choses sont faites avec le cœur et avec des mots choisis comme on choisirait des bons ingrédients pour faire une bonne salade. A un moment, l’univers fait le reste. Je ne l’explique pas, c’est la magie du monde. Ce titre est la plus grosse diffusion radio en 2015.

Clip de "Passe-passe".

Ta chanson « Passe-passe » m’a justement fait penser au « chant des sirènes ». Elle est faite de la barcella,soleil,interview,mandormême façon, c’est-à-dire avec un refrain ensoleillé d’une redoutable efficacité.

C’est le groupe belge Suarez qui en a fait la musique. D’ailleurs on retrouve ce titre sur leur disque aussi, mais dans une version plus épurée. Je leur avais dit que s’ils ne mettaient pas plus en avant cette chanson dans l’exploitation de leur album, je la chanterais aussi sur mon propre disque. Je l’aime vraiment beaucoup car elle a une simplicité élégante. C’est un hymne à la sensualité. J’y vois le soleil que j’ai envie de voir.

La musique aussi à évolué dans cet album.

Je voulais une forme de renouveau avec des sonorités inédites dans mes chansons.

Il me semble qu’avec ce disque, tu vas passer dans un cap « populaire », dans le sens noble du terme.

Mais, je veux être un artiste populaire. Je rêve que mes chansons embrassent le plus grand nombre de monde. Populaire ne veut pas dire simpliste, mais simple. Une chanson simple peut rencontrer le cœur des gens. « Le sud » de Nino Ferrer est un chef d’œuvre de simplicité. On n’est pas dans une poésie trop céleste, mais dans des mots simples qui touchent immédiatement. On peut faire quelque chose en s’adressant à la francophonie, avec le cœur et sans brader l’exigence qu’on peut avoir par rapport à une belle chanson.

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(Photo : Michaël Boudot)

C’est quoi une belle chanson finalement ?

Je le répète, les plus belles chansons sont simples. Tous les plus grands cuisiniers te le diront : un bon plat, c’est peu d’ingrédients, mais c’est une manière de les cuisiner… avec la bonne intention.

Faire simple, c’est compliqué ?

C’est toute la magie des sportifs. J’adore le snowboard, le skate aussi. Quand tu as un certain niveau tu fais des gestes techniques avec le sourire aux lèvres en donnant l’impression que c’est d’une simplicité accessible à tous, alors qu’il y a 20 ans de travail. Quand tu as tellement travaillé quelque chose, tu peux te décentrer. Brel le disait fort justement : « le talent, c’est que de la sueur ».

Tu écris dans l’effort ?

Pas du tout. Je n’explique pas très bien mon inspiration d’ailleurs. C’est comme un robinet qui s’ouvre au-dessus de ma tête et qui m’inonde d’un coup. A ce moment-là, il faut juste que je me rende réceptif. Quand l’inspiration est là, j’ai deux heures pour récupérer tout ce qui tombe. Le lendemain, je prends deux trois heures pour peaufiner le texte. Finalement, j’ai ce qu’on appelle des fulgurances.

Tu fais toujours de longue marche en montagne ?

Bien sûr. Je marche 8 à 10 heures tout seul. C’est souvent à ce moment d’ailleurs que l’inspiration arrive. Je fais le point et je sème mes petits cailloux comme le Petit Poucet, je sème la tristesse sur le bord de la route pour revenir rechargé à bloc. Je puise l’inspiration dans les hauteurs, ensuite, je reviens vivre des choses ici. J’ai besoin de faire de gros festivals et d’être entouré de plein de gens solaires que j’aime et qui m’aiment. Ensuite, je retrouve ma solitude parce que je l’aime, qu’elle me protège de  plein de choses, parce que j’y trouve l’inspiration. Je serais malheureux de n’être que dans l’un et ne pas avoir accès à l’autre.

barcella,soleil,interview,mandorLa dernière fois que nous nous sommes vus, en août 2016, au Festival Pause Guitare (photo à gauche), tu sortais d’un gros coup de fatigue. Là tu as l’air en pleine forme.

J’avais mis un an à m’en remettre en effet. Je sortais de trois tournées différentes (Tournepouce, le collectif 13 et la tournée Puzzle) en même temps, j’étais en plein surmenage. J’ai aujourd’hui plus d’énergie qu’à l’époque. C’est grâce à l’alimentation. J’essaie de manger moins acide, beaucoup plus d’aliments crus, des graines germées, des fruits… Quand tu commences à changer ton alimentation, tu as aussi des pensées plus apaisées. Tu es moins dans le stress et l’anxiété. C’est vraiment relié. L’intestin, c’est le cerveau qui donne le signal. Je suis sorti d’un cercle vicieux pour rentrer dans un cercle vertueux par l’alimentation.

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Après l'interview, le 15 mars 2018.

04 avril 2018

Tony Melvil : interview pour La relève

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tony melvil,la relève,interview,mandorTony Melvil, vient de sortir l’un des albums français les plus audacieux de l’année, La relève. Un disque inclassable. Mi-rock, mi-punk, mi-chanson. Les chansons qui le composent ont été écrites sur plus de 10 ans et ont été pour la moitié d’entre elles déjà enregistrées dans ses trois premiers EP : Tentative d’évasion (2012), La cavale (2014) et Plein Jour (2015). Les nouveaux arrangements de ces chansons que l’on connait déjà sont au cordeau… quant aux nouveaux titres, ils nous mettent une bonne baffe. Comprenez, on se réveille, presque en état de choc. KO, sonné. Merci Tony pour cet album rugueux, avec des angles saillants, sans concession. C’est si rare.

Tony Melvil propose sa "Release Party" le 5 mars 2018 (en co-plateau avec K!) au Nouveau Casino.

Avant ce rendez-vous, le 27 février dernier, nous sommes retrouvés dans un bar de Pigalle pour une troisième mandorisation. (La première là en 2014 et la seconde ici en 2016).

L’album (argumentaire de presse) :tony melvil,la relève,interview,mandor

Dans son premier album, Tony Melvil fait la guerre, à blanc. Une croisade contre le monde idiot qui l'entoure, contre nos folies et nos paradoxes. Armé de son violon et porté par un rock rugueux savamment orchestré, il nous balade entre des chansons coup-de-poing et des textes plus songeurs. Outrancier, sans aucun doute. Tragique, souvent, lorsque la guerre, les migrations, les violences que l'on tait apparaissent, reviennent, tournent sur elles-mêmes. Politique également, ancré dans une génération en quête de sens, refusant de suivre la voie tracée, cherchant de nouvelles solutions.

(…)

L’écoute de ce premier album est loin d’être reposante. Il faut y marcher et  même courir, se prendre une série d’uppercuts avant de se laisser caresser par La relève, chanson titre et final acoustique où le piano d’Albin de la Simone agit comme  un baume qui soigne nos blessures, nous laissant dans une vaste rêverie sur le monde qui nous entoure et notre place en son sein.

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(Photo : Mandor)

tony melvil,la relève,interview,mandorInterview :

Vous vous êtes enfermés 10  jours à 8 dans une grange dans les Hautes-Fagnes, en Belgique. Il n’y avait aucune connexion avec l’extérieur et vous ne vous êtes rien interdit.

Je trouve qu’on n’arrête pas de s’autocensurer dans ces métiers-là. Mon manager, Pierre Marescaux a proposé que l’on s’éloigne de toutes préoccupations du quotidien pour que l’on fonce, quitte à aller trop loin. J’ai fait quelques disques avant celui-ci, quand je les réécoute avec un peu de distance, je déplore que tous les effets voulus aient été amoindris. J’ai compris aujourd’hui qu’il faut trouver le bon dosage et surtout ne pas hésiter à grossir le trait.

Grossir le trait, ça veut dire que peut-être le public ne comprend pas quand c’est  trop fin ?

Je ne dis pas ça. Le côté outrancier dans certains de mes textes et de mes musiques, c’est pour m’amuser. Les gens savent que c’est un jeu. Je ne veux plus rien faire de timide et consensuel. Quand on fait ce métier, on espère toujours qu’on va plaire à un public large, du coup, on édulcore son travail. Aujourd’hui, j’ai réglé ce problème, du coup,  je fonce là où je veux sans me restreindre.  L'album La relève est donc violent, rugueux et sans retenu.

Clip de "Au courage". Réalisation : Pierre Martin.

Est-ce qu’il t’arrivait de penser que tu allais trop loin quand même ?

Non, je te dis, on n’a fait aucune concession. En chanson, on est toujours dans un entre-deux. Le côté « variété grand public » et le côté « chanson à texte ». Pour ne pas avoir le cul entre deux chaises, nous y sommes allés fort.

Cette originalité peut te distinguer des autres artistes français.

Des gens qui ont des personnalités très fortes, il y en a et ils font de superbes carrières. Philippe Katerine par exemple, je ne pense pas qu’il soit dans le calcul. Il fait ce qu’il veut. Point. Il faut trouver jusqu’à quelle limite on peut aller.

Pourquoi fais-tu ce métier ?

Mon moteur, c’est de continuer à me découvrir. J’ai envie de chercher et d’ouvrir de nouvelles portes.

Clip de "Les miroirs à l'envers". Réalisation : Pierre Martin.

Même tes nouveaux clips sont conceptuels.

Je bosse avec un vidéaste avec lequel je fais une série de clips. Ce sont des clips « augmentés » où on essaye de faire cohabiter la chanson en tant que telle et un deuxième texte. C’est un peu expérimental. Pierre Martin bosse pour l’opéra et le théâtre. Il est très ambitieux, notre collaboration était évidente.

Parfois, je me  suis gouré dans l’interprétation que je faisais de certaines de tes chansons de l’album. Par exemple dans « Wagons à bestiaux », je pensais que tu évoquais les wagons à bestiaux qui transportaient les déportés vers les camps de la mort. Or, j’apprends dans le livret que tu fais allusion aux trains dans lesquels les gens se comportent n’importe comment, notamment avec leurs téléphones portables.

Pour une certaine génération, je me suis dit que c’était normal. Je ne veux pas dire que tu es vieux, mais pour des gens plus jeunes, ils ne pensent pas forcément à la seconde guerre mondiale.

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C’est intéressant finalement cette histoire de sens et de double sens dans une chanson.

C’est l’idée aussi du titre de l’album, La relève. C’est quoi la relève ? C’est un type qui se prend pour la relève de la discipline ? Quelle prétention ! Mais ce n’est qu’un jeu. Sur la pochette, on a caché le visage. Rien n’est clair. J’aime l’idée que l’on soit dans le flou. Toujours poser des questions, ne jamais y répondre…

A ce propos, tu précises dans le livret qu’avec ce disque tu es parti « avec l’ambition de révolutionner la discipline, mettre la barre très haute pour donner le meilleur de soi ». Tu n’as pas peur qu’on se dise que tu as le boulard.

Je m’en fous. Je ne fais pas de la musique que pour ma chambre. Un artiste doit aller loin et doit avoir de l’ambition. C’est mon métier et j’essaye de me surpasser. Si dire ce que j’ai dit peut devenir un moteur pour me permettre de me surpasser, allons-y ! La charge narcissique est violente dans ce métier, mais très franchement, je lève le curser de la prétention loin... aussi par jeu.  

"Palmyre" (en audio).

Ca participe à ton personnage un peu provocateur. tony melvil,la relève,interview,mandor

Tony Melvil est provocateur et un peu arrogant, mais Tony Melvil, ce n’est pas mon vrai nom. Quand je suis chez moi et que je vais chercher mon gamin à l’école le soir, je suis normal et tout le monde se fout de ce que je suis. Encore une fois, jouer à l'insolent, c’est un jeu qui m’épanouit.

Tu décris la violence du monde depuis toujours. Mais avec une ironie mordante. J’adore.

Il faut trouver la bonne distance. Dans quelques années, j’irai peut-être vers des choses plus lumineuses. Pour le moment, je trouve qu’il y a de la beauté dans le sombre, dans le malheur. Il y a des histoires à raconter. « Palmyre » est une chanson sur les migrants. J’habite à Lille,  j’ai beaucoup travaillé à Calais, du côté de Grande-Synthe aussi. Je les vois les vieillards passer sur l’autoroute, on sait d’où ils viennent. Je parle de l’atrocité des guerres qui se mélange à l’Histoire. Il n’y a pas que les hommes,  les monuments tombent aussi. La schizophrénie de ce monde est dingue, c’est un matériau intéressant, même s’il est horrible. Dans ce disque, notre vision de la violence du monde, nous l’avons sorti avec une énergie de bulldozer, un son de chantier de démolition. Ne surtout rien ramollir, rien tiédir.

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Pendant l'interview...

Tu as demandé à un artiste que j’aime beaucoup, Dimoné, de venir te donner un coup de main sur l’aspect scénique.

On était en résidence ensemble parce qu’au moment de préparer les concerts liés à cette sortie d’album, je ne voulais pas être seul à réfléchir à comment j’allais aborder les choses. Je trouve que c’est important d’être conseillé par un regard extérieur. Et quel regard ! C’était vraiment génial et on s’est bien marrés. Dimoné nous a beaucoup aidés.

Je t’ai vu interpréter « En chantant » de Michel Sardou sur France 3 Hauts-de-France (voir là). Qu’est-ce que c’est que cette histoire ?

A la base, on voulait chanter le vieux titre d’Hallyday, « Cheveux longs, idées courtes ». Ils ont considéré que ce n’était pas assez connu. Du coup, on a choisi de chanter Sardou. On s’est amusés comme des fous. Ce  qu’il représente dans le milieu musical et au point de vue idéologique, ce n’est pas notre tasse de thé, mais en toute sincérité, j’ai été touché par certaines de ses mélodies. Il n’y a pas que le cerveau qui nous fait apprécier telle ou telle chanson ou tel ou tel artiste, il y a aussi l’instinct.

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Après l'interview, le 27 février 2018.

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03 avril 2018

K! (Karina Duhamel) : interview pour La femme en boîte

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16939145_1386137311407694_662988681101513260_n.jpgK ! (Karina Duhamel à gauche vue par Monch) sort un disque, humain, organique et intense. Celui d’une femme en quête de renouveau, de vérité et de simplicité, qui cueille sur son passage tous les possibles. La femme en boite prend pied dans l’intimité pour mieux s’élancer dans l’immensité. De la vie, du monde, des gens. D’un quotidien bouleversé, d’amours contrariées aussi. Une quête d’absolu, un appel d’air en souffle continu. Ce premier album produit par Fabien Tessier, « brave ses propres démons, empoigne le sentiment amoureux pour le tordre, le distordre et lui faire rendre l'âme ». Il vient de rentrer directement à la 7eme place dans le classement francophone QUOTA. Quant à K!, elle sera au Nouveau Casino en "release party" le 5 avril 2018 (co-plateau avec Tony Melvil).

Le 12 mars dernier, nous nous sommes retrouvés sur la terrasse d’un bar de République pour une seconde mandorisation. Dans la première, nous avions parlé de ses débuts et du pourquoi du comment d’une vie dédiée à la chanson.

Sinon, elle a été aussi l'invitée de Bernard Poirette sur RTL.

Biographie officielle (par Olivier Bas) un peu écourtée :Copie de promo presse album.jpg

Les sourires que distribue K! ont la capacité de passer de la malice à la tristesse sans étapes visibles. K est la onzième lettre de l’alphabet, c’est aussi dit on la plus rare. Cet article devant ce nom en dit long sur la personnalité de celle qui le porte. Ni drôle, ni triste, toujours forte de son chemin de femme, K! n’impose rien mais montre tout. Comme une cheffe elle mélange les ingrédients et bouscule le sens et les sens (...).

C’est Charles Denner et son hymne aux femmes dans  L’homme qui aimait les femmes de Truffaut qui ouvre le bal en introduction de « L’adultère », le ton est donné : cet album sera féminin ou ne sera pas. De façon certaine à la fin de ces dix titres on connaît mieux Karina Duhamel, même si la pudeur embue les mots. On connaît surtout mieux sa vision du féminin, toutes les femmes peuvent se retrouver dans « Le chemin » : « J’ai fait du parachute suspendu à des rêves, j’ai câliné des brutes qui me disaient crève ! ».

Sur cet album on tape volontiers du pied sur les chansons narratives qui se nourrissent de son observation du monde. Elle ne juge guère, grossit volontiers le trait, fait son boulot d’artiste en somme : « Mes chansons sont sociétales sans en avoir l’air ». Maintenant en trio avec Samuel Cajal qui cosigne « Dors » qui conclue l’album et Matthieu Le SénéchalK! sur scène en vraie medium manie l’humour avec dextérité, mais  le sourire sombre parfois dans le noir. C’est comme ça la la la la !

"Un chef d'œuvre d'ironie et de passion." Indie Music

"Coup de cœur immédiat." Bernard Poirette RTL

" Ballade entre magie et fantastique." Que faire à Paris

"Une intensité rare." FrancoFans

"une chanteuse aux facettes multiples." Zebrock

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(@Loic Guilpain)

Interview :

Avant tu te cachais derrière des machines, là, avec tes deux musiciens, as-tu l’impression de plus te livrer ?

Bien  sûr. Je ne suis plus protégée par ma Tour de Babel. J’avais peur que mon énergie soit perdue avec des musiciens sur le côté. C’est tout le contraire. Je peux m’appuyer sur ces deux supers musiciens que sont Samuel Cajal et Mathieu Le Sénéchal.  J’ai trouvé une liberté que je n’avais pas avant.

Je t’ai vu à un concert privé au Studio des Variétés, tu as semblé t’éclater. Tu ne t’éclatais pas avant ?

C’est marrant que tu me dises cela, car j’en ai parlé avec Gislaine Lenoir qui est coach scénique au Studio des Variétés. Elle me disait qu’il y avait chez moi la notion de « travailler dans la douleur ». Ce n’est pas rare chez les artistes. J’avais besoin de ça et je pensais que je ne pouvais pas faire autrement. J’ai compris aujourd’hui que l’on peut travailler artistiquement dans le plaisir.

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Au Studio des Variétés le 20 février 2018 avec Matthieu Le Sénéchal et Samuel Cajal.

2566116984.jpgQuel a été le déclic qui t’a incité à changer de formule ?

C’est ma rencontre avec Barbara Weldens (voir photo à gauche). Je l’ai vu la première fois sur scène il y a 3 ans. J’ai été bluffée par l’énergie qu’elle dégageait. Et puis, à un moment, j’ai compris qu’il fallait avoir plus confiance en son travail. J’ai réalisé que je n’étais pas obligée de mettre 10  millions d’artifices dans une chanson. Si elle est bonne, elle tiendra debout toute seule. Clairement, je n’avais pas confiance en moi, donc j’en rajoutais partout des tonnes.

Cela dit, ça a fait de beaux spectacles. Jamais je ne me suis dit que tu en faisais trop.

Sauf que si, un peu. Maintenant que je ne me cache plus, tout le monde me dit que je suis libérée.

Tu as trouvé la bonne formule et les bonnes personnes.

J’ai ce sentiment-là. Il se passe pas mal de chose. La video de « L’adultère » a presque 25 000 vues. En regardant les stats, j’ai constaté que cette vidéo a été regardée en grande partie par des femmes. Le sujet a dû les intéresser. Je pense qu’il y a un phénomène d’identification. On est tous confrontés à la jalousie. La chanson est drôle et grinçante. Je me suis juste amusée à grossir le trait.

Vidéo de "L'adultère".

Ce qu’il se passe autour de toi et de ton disque, ça vient au bon moment ?

Oui, je crois. Si ça vient maintenant, c’est que je n’étais pas prête avant. J’ai fait cet album parce que je sentais qu’il fallait que j’aille au bout. Je me disais que ce serait peut-être le dernier, alors on a tout donné.

Tu avais perdu l’espoir de trouver un large public ?

Oui, un peu. Je me suis même dis : je fais ce disque et quoi qu’il se passe, j’arrête. C’était vraiment  parti comme ça. Je n’y croyais plus. C’est beaucoup d’énergie, d'argent, de temps et je ne suis plus une toute jeune. En plus, mon projet, n’est pas un projet populaire…

Si, je trouve. Il y a plusieurs tubes potentiels, comme « Le chemin » ou « L’adultère ». C’est de la musique pop électro très fédératrice.

Merci alors.

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(@Thierry Arensma)

Tu vas participer au Mans Pop Festival  dans quelques jours.

Je viens de cette région. C’est pour moi un retour aux sources. J’accède aux demi-finales. C’est loin d’être gagné.

(Note de Mandor : l’interview a été faite quelques jours avant la participation de K ! Du coup, sachez qu’elle est revenue du Mans avec le 1er prix de la chanson francophone + le prix Wiseband + le prix de la ville de Coulaines.  Clap-clap!)

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K! avec Matthieu Le Sénéchal et Samuel Cajal le 31 mars 2018 avec tous leurs prix décrochés au Mans Pop  Festival.

Dans ton album, il y a aussi des chansons que l’on connait déjà, mais elles sont réarrangées. Ça leur donne une dimension plus intéressante.

C’est Fabien Tessier qui en est l’artisan. Il a enregistré, réalisé, mixé et masterisé toutes les chansons. Il a déjà réalisé des albums de Claire Diterzi, il a donc l’habitude de travailler sur des projets pas communs. Il m’a incité à ne pas en faire trop avec ma voix. Il voulait que je sois juste et que j’ai les bonnes intentions. Il m’a emmené dans un travail vocal finement ciselé. Il a gommé mon côté trop théâtral.

Dans ton EPK, tu expliques que tu aimes les westerns parce que ce sont des adultes qui jouent aux enfants. Au fond, c’est exactement ce que font les artistes, non ?

C’est vrai. On ne raccroche pas nos rêves et on joue tout le temps.

Somptueux EPK de l'album.

Ta chanson Almeria est la plus « western ».

La plus cinématographique aussi. Mais au fond, chacune de mes chansons sont des courts-métrages.

Tu joues souvent sur le sens et le son.

Parfois même sans le vouloir, parfois en cherchant beaucoup. En règle générale, je ne passe pas beaucoup de temps sur un texte. Quand je passe beaucoup de temps sur un texte, il finit dans le tiroir. Je ne suis pas une laborantine.

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Pendant l'interview...

Toutes tes chansons ont un fond très sombre, même si parfois, elles font sourire.  La chanson « Tumeurs », par exemple, elle est belle mais elle me fait froid dans le dos.

Mon père est mort d’un cancer et ça faisait longtemps que je voulais faire une chanson sur ce thème. On a commencé à collaborer avec Samuel Cajal et il a été d’accord pour m’écrire un texte. Il voulait juste avoir le sujet. Je lui ai dit que je voulais un texte dans lequel je suis une tumeur. Il a accepté non sans se poser de questions (rires).

Il y a aussi « Dors », qui est sur la mort de quelqu’un.

La mort est très présente dans la vie. Dès notre naissance, on sait comment ça va se finir.

Et  «Le chemin » ?

Ce n’est pas le chemin qui mène de la vie à la mort, c’est plus le chemin qui te fait revenir chez toi, sur les lieux de ta jeunesse.

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Après l'interview, le 12 mars 2018.

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01 avril 2018

Simon Chouf : interview pour Volatils

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(Photo : Fabien Espinasse)

simon chouf,chouf,volatils,interview,mandorChouf depuis le début de sa carrière nous emmène dans son monde à la fois torturé et empreint de douceur et de tristesse. Dans ce quatrième album, Volatils, enregistré au Studio Elixir (Toulouse) par Manu Cabrol (Anakronik, Magyd Cherfi, El Gato Negro...) et réalisé par Dimoné, il aborde les tensions planétaires, qu'elle soit politique, économique ou sociale, et souligne la fragilité de l'homme.

Le 23 février dernier, Simon Chouf est venu à mon rendez-vous, à l’heure de l’apéro…

Biographie officielle :

Nourri aux textes de Brassens et au blues cuivré de Tom Waits, le Monsieur Chouf des débuts a mué en Chouf, crooner au poing levé, pile tragique, face poétique. simon chouf,chouf,volatils,interview,mandor

Dans ce quatrième album, Volatils, il est question des migrants des mers (« Le cimetière des oiseaux »), de l’état orageux du monde (« Les êtres jetables »), des amours (« Fugitive »), des peurs et des questionnements ressurgis de l’enfance (« Des Aveugles » écrit par Christian Olivier), le tout enveloppé d’une musique chaleureuse. Ces thèmes graves et personnels sont enluminés par des tableaux métaphoriques riches de sens et d’émotion qui ont en commun, la fragilité de l’humain et son passage éphémère sur Terre. Ses rêves volés, Chouf les transforme en fête populaire, empruntant des chemins parfois rock, parfois swing pour embarquer le public dans son spectacle.

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(Photo  : Fabien Espinasse)

simon chouf,chouf,volatils,interview,mandorInterview :

Chez toi, on écoutait beaucoup de musique quand tu étais petit ?

On écoutait de la musique surtout dans la voiture. Il y avait quelques cassettes. Tu sais celles qui duraient 90 minutes. Je m’en souviens d’une avec sur une face Cabrel et sur l’autre, Souchon, le live Défoule sentimentale qui date de 1995. Il y avait une autre cassette avec Renaud sur les deux faces. Plus tard, quand on partait en vacances, mon père emmenait une valise de CDs. Lui, son truc, c’était la musique cubaine, du jazz et les deux premiers albums de Nilda Fernandez. Vers 10 ans, j’ai eu mon premier poste personnel. J’ai demandé qu’on m’offre les disques de Pierre Perret et de Brassens. Mais, je pense que j’étais influencé par les chansons « Fernande » et « Le zizi » (rires). Du coup, j’ai eu un double album de Brassens. Je pense qu’il a eu un impact sur moi et ma création.

Tu écoutais autre chose ?

Oui, les conneries qui passaient à la radio à l’époque. Mais les premières chansons « à histoires », je m‘y suis familiarisé grâce au rap et au hip-hop des années 90.

Tu commences la musique quand ?

Quand j’arrive au lycée. Je découvre la guitare grâce à des copains. Je m’y mets en essayant de jouer les musiques que je connaissais déjà, dont Brassens. Très vite, je me suis mis à chanter. Je préférais faire une demi-heure de guitare en rentrant à la maison que de faire mes devoirs, tu t’en doutes.

Mais au lycée, tu écoutais de la chanson française plus « jeune ».

Oui, des gens comme Mano Solo, les Têtes Raides, la Mano Negra, les Négresses Vertes, Pigalle, Marcel et son Orchestre, La Rue Kétanou … tous les artistes alternatifs du moment et ceux qui faisaient de la chanson festive. J’écoutais aussi les artistes de Toulouse, Zebda qui cartonnait, les Beautés Vulgaires… A Toulouse, ça chante beaucoup dans les bars. Un jour, je vois Jehan chanter du Leprest, du Anne Sylvestre, du Pierre Perret. J’ai flashé sur la belle chanson dans le plus simple appareil. Je me suis construit à l’écoute de tout ça.

Clip de "Ca va péter". 

Tu as joué dans quelques groupes.

J’avais un premier groupe de chansons néo-trash-réalistes, Les sexes symboles. A 16 ans, alors qu’on ne savait pas faire de la musique, on jouait déjà dans les bars de la ville. A l’époque, il y avait beaucoup de concerts amateurs. Les assos fourmillaient dans tous les sens, alors la possibilité de jouer était facile. On en profitait. Je le répète, on ne savait pas jouer, du coup, nous faisions les cons, mais on donnait beaucoup physiquement. Il se passait des choses à chaque fois. Ensuite, j’ai joué dans un autre groupe, Les moites de peau dans lequel il y avait aussi Manu Galure.

Les moites de peau s’arrêtent quand tu avais 18 ans.

Oui, le chanteur part au Québec. Je me dis que ça devient compliqué de faire partie d’un groupe. Je décide de faire des chansons personnelles à la guitare. A 20 ans, je m‘y mets sérieusement. On me propose des concerts de soutien pour des associations, des trucs militants… c’était pour moi l’insouciance absolue.

Tu avais quel répertoire ?

Manu (Galure) m’avait filé quelques textes, moi j’avais deux, trois chansons. A aucun moment, je me suis dit que j’allais faire ça de ma vie.

En 2006, tu es à la fac lors des manifestations anti-CPE. Il y a un blocage pendant tout le deuxième semestre, tu restes donc chez toi toute la journée.

J’ai pris conscience que je ne voulais plus aller bosser, mais faire de la musique tout le temps. Se lever et faire de la musique directement. La vie rêvée.

Ainsi Monsieur Chouf n’a pas tardé à arriver.

Je raconte des petites histoires à la guitare, mais je ne me sens pas « chansonnier ». Je me sens inhibé alors je décide de ne pas faire ce métier avec mon nom civil. Chouf est mon surnom tiré de mon nom de famille. Monsieur Chouf m’a permis de me cacher derrière un personnage sur scène. Depuis 2011, c’est-à-dire dès le deuxième album, j’ai enlevé le monsieur. Je n’ai plus eu besoin de ce subterfuge pour chanter. 

Clip de "Être jetables".

Aujourd’hui, tu es un chanteur en état de marche, justement.

J’ai pu évoluer dans la région grâce à une salle comme Le Bijou. Philippe Pagès a lancé pas mal d’artistes. Ensuite le Festival Pause Guitare d’Alain Navarro à Albi a créé en 2009 une scène "découvertes". Je me suis retrouvé là-dedans au bout de 6 mois de chansons. C’est marrant parce qu’au fur et à mesure de mon parcours, des portes se sont ouvertes et j’ai pu rencontrer des artistes que je vénérais comme les Zebda, les Têtes Raides, Arno, dont j’ai fait les premières parties.

Tu es sorti assez vite de ta région.

Oui, il y a eu un concours en Suisse, puis une résidence en Suisse grâce à Jean-François Delfour des Rencontres d’Astaffort. Tout s’est fait naturellement. J’ai commencé à tourner partout en France.

Comment sens-tu que tu évolues ?

Je suis en perpétuelle évolution et je me sens de plus en plus en phase avec ce que je veux faire. Je prends un chemin qui me plait bien. Avant, j’avais tellement de figures tutélaires, de références énormes dans la chanson, qu’il a fallu que je me dise que je ne serai jamais eux. Je me suis aperçu que ce que je voulais être ne correspondait pas à ce que j’étais. En 2013, lors de la tournée de l’album, «L’hôtel des fous », il y a eu une réflexion, une analyse très profonde. Il a fallu que je fasse le deuil de mes ainés et que je devienne moi. A partir du moment où j’ai réalisé ça, je me suis senti beaucoup mieux sur scène et plus légitime dans le métier. Je commençais à assumer mes chansons et ce que j’étais.

Teaser tournée "Volatils".

Il me semble que ta voix à évolué entre ton troisième album et le nouveau. Prends-tu des cours de chant ?

Oui, parce que je n’étais pas satisfait de ce que je faisais vocalement. J’ai donc pris le problème à bras le corps. J’avais besoin de savoir comment placer ma voix, comment ne pas l’abimer inutilement. Ça me permet aujourd’hui d’être mieux dans le texte et, du coup, la chanson respire mieux.

Comment travailles-tu un nouvel album ?

J’accumule des pistes de chansons, des thématiques, des bouts de textes, des bouts de musiques, puis je rassemble et je fais le point. Je ne suis pas en création permanente. Si je devais caricaturer, je dirais que je fais les chansons en même temps que le disque.

Dans l’album Volatils, tu parles beaucoup des travers de notre société.

Il y a deux portes d’entrées qui se rejoignent dans cet album. Il y a des chansons avec des textes universels comme « Etre jetable », « Magie noire », « Ça va péter », « Le cimetière des oiseaux » et il y a des chansons plus de l’ordre de l’intime. Elles ont le spectre du contexte du moment. Le point commun de ses textes-là, c’est la fragilité de l’humain aujourd’hui dans la vie. Le propos n’est pas super guilleret, mais c’est ça qui me touche. Bref, je suis là et, j'espère, pour longtemps.

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Je n’aime pas du tout la chanson engagée, mais ce que j’aime chez toi, c’est que tu ne fais pas la morale, tu ne dis pas des choses vindicatives. Tu fais réfléchir, mais sans brusquer.

Je ne me permettrai surtout pas de faire la morale. Je ne me positionne pas dans un questionnement argumentaire. Des sujets forts me parlent, mais j’essaie d’en faire un rendu poétique. Dans mes chansons, il y a beaucoup de moi et de mes turpitudes, de mes centres d’intérêt, mais j’y glisse des images, des métaphores et des choses qui permettent aux gens de se retrouver. Une chanson, c’est l’alchimie parfaite entre la voix, la musique et les mots.

Tu sais bien que dans les médias, si on parle des migrants, des réfugiés, du monde qui va mal, c’est faire de la chanson engagée.

D’abord, qu’est-ce que la chanson engagée ? Qu’est qu’un artiste engagé ? Vaste sujet. Il y a des gens dans leur quotidien lambda qui sont beaucoup plus engagés que bien des artistes. Je ne parle même pas des artistes qui ont une posture de personne engagée et qui dans leur quotidien ne sont pas en adéquation avec leur discours ou  avec ce qu’ils chantent. Il faut vivre en phase avec ce que l’on raconte et ce que l’on dégage.

Tu es content de ton sort dans le monde fabuleux de la scène française ?

Oui, dix ans plus tard, je peux me targuer d’être encore là. Je fais encore des chansons et j’ai encore envie de les produire et de les chanter sur scène. Je ne te dis pas que c’est facile, mais je suis là. Ma quête idéale serait d’avoir une base solide de public pour faire ce métier encore longtemps. Je n’ai jamais décollé, ni explosé, mais je me suis quand même retrouvé à faire des scènes énormes. J’ai joué mes chansons au Zénith de Toulouse. J’ai aussi chanté devant 15 000 personnes lors de la Fête de la Musique sur la place du Capitole à l’époque où les caméras de France 2 n’y déposaient pas ses caméras. Je dis ça, mais j’adore aussi défendre mes chansons à la guitare dans un salon sans micro et autres artifices.

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Après l'interview-apéro, le 23 février 2018

31 mars 2018

Evie : interview pour Balades électriques

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(Photos : David Desreumaux)

evie,balades électriques,interview,mandorLe troisième album de la chanteuse Evie est sorti hier (le 30 mars 2018). Dans balades électriques (à écouter ), elle distille ses sentiments, ses révoltes, ses émotions et une certaine rage de vivre, le tout sous fond de musique pop, rock, électro, folk… Du bel ouvrage réalisé par une jeune femme sensible et mélancolique… à fleur de peau, même.

Je lui ai donné rendez-vous le 23 février dernier pour une toute première mandorisation.

Biographie officielle :

Auteur compositeur interprète, Evie, de sa voix grave et claire, s’applique à trouver le mot juste pour exprimer de façon simple et universelle ce qui touche à l’intime. 

Evie a chanté en anglais, puis en français, joué du piano, puis de la basse, traversé quelques orages et quelques tristesses que l’on devine ici et là au fil de ses mots, a gardé le cap et la passion. 

D’abord chanteuse du groupe Time Factory, avec l’album No Borders  (première partie de Feist et Rachid Taha), elle devient ensuite la voix féminine du duo Paris Brune en 2010 (L’œil du Cyclone, Jive Epic). 

En 2011, elle commence un projet solo, reprenant pour l’occasion le surnom que quelques amis lui ont donné : Evie

Deux premiers disques voient le jour, La route sorti en 2011 puis Sentimental System D, en 2013.

Argumentaire officiel du disque (un peu écourté):evie,balades électriques,interview,mandor

En 2017, Evie retourne en studio entre la Bourgogne et Paris pour enregistrer un nouvel opus, point d’orgue de sa collaboration depuis 2 ans avec ses deux musiciens, également présents sur scène. Au clavier ou à la basse entourée par sa violoncelliste et son guitariste, ainsi que Clive Martin aux manettes (Les Négresses Vertes, Dolly, Manu Lanvin, Les Wampas…) Evie installe un univers lumineux et éclectique qui distille quelques boucles électro mixées aux sons organiques, aux frontières de la pop, du rock et de la chanson française.

Mêlant sentiments, émotions et révoltes, lʼalbum, porté par des mélodies entêtantes et des textes profonds raconte comme une tranche de vie … Avec pour fil conducteur la voix. 

Il y a d’un côté l’espoir, de l’autre, il y a le désenchantement. On y retrouve les thèmes de la rupture, de l’abandon... Il y a aussi un regard, parfois ironique, parfois mélancolique sur le monde et les gens autour … l’idée de quitter le métro, la ville et ses « Foules absurdes », ou le plus léger « Lola », portrait d’une femme enfant évaporée.

En marge du reste de l’album, « Des heures », véritable plainte aux accents trip-hop, dévoile une atmosphère sonore de prédilection, également présente dans la chanson « Puisque les clowns », écrite suite aux attentats de Charlie Hebdo. Enfin « Un dernier verre », qui sonne comme un épilogue pour annoncer déjà la couleur, le chemin à venir…

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(Photo : David Desreumaux)

evie,balades électriques,interview,mandorInterview :

La musique est arrivée dans ta vie par hasard, je crois.

Mon père était médecin, ma mère est magistrat, mes frères sont dans la finance et moi, je voulais être cavalière professionnelle. Ça a été une partie de ma vie. Concernant la musique, petite, je faisais du piano, mais très vite, ça m’a ennuyé, j’ai donc arrêté. A l’âge de 17 ans, je me suis mise à chanter complètement par hasard. Le meilleur ami de mon grand frère est pianiste. Un jour, j’ai fredonné une chanson qui passait à la radio. Il a trouvé que je m’en sortais bien et ma proposé d’essayer de chanter chez lui. J’ai accepté. Ses parents sont arrivés dans la pièce où nous étions et m’ont demandé si c’était moi qui chantais. A partir de ce moment, je me suis dit qu’il y avait peut-être un truc à creuser de ce côté-là. Comme cet ami avait composé des instrumentaux, je les ai pris et j’ai commencé à écrire dessus. C’est ainsi que j’ai commencé.

Tu es donc une parfaite autodidacte ?

Oui, j’y suis allée au feeling.

Et la suite ?

Un jour, dans un bar d’Avoriaz, j’ai rencontré un batteur, Guillaume Rossel, le fils de Bernard Lavilliers. On a commencé à travailler ensemble, puis, du coup, on a fait un album sous le nom de Time Factory. Nous co-composions et j’écrivais les paroles. Je chantais, il faisait les arrangements.

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C’est à partir de ce moment que tu as décidé d’axer ta vie vers la musique et uniquement la evie,balades électriques,interview,mandormusique ?

J’étais en DEA de Politique Européenne. J’essayais de ne pas prendre de décision hâtive. Je ne savais vraiment pas quoi faire, mais ce que je savais, c’est que je ne voulais pas faire un métier classique.

L’aventure Time Factory a duré combien de temps ?

Quelques années, mais nous n’avons enregistré qu’un album. Guillaume est parti en tournée avec Rachid Taha, du coup j’ai décidé d’écrire mes propres chansons… et en français, ce qui n’était pas le cas jusqu’à présent. Par pudeur surement. Je me suis remise au piano. De fil en aiguille, j’ai composé un album entier. Après, je n’ai plus jamais décroché de la musique.

Ensuite, il y a eu le duo Paris Brune.

Je le formais avec le bassiste Pierre Legay. Il avait joué pour Time Factory sur l’album et en concert. Comme c’est un ami, un jour, il me demande de le dépanner en faisant quelques voix témoins pour quelques chansons à lui. Ils voulaient les proposer à d’autres artistes. On a enregistré une chanson et il s’est rendu compte qu’en duo, ça pouvait bien coller. A l’époque, les duos mixtes étaient à la mode. Il est allé proposer cette chanson, « L’œil du cyclone » à des éditeurs et quelqu’un a flashé dessus. Il nous a proposé de faire un album entier. On a donc enregistré d’autres titres et Jive-Epic a signé.

Tu arrives donc dans un gros label.

Le petit label dans lequel j’étais auparavant était très dynamique et me plaisait beaucoup. Être dans un gros label  m’a surtout permis de comprendre mieux le milieu de la musique, d’en connaître les rouages.

Clip de "L'œil du cyclone" du duo Paris Brune.

« L’œil du cyclone » est beaucoup passé en radio.

Ensuite il y a eu un autre single, « A l’endroit, à l’envers ». Et puis, la maison de disque n’a pas sorti l’album. Tout s’est arrêté d’un coup. Ils voulaient les éditions, ça ne les intéressaient de développer un petit peu notre duo.

Du coup, tu t’es repenchée sur ton projet solo ?

Oui, je me battais pour faire avancer les choses de ce côté-là. En 2011, j’ai fini par signer sur le label MVS pour mon premier album, La route. En 2013, j’ai enregistré un deuxième album, Sentimental Système D. Là j’avais pris un arrangeur, donc le disque était un peu plus rock.

Le clip de "La ligne" extrait de Balades électriques

Tu écris quand ça va mal ou quand tu vas bien ?

La tristesse m’a toujours porté. J’utilise mes soucis ou mes drames personnels pour en faire des chansons. Dans l’album Sentimental Système D, il y a au moins 4 titres qui évoquent la mort de mon père, plus ou moins clairement.

C’est bien d’utiliser ses épreuves de la vie pour en faire de l’art et les sublimer ?

Sur mon nouveau disque, j’aborde la séparation parce que c’est ce que j’ai vécu. J’aimerais bien qu’il ne m’arrive plus rien de ce genre, même si ça me permet d’écrire des chansons (rires).

Session acoustique de "Game Over" extrait de Balades électriques.

Tu racontes ta vie, mais ta vie ressemble à celles des autres, non ?

Oui, c’est tout à fait vrai… du coup, chacun peut s’y retrouver.

Tes disques mettent en avant une certaine mélancolie.

Dans la vie, je raconte énormément de conneries, je ris beaucoup, mais au fond de moi, je suis très mélancolique. En m’analysant, j’ai compris que j’aime autant les hauts que les bas. J’essaie aujourd’hui de préférer les hauts. 

Session acoustique de "Lola" extrait de Balades électriques.

Dans ton nouvel album Balades électriques, il y a une chanson sur l’attentat contre Charlie Hebdo, « Puisque les clowns ». Pourquoi ?

La question était : est-ce qu’écrire une chanson sur ce sujet était utile. D’autant que je savais qu’elle ne serait pas sur disque avant un bout de temps  et que d’autres s’y étaient collés immédiatement. Je n’ai pas résolu la question, mais je n’ai pas pu m’empêcher de l’écrire et de la sortir. Je voulais transcrire ce drame collectif d’une manière ou d’une autre. Ce qui m’a étonné, c’est qu’il y a eu beaucoup de chansons sur Charlie, mais pas sur le Bataclan, en tout cas, celles qui existent n’ont pas été faites dans l’immédiateté. On était tellement à plat, tellement assommés, que personne n’a osé en faire une chanson.

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(Evie par Mandor et son iPhone6)

Es-tu d’accord si je dis que ton écriture n’est pas frontale ?

C’est vrai. Je n’aime pas le sens direct, j’aime bien passer par des chemins de traverse. Il y a de la poésie, des images, des métaphores et surtout, je tiens à ce qu’il y ait une musicalité dans mon écriture. J’y tiens même beaucoup. Par contre, je ne veux pas que l’on ne comprenne rien, sinon, ça n’a pas d’intérêt. Il y a donc un juste milieu à trouver.

Ça te fait du bien d’écrire ?

Oui, mais c’est aussi toujours un peu douloureux. Je ne sais pas pourquoi je fais ça… (sourire). 

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Après l'interview, le 23 février 2018.

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