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29 mars 2019

Emilie Marsh : interview pour la sortie de son album éponyme

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(© Gil Lesage)

emilie marsh,fraca,interview,mandorJ’adore l’idée d’écouter un disque d’un(e) artiste qu’on ne peut comparer à aucun(e) autre. C’est rare. Dans l’album d’Emilie Marsh qui sort aujourd’hui sur le nouveau label FRACA, on est dans du pop-rock qui, à coups de riffs de guitares saturées et de textes en français écrit avec précision, tend vers un rock énergique, moderne, avec du sens (je suis donc assez d'accord avec la revue trimestrielle Hexagone). C’est assez inédit en France.

J’observe cette artiste depuis des années et je ne peux que louer son évolution. D’un début balbutiant (comme tout le monde), elle maitrise désormais parfaitement son chemin, sa musique, son attitude… et les codes et ficelles du métier qu’elle peut désormais contourner facilement.

L’oiseau tombé du nid est devenu puissant aigle.

Le 7 mars dernier, nous avons conversé un moment dans un bar de la capitale pour évoquer son album, son label (dont elle est à l’origine avec Katel, mandorisée ici, et Robi mandorisée là)… et de bien d’autres sujets.

Biographie officielle :

Sur scène, une guitare blanche Duesenberg se détache sur une silhouette noire, soulignée de rouge à lèvres : Émilie Marsh est une femme guitariste. La formule révèle une attitude et une filiation.

Elle prolonge l'odyssée des héroïnes pop ou rock, qui ont redoublé de talents et d'énergie pour s’imposer parmi les hommes. Depuis quelques années, elle se fraie un chemin jusqu'aux plus grandes scènes en tant que guitariste ou leadeuse (Francofolies, Pause Guitare, Printemps de Bourges...). Elle y apparaît seule, en groupe (BODIE) ou aux côtés d'artistes de renom comme Dani, avec qui elle forme un duo complice (« Sur les ondes »). Elle participe aussi à divers projets musicaux et littéraires : Scènes d’Amour avec Simon Mimoun, et La Nuit Ne Dure Pas en compagnie d’Emmanuelle Seigner et Dani. En mars 2019, elle fera une apparition au cinéma, dans Nos Vies Formidables de Fabienne Godet, dont elle a aussi composé la chanson du générique.

Mi-loup, mi-chaperon rouge, c'est une artiste double : une guitariste vouée aux énergies pop et rock, et une auteure-compositrice habitée par la sensibilité poétique. Osmose des contraires. Son jeu transporte une sueur animale drapée d’élégance. Ses accords électriques se mêlent à la douceur de sa voix pour envelopper des mots ciselés.

Teaser de l'album réalisé par Tristan Sébenne. 

L’album (argumentaire officiel) :emilie marsh,fraca,interview,mandor

Émilie Marsh joue et chante le rock au féminin. Sur son album, elle cultive un style hybride et singulier, combinant le son et le sens. Le thème des textes trouve de l’écho dans les compositions et la production, résolument ancrées dans le présent. Elle revendique le droit au désir, sans engagement, ni étiquette. Le désir charnel, sensuel, et surtout le désir de vivre l’intensité du moment, de jouir de l’instant (« J’embrasse le premier soir »). Au fil de l’album, sa musique traque l’ivresse de l’instant. Elle retient toute l’intensité du moment vécu, 31 minutes pour faire durer le plaisir.

Ecrit et composé par Emilie Marsh sauf « Sur les ondes » écrit par Pierre Grillet, composé par Emilie Marsh et « Vents Violents » écrit par Céline Ollivier (mandorisée là) composé par Emilie Marsh.

Réalisé par Katel & A.L.B.E.R.T mixé par Fabien Martin (mandorisé ici) sauf « Sur les ondes » réalisé par Adrien Daucé mixé par Fabien Martin.

Vous pouvez écouter l'album ici.

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(© Gil Lesage)

emilie marsh,fraca,interview,mandorInterview :

Ce disque est arrivé tranquillement mais sûrement, non ?

Cela s’explique par le fait que j’accompagne de nombreux artistes sur scène à la guitare. Au-delà de ça, il y a eu plusieurs essais, plusieurs versions… De s’extraire de son propre projet permet de voir les choses autrement. Et puis, je voulais d’abord jouer les chansons sur scène pour savoir lesquelles j’allais garder. Ce temps-là a permis de murir le projet et de savoir vers quel son j’allais me diriger. Par contre quand on a enregistré le disque, c’est allé très rapidement. Il me semble que l’on ressent cette urgence dans l’album.

Tu commences à avoir l’image de la chanteuse à la guitare électrique. Il n’y en a pas beaucoup en France.

C’est devenu mon identité. Corporellement, quand j’ai ma guitare électrique, il se passe un truc chez moi que je n’arrive pas à définir. Mais j’ai du mal à m’en passer désormais.

Tu as joué du rock  avec plein d’artistes, évidemment, ça rejaillit sur ton disque.

Je ne sais pas si c’est conscient ou pas, mais en tout cas, j’assume ce côté guitariste rock. L’énergie que je donne sur scène, j’ai essayé de l’intégrer lors de l’enregistrement de l’album.

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Ce soir, Emilie Marsh fête une nouvelle fois la sortie de son disque à Toulouse dans la mythique salle du Bijou. Et ça déménage grave (selon ceux qui ont assisté au concert hier).

J’ai connu plusieurs Emilie Marsh. As-tu l’impression que tu as vraiment trouvé ton style?

Oui, et ça a été long. Au départ, j’étais dans une esthétique plus rock encore que ce que je fais aujourd’hui, ensuite,  j’ai fait une tentative plus pop. Aujourd’hui, j’ai l’impression d’avoir trouvé l’équilibre entre les deux.

C’est amusant parce que tu n’as pas une voix de rockeuse. Elle est plutôt claire et douce.

J’en ai fait une force en créant un contraste entre la musique et la voix. Pour moi, le rock c’est plus une énergie, une attitude, une manière de gérer la scène et une vision des choses.

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(Photo : Marie Monteiro)

Tu écris et compose toi-même tes chansons. A deux exceptions près. D’abord sur ton duo avec Dani, « Sur les ondes » dont le texte est signé Pierre Grillet, auteur de centaines de chansons pour, entre autres, Alain Bashung, Johnny Hallyday, Marc Lavoine, Sylvie Vartan, Vanessa Paradis, Feist, Caroline Loeb…

Je voulais symboliquement qu’il y ait un duo avec Dani sur l’album parce qu’on a beaucoup tourné ensemble ces dernières années, mais je ne suis pas parvenue à écrire des paroles sur la musique que j’avais composée. J’ai donc choisi un auteur important qui a beaucoup écrit pour Dani. Comme il l’a connait bien, il a vraiment su trouver le bon ton.

Autre chanson dont tu n’as pas fait le texte, « Vents violent ». L’auteure est Céline Ollivier.

Pour cette chanson, j’ai un peu calé sur l’angle et les mots. J’ai donc fait appel à une écriture que je connais bien et qui est assez aérienne. Je trouve que ça collait bien avec ma musique. 

Clip de "J'embrasse le premier soir".

Parlons du très sensuel et audacieux clip de « J’embrasse le premier soir ».

On voulait montrer une vague de baisers qui arrivaient soudainement. C’était un plan séquence absolument fabuleux à tourner. Les figurants ont bien joué le jeu et ont été parfaits.

Dans ce disque, tu n’as vraiment pas peur de revendiquer tes désirs, charnels ou pas.

C’est le sujet de toutes mes chansons : l’importance de l’instant, assumer ses désirs et cette soif de vivre à fond et au présent. Saisir le moment, prendre des risques aussi. Dans mon disque, il n’y a aucun texte au passé ou au futur. Tout est au présent.

Es-tu féministe ?

Je le suis complètement dans ma façon de vivre et dans mon attitude. Tant qu’il y a des inégalités, il faut les combattre. Mes textes n’évoquent pas forcément ça, mais ma vie oui.

Live session de "Goodbye comédie" réalisée par Robi.

As-tu conçu l’album idéal ?

J’ai fait l’album que je voulais faire. Je suis vraiment contente et je l’assume à 200%. C’est la somme de ce que j’ai pu accumuler ces dernières années et la photographie d’un moment. Ce disque me ressemble et c’est pour ça que je ne lui ai pas donné de titre.

Te sens-tu légitime dans ce métier ?

Oui, depuis que je fais beaucoup de scènes avec différents artistes. Le regard sur moi a un peu changé, mais je ne peux pas te dire plus précisément comment et/ou pourquoi.

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Emilie Marsh, Katel et Robi, les créatrices du label FRACA.

emilie marsh,fraca,interview,mandorParle-moi du label FRACA (Fraternité Cannibale) que tu as monté avec Katel et Robi.

Nous sommes trois chanteuses aux compétences différentes. Katel a son studio ; elle fait de la réalisation et de la production musicale, Robi réalise des clips et moi je fais de la scène avec plein de gens et beaucoup d’ateliers. Cela faisait un moment que l’on s’entraidait. Nous faisions même des « soirées chanteuses » où nous évoquions nos problématiques de femmes dans le métier de la musique. Un jour, on a décidé de mutualiser nos forces de manière structurelle. C’est devenu un label. Nous maitrisons maintenant toute la chaine et nous avons une réflexion globale.

Vous n’avez pas la même esthétique musicale et êtes très différentes les unes des autres.

Nous sommes complémentaires et c’est bien là le principal. Nous avons uni nos réseaux pour qu’il s’élargisse. On sait où on va et on se bat pour défendre l’image et l’efficacité de ce label dirigé par des femmes. Je n’ai pas peur de dire que FRACA est un label engagé.

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Pendant l'interview...

Il y a ce que vous appelez « Les nuits FRACA » qui remporte toujours un succès considérable.

On veut que la joie soit liée à notre label. C’est pour cela que l’on rassemble plein de gens pour faire la fête de temps en temps.

Clip de "L'aventure".

Tu es artiste intervenante pour l’organisme de formation de Voix du Sud.

Comme d’autres artistes, j’interviens dans des établissements scolaires, des hôpitaux psychiatriques, parfois des foyers de femmes. Je fais des ateliers d’écriture qui aboutissent à un concert des chansons crées dans la semaine avec des gens qui ne sont pas du tout musiciens.

Pourquoi fais-tu ça ?

Parce que j’adore ça et que j’en ai vraiment besoin. Etre dans la transmission donne du sens à sa propre vie. Je n’en fais que trois ou quatre par an, car cela puise beaucoup d’énergie.

Clip de "Haut le cœur" d'après des images tirées du film Nos vies formidables. 

emilie marsh,fraca,interview,mandorTu joues et chantes dans le film de Fabienne Godet, « Nos vies formidables », actuellement au cinéma.

On a tourné ce film sur le collectif et la solidarité des gens qui sortent de l’addiction il y a deux ans. Au départ, j’avais juste un rôle en tant que comédienne. De fil en aiguille dans une scène se situant dans un atelier musique, la réalisatrice m’a demandé de jouer quelque chose au piano, puis de chanter ce que je voulais. J’avais en tête la chanson « Haut le cœur » qui existait déjà et je trouvais que c’était celle qui collait le mieux au film. La chanson n’est pas sur cette scène là, mais a été gardée pour le générique de fin. C’est un film magnifique qui parle des humains, qui parle de tout le monde. Il faut vraiment le voir.

Une chanteuse est un peu une comédienne ?

C’est plus un dépassement, un prolongement, une extension de ce que je suis, mais surtout pas un rôle. J’essaie de ne pas être différente dans la vie que sur scène. Si je deviens un personnage, ce n’est absolument pas conscient. En concert, je veux vraiment rester naturelle, tout en étant dominante. Dans « Goodbye comédie » je préconise l’idée d’être au maximum nous-mêmes… je suis donc ce que les préceptes dont je parle dans mes chansons.

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A l'issue de l'interview, le 7 mars 2019 au bar Le Pachyderme. 

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26 mars 2019

Loane : interview pour Alone

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(Photo : Dimitri Menchikoff)

27545238_10155047884246277_1965921315291560955_n.jpgJ’ai toujours considéré que Loane était en avance sur son temps. Son deuxième album, Le lendemain, était complètement dans ce qu’on loue aujourd’hui (Jeanne Added, Clara Luciani et autre Angèle). Huit ans après elle revient avec Alone (à écouter ici). Un album pop aux ambiances électro et aux arrangements délicieusement organiques. Elle y évoque de sa plume élégante son histoire récente, ses réflexions sur la vie, le monde, l’amour…

Il serait bon qu’enfin Loane soit reconnue à sa juste valeur.

Le 20 février dernier, je suis allé à sa rencontre dans un bar parisien… (avec l'amicale visite de son amie et néanmoins chanteuse, Rose, après l'interview).

Argumentaire de presse officiel :IMG_9172.jpg

Après avoir collaboré avec la Légende Christophe (“Boby”) ou Lenny Kravitz (“Save us”) sur son album précédent, Loane revient avec Alone, un album qu’elle a réalisé en indé entourée de ses complices ingénieurs du son Ambroise Boret et Yann Arnaud

Seule derrière ses textes, son piano et ses machines, elle livre 11 chansons organiques et sensibles aux mélodies imparables. Quelques invités de prestige l’accompagnent dans ses voyages intérieurs : Michel Gondry  pour un duo (“Ne m’oublie pas”), Stéphane Milochevitch aka Thousand (co auteur de “Before Sunrise”), Auden (co arrangeur de “Before Sunrise”), Olivier Marguerit alias O (co arrangeur de “Andrea”), Rose (co auteure de “Partout”).

Suis-je bien normale, chante-t-elle solaire et solitaire, entourée de son double imaginaire, bercée et guidée par son goût pour les claviers et les beats électroniques. Ayant trouvé l’inspiration entre Paris, New York et Chicago, Loane nous fait voyager à travers son univers passionnant, son grain de voix fissuré et sa sensibilité à fleur de peau. 

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(Photo : Benjamin Decoin)

image1.jpegInterview :

Pourquoi es-tu allée vivre à Chicago pendant près de trois ans ?

Même si je faisais pas mal d’allers-retours, j’avais envie de changer un peu de vie, de mode de vie et de faire de nouvelles rencontres. Il est bon parfois de quitter ses repères. Cette période « américaine » m’a été très profitable. Je ne suis pourtant pas une grande voyageuse. Je le suis tellement dans ma tête.

J’ai lu que tu ne sais pas faire une chanson s’il n’y a pas un soupçon de vérité dedans.

Tu as raison. Ce n’est pas pour rien que j’ai fait du théâtre. Au théâtre, il n’y a plus du tout de vérité. On donne du sens à un texte en se mettant dans la peau de quelqu’un d’autre. Dans la chanson, je joue, chante, porte les textes. Ça vient de quelque part en moi. Je tricote entre la réalité et l’imagination. Je modifie certaines choses pour le bien de la chanson, mais la base est réelle.

Je trouve que ta voix est plus mise en avant dans ce disque que dans les deux précédents. Elle n’est pas mangée par les instruments de musique ou les machines.

On a beaucoup travaillé sur les mixages. Je voulais absolument que ma voix soit au centre pour ne plus me cacher. Dans l’album précédent, j’ai conscience que parfois je me cachais. Avant d’enregistrer Alone, j’ai beaucoup écouté de chanteuses qui m’ont influencée comme Banks, FKA Twigs, Hundred  Waters, Shura ou Rhye. Dans ce qu’elles font, il n’y a rien de trop. Il y a même de l’air, du silence parfois et la voix est mise en avant. Ça m’a certainement influencée.

Clip de "Normale".

Dans ton clip « Normale », tu converses à un double imaginaire ?

Je suis avec moi-même. Quand j’étais seule, j’imaginais que j’allais rencontrer quelqu’un qui pourrait m’accompagner dans tous mes projets. J’imaginais que c’était quelqu’un qui était en tout point comme moi, quelqu’un qui me comprendrait parfaitement. Un double moi-même. Un complément.

IMG_9259.JPG

loane,alone,rose,interview,mandorIl y a une chanson co-écrite avec Rose (mandorisée ici), « Partout ».

J’ai collaboré sur ses deux albums précédents, Et puis juin et Pink Lady, dont la musique de son duo avec Jean-Louis Murat, « Pour être deux ». Comme nous sommes copines et que nous nous voyons de temps en temps, un jour, je lui ai chanté mon refrain de « Partout » et elle m’a donné quelques idées lumineuses.

Tu collabores aussi avec Olivier Marguerit, alias O, un artiste qui vient de sortir un album, A Terre, que j’écoute en boucle. 

Il a arrangé la chanson dédiée à ma fille, « Andrea »… il a aussi posé des guitares très solaires qui n’étaient pas prévus. C’est amusant parce que, quand j’étais enceinte, j’écoutais beaucoup son premier album, Un torrent La boue.

Il y a aussi une chanson avec le réalisateur Michel Gondry (voir photo à droite),  « Ne m’oublie pas ». 48125586_10155675611531277_8583253963644600320_n.jpg

Nous étions voisins et nous nous sommes croisés dans un video club. Il est avenant donc nous avons parlé immédiatement. Ensuite, nous nous sommes recroisés souvent et de fil en aiguille, il a accepté de chanter avec moi. Nous nous sommes bien amusés en studio.

Ton album est très bien accueilli.

J’ai lu de belles choses qui m’ont vraiment touché. C’est une reconnaissance de mon travail qui a été long, massif et profond. Mon but n’est pas de faire un coup, mais d’aller au bout de ce projet nécessaire. Nécessaire.

Clip de "Etat limite".

Tu écoutes Alone avec plaisir ?

Oui, même si je ne l’écoute jamais spontanément. Il faut qu’il y ait une raison bien précise. Mais à chaque fois, je me dis que j’aime vraiment tout. Il n’y a rien de trop. J’ai tellement cherché à être proche de ce que j’aime que je trouve que tout me correspond toujours. Pour résumer, j’ai fait un album que j’aurais aimé écouter. 

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Le 20 février 2019 (photo : Rose)

25 mars 2019

Enrico Macias : interview pour l'album Enrico Macias et Al Orchestra

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J'ai déjà interviewé Enrico Macias, il y a 7 ans, dans le cadre de l'émission de France 2, CD'aujourd'hui. J'en avais fait un reportage particulièrement photographique. Voici un nouvel entretien pour l'un des journaux culturels pour lequel je travaille. Je me suis rendu chez l'artiste le 12 février dernier  pour évoquer son nouveau disque, Enrico Macias Al Orchestra. Voici le fruit de notre conversation. 

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"Adieu mon pays" aux cotés de Kendji Girac.

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Chez et avec Enrico Macias, après l'interview, le 12 février 2019.

22 mars 2019

Marjolaine Piémont : interview pour Sans le superflu

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marjolaine piémont,sans le superflu,interview,mandorMarjolaine Piémont dévoile avec élégance le propos d’une femme singulière, espiègle et audacieuse éprise de liberté. « Après un premier EP Presqu’un animal sorti en octobre 2016, cette « femme qui chante » ne griffe pas, mais égratigne en douceur avec ses mots mordants » explique encore l’argumentaire de presse.

Mais tout cela, je l’ai déjà raconté dans ma première mandorisation de la chanteuse datant d’il y a deux ans, à l’occasion de la sortie de ce fameux EP. J’attendais la suite avec impatience tant j’aime la voix, les chansons moderno-ironico-pince-sans-rire et la personnalité de Marjolaine Piémont. Sans le superflu est un disque d’une femme d’aujourd’hui aux textes malins et fins... et hyper bien produit. Un must dans cette production française parfois un peu trop classique. 

Vous pouvez écouter l'album ici.

Le 21 février dernier, nous nous sommes retrouvés dans un bar de la capitale.

Biographie officielle :marjolaine piémont,sans le superflu,interview,mandor

C’est en février 1994 que Marjolaine découvre la féminité, l’audace et la fragilité de Barbara sur scène. C’est un bouleversement pour Marjolaine, elle qui chante Purcell et Schubert lors de ses cours de chant au Conservatoire. Désormais, elle se consacrera à la chanson française. Et plus encore à ces femmes, qui osent chanter et affirmer leur indépendance.   Assoiffée de liberté, Marjolaine Piémont prend des trains à travers la plaine d’Alsace et arrive à Paris. L’histoire commence royalement avec Pierre Cardin qui lui offre son premier contrat chez Maxim’s. Elle arpente les scènes des caves de Saint-Germain-des-Prés aux toits de Montmartre, de bars bondés en salles clairsemées, de Kaliningrad à Abidjan, et chante même en japonais ; le Japon, son pays d’adoption qui lui propose une tournée « Hit Songs » de chansons françaises à travers tout le pays.   D’aventure en aventure, elle participe à des équipées fantastiques telles que Sol en Cirque ou encore Mozart l’Opéra Rock.   Cigale, Marjolaine chante mais travaille à aiguiser sa plume. De sa rencontre avec des compositeurs tels que Vincent Baguian, Phil Baron ou Aldebert, Marjolaine va séduire peu à peu par ses chansons, des tremplins et des festivals : Muzik’Elles, Le Mans cité Chansons, Les fils de Georges, Changez d’air, Prix Moustaki ou le Pic d’Or.   En octobre 2016, sort son premier EP Presqu’un animal. Il s’en suit Presqu’une tournée avec notamment les premières parties de Zazie sur sa dernière tournée.

Le 11 janvier 2019, paraît l’album Sans le superflu réalisé par William Rousseau et Edith Fambuena.

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marjolaine piémont,sans le superflu,interview,mandorInterview :

Ce que j’aime dans tes chansons, c’est qu’elles ont toutes l’air légères, or, pas tant que ça. Dans « Je suis bonne » par exemple, tu parles des femmes soumises…

Souvent quand on veut aborder des sujets graves, je trouve que le message est mieux véhiculé quand on y met un peu d’humour et de dérisoire. J'ai l'impression que ça rend le message sous-jacent plus fort. Cette chanson plait même aux hommes, alors que j’en dénonce certains qui traitent les femmes comme des plantes vertes.

As-tu rencontré des femmes qui se sentent concernées par cette chanson. Ce n’est pas évident d’admettre que l’on est une femme objet.

Il y en a qui l’admettent, mais à un moment donné, elles ont dit stop. Il y en a aussi qui sont dans ce cas de figure, mais qui s’en défendent. En tout cas, ça déclenche beaucoup de discussions.

Clip de "Je suis bonne".

Dans ton clip, il y a tous les clichés possibles et imaginables, c’est ce qui le rend drôle.

Dans les années 80 et 90, j’ai grandi avec une télévision très sexiste. La place de la femme dans Cocoricocoboy par exemple était incroyable. Les femmes avaient les seins à l’air et dansaient. On ne pourrait plus faire ça aujourd’hui. Il y en a d’autres qui retournaient les lettres dans un jeu télévisé, d’autres encore qui présentaient des prix comme si elles se vendaient. J’en passe et des meilleures.

Ça te choquait à l’époque ?

Oui, beaucoup. Je ne comprenais pas pourquoi on ne voyait jamais d’hommes faire ça.

Dans « Il était une fois », tu parles de l’arrivée d’une sœur et de la jalousie qui s’en est suivie.

Même si cette chanson n’est pas complètement autobiographique, je suis l’ainée d’une fratrie. Quand ma sœur est née, j’ai éprouvé de la jalousie et elle m’est restée pendant des années. C’est très difficile pour un enfant de trouver sa place dans une famille. Tu deviens ce que tu es par rapport à l’amour que tu as reçu ou non pendant l’enfance. Vraiment, il faut soigner l’enfance. Aujourd’hui, avec ma sœur, nous nous entendons très bien.

Depuis que j’ai entendu « Serrer la main », je préfère te faire la bise.

(Rires). Un jour, j’avais rendez-vous avec un directeur artistique. A un moment, il est parti aux toilettes uriner et il est revenu très vite. Tellement vite que je me suis dit qu’il n’avait pas pris le temps de se laver les mains. Au moment de partir, il m’a serré la main et ça m’a donné l’idée de cette chanson.

Comme quoi, une chanson tient à peu de choses.

J’adore trouver des thèmes tirés de situations ordinaires, voire anodines de la vie.

Tu rends hommage à ton homme dans « C’est beau un mec à poils » ?

Oui. C’est une des premières chansons que j’ai écrite. Mon homme est de type méditerranéen, assez poilu, donc. Plus généralement, c’est un hymne à ces hommes qui bordent la méditerranée.

Il y a aussi des moments plus mélancoliques, « Le parcours de santé » en est un. Tu te balades dans un cimetière pour aller te recueillir sur la tombe de ton père.

Parfois on se sent encore plus vivant d’être dans un cimetière, mais parfois on se sent triste d’aller dans cet endroit où repose quelqu’un qu’on aime.

Marjolaine Piémont et WEPOP : "Ma beauté intérieure".

Dans « Sans le Superflu », tu évoques les masques et le maquillage que tu portes pour ne  pas te montrer exactement comme tu es.

C’est valable dans mon métier et dans ma condition de femme. On essaie toujours de se montrer sous son meilleur jour. Est-ce que, sans ce travestissement, je serais aimée de la même façon ? Je me pose souvent la question. Parfois je me dis qu’heureusement que j’ai tout ce décorum autour de moi, il me permet de ne pas trop montrer la noirceur qu’il y a en moi.

Est-ce que tes chansons te ressemblent ?

Comme j’ai beaucoup travaillé mes chansons, je peux dire que c’est moi, mais en mieux. Je ne pense pas être très drôle dans la vie, mais il m’arrive parfois de sortir une phrase cinglante. Ça peut surprendre.

Il me semble que « L’amour nous a roulés dans de beaux draps » est une chanson sur la solitude.

Tu as raison, parfois, on peut se sentir seul à deux. La relation avec sa compagne ou son compagnon est sinusoïdal.

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Pendant l'interview...

La solution est de ne pas vivre ensemble ?

Je ne dis pas ça. J’aime beaucoup la vie en couple. J’aime le partage et j’aime le fait de connaître de mieux en mieux l’autre. C’est très intéressant de connaître à ce point quelqu’un. Ca renforce l’amour et le couple. On se rend compte qu’on aime la personne, même avec ce qu’elle a de plus noir ou d’énervant.

La dernière chanson de l’album est « La sol do mi ». Au début je pensais que c’était l’histoire d’un directeur artistique qui voulait « mettre le grappin », sexuellement, sur une chanteuse.

Ce n’est pas une chanson à prendre au premier degré. En fait, j'ai eu la sensation de me faire voler un texte de chanson. J’ai donc eu l’impression qu’on me l’avait faite à l’envers. Je ne veux pas en dire plus, mais elle a très bien marché. Ça a été la chanson phare d’un album d’un immense interprète. 

Ton album est bien accueilli. J’ai lu de beaux papiers sur lui.

Je suis ravie car j’ai de jolies chroniques dans des journaux comme FrancoFans et Hexagone. Ils m’importent beaucoup parce qu’ils sont faits par des personnes qui sont passionnés, pointilleux et qui connaissent parfaitement la chanson. C’est important pour moi la reconnaissance de mes pairs.

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Après l'interview, le 21 février 2019 au Pachyderme.

20 mars 2019

Auren : interview pour Numéro

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(Photo : Ismaël Moumin)

auren,numero,calexico,interview,mandorUn soir d’avril 2016, Calexico joue à l’Epicerie Moderne, à Lyon. A la fin du concert, Auren (mandorisée là en 2013 pour son premier album J’ose) confie à l’un des membres du célèbre groupe venu de Tucson quelques maquettes de ses nouvelles chansons. C’est ainsi que débute l’histoire de ce disque…

Nous nous sommes retrouvés au Studio des Variétés le 15 février dernier pour continuer l’histoire… qui fait désormais partie de son histoire.

Biographie officielle :

Née à Lyon, Auren est d’abord pianiste. Revendiquant son attachement à la variété francophone autant qu’à la simplicité brute d’un Johnny Cash, la jeune musicienne écrit ses titres et trace pas à pas son chemin toute seule, commençant par les petites scènes pour aboutir à des premières parties prestigieuses telles que celles de Chris Isaak ou Francis Cabrel. Débrouillarde et pleine de ressources, elle prend alors le temps de multiplier et triturer ses chansons avant d’enregistrer son album J’ose, sorti sur le label Naïve en 2013, réalisé par Nicolas Dufournet, dans lequel la chanteuse s’enhardit à développer toutes ses facettes musicales. L’album fera l’objet d’une tournée de plus de deux ans, dont quelques dates en compagnie de Benjamin Biolay, Yodelice ou Alex Beaupain. Des prestations toujours très remarquées, puisque encore tout récemment, en 2017, Olivia Ruiz elle-même, conquise par l’artiste, lui demanda d’assurer ses premières parties jusqu’à la fin de sa tournée.

Argumentaire de presse :auren,numero,calexico,interview,mandor

Aujourd’hui, Auren ose encore. Car Calexico, le groupe légendaire, a non seulement flashé sur les chansons de la petite frenchie, mais a décidé de réaliser entièrement le nouvel album. Voilà Auren embarquée pour Tucson. But du voyage, le vaste studio Wavelab, au milieu des cactus de l’Arizona, fréquenté par des artistes comme Amos Lee, Jean-Louis Murat, Dominique A, Giant Sand, Charlotte Gainsbourg et bien d’autres, y compris bien sûr Calexico.

Là, sous la houlette de Joey Burns, le fondateur multi-instrumentiste de Calexico, et de son compère batteur et percussionniste John Convertino, s’élaborent peu à peu les onze chansons de l’album. Des sessions enregistrées live avec la participation d’autres musiciens du gang. Résultat, un écrin sonore analogique et organique, foisonnant et vivant, comme des battements de cœur rythmant l’ivresse des grands espaces.

auren,numero,calexico,interview,mandorLe disque :

A l’unisson du thème de l’album, baptisé Numéro : une galerie de portraits de femmes, glanés au hasard des rencontres, alliage poétique d’observations vécues et de ressentis personnels. De sacrées numéros donc, toutes différentes, attirantes, singulières : l’impatiente, la révoltée, l’amoureuse, l’intrépide, l’excentrique, l’indécise, la paradoxale... Des chansons écrites là-haut sur la montagne savoyarde où vit désormais l’artiste, mises en musique par Romain Galland avec la participation de Gérald Raffalli, et enrichies des climats luxuriants de Calexico. Mais des chansons qui n’appartiennent qu’à Auren, cœur, corps et âme. Ballades folk-pop sur refrains entêtants, le tout servi par une voix à la fois puissante et sensuelle voilà qui fait de cet album, comme de son interprète, un numéro unique.

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(Photo : Ismaël Moumin)

auren,numero,calexico,interview,mandorInterview :

Il faut oser trouver un artiste pour faire écouter son travail. C’est ce que tu as fait un soir de 2016...

Quand Naïve m’a rendu mon contrat, ça devenait un peu plus compliqué pour moi. Je me suis demandé quelles étaient mes rêves et ce dont j’avais envie. Je trouvais que travailler avec Calexico était inatteignable, mais en même temps, qui ne tente rien n’a rien. J’ai donc envoyé les maquettes au management du groupe par mail. La manageuse me dit qu’elle fera passer tout ça à Joey Burns. Un  mois après, elle me répond qu’il n’est pas intéressé.

Ça commence mal, mais tu ne te décourages pas.

Avril 2016 arrive. On va au concert de Calexico à Lyon. A la fin du concert, mon homme m’encourage à me rendre au stand merchandising. Je vois l’un des guitaristes signer des albums et je me présente. Je lui explique que je rêve de travailler avec Joey Burns et John Convertino. Il me promet qu’il va leur remettre ma maquette et ma lettre. A une heure du matin, je reçois un mail me demandant si je suis encore dans les parages. Je n’ai répondu que le lendemain matin puisque je dormais. Je leur propose de venir les rejoindre à Berne 10 jours plus tard, car ils y jouaient.

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(Photo : Ismaël Moumin)

auren,numero,calexico,interview,mandorQue se passe-t-il dans ta tête pendant ces dix jours ?

J’étais surexcitée. Je me posais plein de questions sur ce qu’ils attendaient et sur la manière dont notre rencontre allait se dérouler.

Et donc, 10 jours plus tard ?

Il pleut beaucoup, la route est compliquée, je les préviens que je vais avoir une heure de retard. Ils me disent qu’il n’y a pas de problème, qu’ils écoutent mes chansons et qu’ils trouvent ça vraiment bien. Quand j’arrive à Berne, je rentre dans le club où ils sont en train de faire la balance. Ils me voient, arrêtent tout et Joey descend pour me faire un hug. J’étais très émue.

Ensuite ?

Il m’a présenté à toute l’équipe, puis ils ont continué la balance et après, j’ai discuté longuement avec Joey. Il m’a parlé de mes chansons en me citant les titres, je n’en croyais pas mes oreilles. A un moment, je lui demande s’il serait d’accord pour que j’enregistre mes nouvelles chansons au mythique studio de Tucson. Il me répond qu’il pense que c’est possible.

Il comprend le français ?

Non, mais je lui ai traduit toutes les chansons avant d’aller enregistrer.

Après, vous vous êtes revus en Allemagne.

Oui. J’étais accompagné de Romain Galland, mon guitariste. Joey nous demande de jouer et, après notre prestation, il nous dit que c’est bon. On va enregistrer ensemble à Tucson. Il a réservé le studio et l’endroit où on dormait. Je me suis dit « c’est quoi ce truc qu’il m’arrive ? » Comme quoi, parfois, il faut aller chercher ses rêves…

L'envers du disque… reportage très intéressant sur les coulisses de l'enregistrement avec de nombreux extraits. 

Quelques photos au studio Wavelab à Tucson - Arizona.

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Romain Galland, Auren, Joey Burns et John Convertino.

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(Photos : Martin Cuchet).

Comment as-tu vécu l’enregistrement ?

J’ai appris beaucoup. Il y avait chez Joey et le réalisateur beaucoup d’exigences. Une manière d’enregistrer très différente, beaucoup de live et de « one shot ». D’abord on plantait la rythmique. Tant que guitare-basse-batterie ne sonnaient pas, nous n’allions pas plus loin. Cela dit, avec eux, ça va assez vite (rires). En a enregistré sur bande les instruments additionnels, les voix, les chœurs…   à l’ancienne quoi !

Tout s’est bien passé ?

Oui, dans l’ensemble. J’étais quand même très impressionnée, très intimidée. Et j’ai perdu ma voix pendant 3 jours… mais pour moi, cette aventure a été une vraie école de la musique. Il y a eu un avant et un après.

L’album est celui dont tu rêvais ?

Je suis très heureuse parce que ce n’est pas Auren par Calexico, ni Calexico par Auren. Ils ont réussi à magnifier ce qu’on avait préparé en amont à Paris avec Romain. J’ai mis tout mon cœur et toute mon âme dans ce disque. Je l’adore à 100%. Je suis hyper heureuse du résultat. J’aime même ses défauts, j’aime le son qu’il a. C’est vivant !

Clip de "Moi, Jane".

Textuellement, tu parles beaucoup des femmes d’aujourd’hui, mais ce n’est pas un disque féministe.

C’est un album de femmes, voire un album d’une femme. Ce sont mes propres ressentis par rapport à ce que je vis et ce que je vois dans la vie des autres. Rien n’est inventé. Dans « Emilio », je raconte l’histoire d’amis à moi qui, après 20 ans de mariage, font chambre à part ou s’en vont parce que le désir s’est éteint. « Edith », c’est l’histoire d’une jeune femme que j’ai croisé pendant que j’animais un stage de chant. Au départ, quand j’ai écrit ces chansons, je ne pensais pas dresser des portraits. En tentant de prendre de la hauteur, il a fallu que je me rende à  l’évidence… si, ce sont uniquement des portraits de femmes.

Je ne parle jamais des titres, mais là, je m’interroge sur Numéro.

Il y a plusieurs sens, mais c’est surtout parce que toutes ces femmes sont toutes de sacrées numéros (rires). Et c’est mon numéro d’artiste. Dans Starmania, opéra-rock que tu connais bien, je crois, Claude Dubois chantait « J'aurais voulu être un artiste, pour pouvoir faire mon numéro »…

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Photo : Martin Cuchet
Tucson - Arizona - 2017

Je trouve que par rapport à ton premier disque Ose, ta voix a évolué. Je me trompe ?

Je crois que j’ai acquis en liberté et en confiance. Les scènes après J’ose m’ont donné confiance et de la technique. Ma vie personnelle aussi. Changement de vie, changement de lieu de vie, changement de conjoint... tout cela a fait que ma voix s’est épaissie et qu’elle est plus libre.

La voix est en rapport avec les événements de ta vie ?

La voix fait partie de la communication à 100%. Mais je vais jusqu’à dire que tout le corps l’est. Je crois beaucoup à ça.

Quand on est heureuse, on chante mieux ?

Oui, je crois. Quand on est plus épanouie, on est plus ouverte, donc on peut aller plus loin dans sa puissance de femme.

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Photo : Martin Cuchet
Tucson - Arizona - 2017 Auren et Romain Galland.

Après avoir travaillé avec Calexico, tu vas aller vers quel autre rêve ?

Je ne sais pas encore. Il y a beaucoup de musiciens qui m’intéressent. Mais pourquoi ne pas recommencer avec eux ? Je ne m’interdis rien.

Tu as gardé des relations avec eux ?

Ils sont contents du disque et continuent à être au petit soin avec moi. Joey m’envoie des messages tout le temps pour savoir où j’en suis, ce qu’en pensent les journalistes… Les journalistes et les gens trouvent que c’est un album agréable dans lequel tu voyages et où il y a de jolies histoires. Tu sens l’ouest américain, mais tu sens aussi la chanson. Je suis heureuse de ne pas être dans la mouvance.

Qu’est-ce qui te fait dire cela ?

Pour rentrer en radio, c’est un peu compliqué pour moi. Je ne suis pas electro pop ou electro rap, je ne sais quoi. Je suis folk chanson.

FIP est partenaire de l’album. C’est la grande classe.

Je suis heureuse de cela. C’est un vrai beau cadeau. Ça fait du bien.

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Photo : Martin Cuchet
Tucson - Arizona - 2017

C’est l’album qui te ressemble le plus ?

Je ne suis jamais allée aussi près de ce que je voulais. J’ai toujours eu peur du temps qui passe et finalement, je trouve que le temps est pour moi un véritable allié dans ma consistance artistique et dans ma profondeur d’artiste. Plus j’avance, plus je sais où je peux aller… et plus ce que je produis me ressemble.

Etre artiste, c’est un combat de tous les instants ?

Oui. Il faut toujours croire en ce que l’on fait. Il faut faire la différence entre ce que l’on fait et sa réussite commerciale. Ce n’est pas parce que ça marche ou ça ne marche pas que ce n’est pas bon.

Ce que tu dis là, pour moi, c’est une évidence.

Au fond, nous les artistes, nous sommes d’éternels insatisfaits, donc on a toujours envie que ça aille plus loin, plus haut, plus fort. On a envie que ce que nous avons créé soit partagé au maximum.

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Après l'interview, le 15 février 2019.

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16 mars 2019

bESS: interview de Guillaume Fanchon pour l'album Metz

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bess,guillaume fanchon,metz,interviewLe Messin Guillaume Fanchon est à l’origine de bESS. Après des débuts en anglais, le groupe aux inspirations anglo-saxonnes s'est mis au français dans son troisième album, Metz (ils reprennent même Michel Legrand, « Les Moulins de mon cœur », voir le clip plus bas). Il n’est pas exagéré d’affirmer que leurs chansons s'autorisent de grands écarts musicaux, mais l'esprit de bESS est toujours là, car cette pop empruntée aux anglais leur colle à la peau.

J’ai rencontré Guillaume Fanchon, le 13 février dernier dans sa loge de La Boule Noire où bESS se produisait deux heures après.

Biographie officielle :

-bESS- (à l’origine brit ESSence) est un groupe français aux inspirations Brit pop. Bercé par The Divine Comedy et Radiohead, c’est sur scène que le quatuor fait ses armes enchaînant plus de 200 dates. Il se pose en studio pour enregistrer son premier album. Everybody wants to have a good life se veut un hymne à la vie. Lyrique, mélodique et rocailleux. Le magazine ELLE loue leurs « mélodies envoûtantes » et Le Magazine Rock One les nommera parmi les meilleurs espoirs rock.

L'histoire du groupe bESS (époque langue anglaise).

Ils remportent la 1ère place du Prix Ricard aux votes du public et enchaînent à 4 une tournée qui les bess,guillaume fanchon,metz,interviewmènera dans des grands Festivals français comme Musilac, Beauregard, Imaginarium et les Déferlantes. Ils enregistrent alors leur 2ème album Human, né de l’observation de ce monde où le beau et le laid se côtoient étrangement. André Margail rejoint le groupe sur ce 2ème opus pour apporter sa touche à la fois rock et aérienne. Guitariste incontournable de nombreux artistes, il a joué avec les plus grands : Jane Birkin, Jacques Higelin, Mark Knopfler... -bESS- partage alors la scène avec Supertramp.

Avec Human, le groupe atteint plus de 20 000 fans sur les réseaux sociaux et le clip « Human » totalise à lui seul plus de 200 000 vues Facebook. « Une Pépite Britpop atmosphérique, qui s’inscrit en droite ligne d’icônes pop » dixit Rolling Stone Mag. Krishoo (FFF) rejoint le groupe à la batterie pour la nouvelle tournée qui accompagne la sortie du nouvel album Metz.

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Le 13 février 2019 à La Boule Noire.

bess,guillaume fanchon,metz,interviewInterview :

Avant bESS, il y a eu un premier groupe qui a quand même remporté le titre de Découvertes du Printemps de Bourges.

C’est au début des années 90, les Tommyknockers. C’était presque du grunge, mais nous étions quand même très inspirés par des groupes comme Radiohead. A l’occasion de la sortie de leur premier album, Pablo Honey, on a fait la première partie de Radiohead en 1993 dans une librairie où ils jouaient en acoustique. On a discuté longuement avec Thom Yorke et Colin Greenwood et nous sommes devenus un peu potes. C’est une vraie rencontre.

Et The Divine Comedy ?

Pareil. On a fait trois concerts avec eux et là encore, nous sommes devenus amis. Avec ces deux groupes, on a perdu le contact aujourd’hui. Ils ont pris tellement d’ampleur…

Je t’interviewe comme jeune artiste alors que tu as plus de 20 ans de carrière.

(Rires). Je suis un artiste en développement toute ma vie. C’est un parcours de vie finalement. Il y a eu les Tommyknockers, London Sofa, In and Out et bESS. Comme je ne me vois pas faire autre chose, que je sois célèbre ou non, ça ne change pas grand-chose. Ça fait 20 ans que j’écris des chansons, que je fais de la musique, que je monte sur scène, que le plaisir est intact…

Est-ce qu’on peut dire que les choses sérieuses ont commencé quand tu es arrivé il y a dix ans à Perpignan ?

Je ne sais pas. J’ai monté un groupe avec le guitariste, Matthieu Tarbouriech. On était en duo pendant trois ans. Très vite, on a fait la première partie de Selah Sue dans un festival à côté de Perpignan. Sylvain Philipon, notre ingénieur du son, nous a repérés à ce moment-là. Lui, il bossait avec Cali et d’autres artistes. Il nous a demandé si on voulait bien enregistrer trois titres ensemble. On a accepté et nous nous sommes retrouvés dans le studio de Cali avec d’autres musiciens, dont certains à lui, parce qu’on ne pouvait enregistrer qu’à deux. Depuis 8 ans, les choses se sont professionnalisées pour nous. Nous avons des musiciens qui ont joué avec Cali, Niagara, FFF… Même si on n’est pas trop connus, j’ai vraiment l’impression d’avancer.

Clip de "Vingt Saint Valentin".

C’est ton premier album en français, mais musicalement, tes musiciens et toi êtes dans la même veine  que les deux albums précédents.

Oui, c’est pop, rock, Britpop… c’est vraiment la musique qui nous fait vibrer. Chanter en français me demande beaucoup plus de concentration  parce que quand on interprète en anglais, la mélodie prend le pas sur les paroles. En France, les gens font moins attention au texte quand ils entendent la langue anglaise, alors que personnellement, je fais toujours très attention à ce que j’écris. Ils vont plus faire attention à l’émotion que va dégager la voix et celle que vont dégager les mélodies. Quand on chante en français, l’attention du public est complètement modifiée.

Malgré le changement de langue, il y a la même patte musicale.

C’est une vraie envie que  j’avais. J’ai fait en sorte d’arranger les morceaux et de placer les guitares de la même manière qu’avant... il fallait que ça sonne encore anglais. Ma culture reste anglaise tout de même. Mon arrière-grand-père était anglais, j’ai vécu en Angleterre…

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Pendant l'interview...

Pourquoi chanter désormais dans ta langue natale ?

Quand j’écris une chanson, ça part toujours d’une émotion, d’un vécu, d’un ressenti… ensuite, je laisse venir les mots. Il s’avère que sur tous les derniers textes que j’ai écrits, ils venaient en français. Je ne sais pas pourquoi. Au final, quand j’ai fait écouter mes nouvelles chansons aux autres musiciens, ils ont été surpris, mais ils ont aimé.

Du coup, chantes-tu de la même façon ?

Non. Ce sont deux langues qui raisonnent sur deux fréquences différentes. La langue anglaise est plus dans les aigus. Ça me plaisait bien parce que cela me permettait d’utiliser ma voix de tête. En français, on est obligé de se poser un peu.

Clip de "Les moulins de mon cœur". Images: Kevin Froly - Aurélien Richter- Archives Idem creative Art school. Musique : Michel Legrand. Texte: Marilyn et Alan Bergman

Tu te cachais derrière les mots en anglais ?

En écrivant en français, je n’ai pas le sentiment d’être plus personnel, sauf qu’inconsciemment, si en fait. Je suis plus dans le sens…

L’album Metz fourmille de trouvaille. Il faut l’écouter plusieurs fois pour tout déceler…

Tu as absolument raison. On a beaucoup travaillé. Il y a plusieurs lectures dans nos chansons donc plusieurs écoutes sont nécessaires pour aller chercher tout ce que l’on a mis dedans. J’aime les albums riches. J’aime quand, à la première écoute, je sens que je n’ai pas tout entendu. Metz est un album qui se découvre par touches.

Clip de "Metz".

Parle-moi de l’histoire de la chanson « Metz ».

Ma maman est tombée malade, je suis donc retourné à Metz il y a un an. Elle a eu un cancer foudroyant et elle est décédée en juillet. Je voulais que cet album s’appelle Metz aussi pour elle. La chanson raconte la ville, ses lieux emblématiques mais aussi un voyage, une vie entière qui nous transporte de Lorraine en Catalogne, les gens que l’on rencontre et ceux qu’on laisse derrière soi. Je jette un regard sur mon passé. Inconsciemment, il y a une symbolique un peu « spirituelle ». C’est bizarre, à la base, j’ai écrit cette chanson pour mon épouse, mais quand je la réécoute aujourd’hui, je me rends compte qu’il y a une double lecture et qu’on peut imaginer que c’est aussi pour ma maman. J’avais écrit le texte avant de la savoir malade. Les hasards…

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Le 13 février 2019 à La Boule Noire.

Tu as des thèmes récurrents dans tes chansons. Notamment sur l’observation du temps.

Oui, l’observation du monde et le temps qui passe. Ça me travaille quand je vois mes enfants grandir. Le temps prend de plus en plus de sens pour moi.

Tiens, je vais faire une lapalissade. La scène, c’est ce que vous préférez dans ce métier ?

C’est là où on est bien et, surtout, c’est là où  le groupe existe. On essaie de faire de jolis disques et de jolis clips, mais finalement, sans médiatisation, sans label connu, sans maison de disques, sans soutien financier derrière, pour faire exister un album, il n’y a que la scène. Ce qui compte le plus, c’est le partage avec le public.

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Après l'interview, le 13 février 2019.

14 mars 2019

BAST : interview pour son premier EP Vertiges

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bast,vertiges,interview,mandorIl y a une nouvelle génération de rockeur (un peu pop) qui arrive depuis quelques mois en France. Des artistes comme Dani Terreur, Arthur Ely, Solal Roubine, Antoine Elie… et BAST. Cette génération (qui peut compter comme grand frère Radio Elvis et Feu! Chatterton) est très enthousiasmante. BAST m’a tout de suite interpellé. Un physique à la James Dean et une attitude rock à la fois naïve et inspirée, très touchante. Son premier EP, Vertiges (que pouvez écouter là, à votre convenance), pas vraiment triste, mais un peu, souvent dansant,  parle d’évasion, de rêve et de décadence. Pas de doute, ce jeune homme de 26 ans cherche la place qu’il occupe dans la société… comme nous tous finalement.

Le 19 février dernier, BAST et sa manageuse m’ont convié dans leur fief, un bar de la capitale dans lequel on se sent bien, pour une première mandorisation…

Biographie officielle : bast,vertiges,interview,mandor

C’est à l’âge de 7 ans que BAST, de son vrai nom Bastien Jorelle, se retrouve sur un piano. Il se met très vite à écrire des chansons et décide d’intégrer la Maitrise des Hauts de Seine, chœur d’enfants de l’Opéra National de Paris

Il fait ses premiers pas sur scène à l’Opéra Bastille dans le rôle d’un des trois garçons de La flûte enchantée de Mozart et c’est ce jour-là, sous les acclamations du public, qu’il éprouve le désir d’en faire son métier. 

Durant sa mue, Bastien s’intéresse au rock avec Elvis Presley, les Rolling Stones ou encore Joy Division et monte son premier groupe The Croissants. Après plusieurs dates, dont une au Gibus et une autre au New Morning, la formation est finalement dissoute et donne naissance au groupe Inner Brain dont Bastien en deviendra le leader. Un EP  éponyme est auto produit et plus d’une cinquantaine de concerts sont donnés (La Cigale, Le Divan du Monde, Bus Palladium, Festival Les Déferlantes …). 

Inner Brain évoluant dans un style pop rock anglophone, Bastien se lasse et se lance en solo dans sa langue maternelle, le français : c’est ainsi que naît BAST

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(Photo : David Poulain)

bast,vertiges,interview,mandorArgumentaire de presse de l’EP Vertiges :

Il réunit cinq titres, tous écrits et composés par BAST.

Il aborde dans ses textes les thèmes de l’évasion, du rêve et de la décadence de son époque.  Dans « Paradise » et « La Nuit acidulée », l’homme, le protagoniste de ses histoires, apparaît comme dépendant d’une femme aux caractères mystiques.

BAST définit sa musique de « Rock’n’Pop à la française ». Le rock pour les tripes et la recherche d’une authenticité dans l’interprétation. La pop pour un esthétisme sonore et un désir d’efficacité.   

Versez dans un verre une goutte du Velvet Underground et de Jacques Higelin. Ajoutez un zeste de La Femme, de Flavien Berger et vous avez un avant-goût du cocktail préféré de BAST

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bast,vertiges,interview,mandorInterview :

Comment es-tu passé de ton groupe Inner Brain à BAST ?

J’étais le chanteur pianiste du groupe. On a fait un EP, une quarantaine de concerts, surtout à Paris, et pas mal de tremplins qui nous ont permis de jouer dans de grandes salles. C’était du pop-rock en langue anglaise. Au bout de trois ans et demi, on a décidé une reconversion en français. J’avais envie que l’on me comprenne. Ca a pris un peu de temps et le groupe a fini par se séparer. J’avais déjà commencé ma carrière solo en parallèle, ça n’a pas aidé.

Quand on fait partie d’un groupe, il faut l’avis de tout le monde… Tu avais le souci de devenir indépendant ?

Tu as raison. Je me suis rendu compte que j’avais envie de tout contrôler.

Tu es un artiste précoce. A 14 ans, tu avais déjà créé un premier groupe, The Croissants.

Oui, c’était un groupe de rock. Mais avant cela j’étais à la Maitrise des Hauts de Seine et dans le chœur d’enfants de l’Opéra National de Paris. J’ai fait mes premiers pas sur scène à 11 ans avec La flûte enchanté de Mozart. Quand j’ai commencé à muer, j’ai changé de direction musicale.

On écoutait quoi chez toi à ce moment-là ?

Mon père écoutait Michel Berger, Elton John, Michael Jackson… ce n’était pas tout à fait rock. C’est un pote qui m’a fait découvrir les Stones ou des groupes comme ça.

Il y a eu un déclic ?

J’aimais bien l’énergie que cela dégageait. C’est vraiment l’énergie qui m’intéressait le plus d’ailleurs… et qui continue à m’intéresser aujourd’hui.

Clip de "Franco".

Tu es passé aussi par l’école ATLA, qui forme aux métiers des musiques actuelles et du spectacle bast,vertiges,interview,mandorvivant.

J’y suis allé en sortant du BAC. J’ai fait un cursus autour du chant, de l’interprétation scénique, j’ai fait aussi un peu de travail théâtral. Qu’est-ce qu’on raconte à travers une chanson ? Ce sont des choses comme ça que l’on apprend. Il y avait une salle à disposition où était organisée des jams tous les mercredis et jeudis. J’y allais pour jouer avec plein de monde et c’était très intéressant. Sinon, j’ai aussi fait un stage aux Studios des Variétés avec notamment Olivier Bas. Ça m’a apporté beaucoup également.

Tu dis aujourd’hui que tu fais du « rock’n pop à la française ».

Il faut bien dire quelque chose (sourire). J’ai l’impression d’avoir cette énergie rock, mais avec des arrangements qui rappellent des artistes pop. Je ne peux pas prétendre faire du rock pur parce qu’il n’y a pas de grosses guitares saturées dans mes chansons. 

Clip de "Nos envols".

bast,vertiges,interview,mandorDans ce premier EP, tu as tout fait seul.

Sauf le mastering. J’ai demandé à Jean-Charles Panizza de Climax Mastering de s’en occuper. J’avais besoin d’un regard extérieur.

Quand on travaille seul, ce n’est pas compliqué d’être objectif sur son travail ?

C’est dur de prendre des décisions sans l’avis d’autres personnes, c’est vrai. J’ai perdu pas mal de temps en hésitations. Après plusieurs expériences de groupes, c’était quand même un vrai désir d’assumer seul un projet.

Tu décris un univers noir et un peu désespéré dans tes chansons…

Il y a tout de même un peu d’espoir dans certaines. J’avoue, il y a pas mal de vécu. Je raconte l’histoire d’un jeune homme entre 18 et 25 ans,  qui se cherche un peu, qui va dans des soirées arrosées avec de la drogue qui traîne… ça ne l’aide pas à trouver sa voie. Il y a une part de moi dans ces chansons. Sinon, en vrai, je suis quelqu’un d’assez joyeux.

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Pendant l'interview...

bast,vertiges,interview,mandorLe magazine FrancoFans t’a trouvé des influences avec Daho et Marquis de Sade. Es-tu d’accord avec ces rapprochements ?

Je respecte toutes les comparaisons. Daho, je ne vois pas trop, mais Marquis de Sade, au même titre que Taxi Girl, j’ai beaucoup écouté. Je n’ai pourtant pas l’impression que ça se ressent dans ma musique. C’est dur d’avoir du recul sur ce que l’on fait et je sais que les influences sont souvent inconscientes.

Plus que Taxi Girl, je pourrais te comparer à Daniel Darc…

Dans le son, je suis d’accord.

J’ai lu sur le site Phenixwebzine que comme tu n’étais pas encore très connu, tu pouvais te permettre toutes les audaces. Je cite précisément : « je me vois aujourd’hui comme un homme qui n’a rien à perdre. Je débute musicalement, je peux tout me permettre, j’ai une certaine liberté artistique, je suis complètement indépendant, je me permets d’avoir une audace que je n’aurai peut-être pas par la suite, mais pour l’instant c’est une audace qui peut me permettre d’aller loin. » Je trouve cette réflexion très pertinente.

J’ai l’impression qu’il ne peut rien m’arriver. Je me sens très libre de faire ce que je veux, ce que je ressens, ce que j’ai au fond de moi. Je fais ce métier aussi pour ça. La liberté totale. Si demain j’arrive à gagner ma vie en faisant la musique que je veux, j’aurai réussi quelque chose. C’est ça ma notion de la liberté.

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Après l'interview, le 19 février 2019. 

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12 mars 2019

Marvin Jouno : interview pour Sur Mars

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(Photo : Mélanie Elbaz)

marvin jouno,sur mars,interview,mandorLe nouvel album de Marvin Jouno est l’histoire du chaos qu’il a traversé ces deux dernières années. Depuis la sortie d’Intérieur nuit il y a deux ans, tout s’est accéléré. Il y a eu les tournées, les médias, les rencontres avec d’autres artistes. « Et puis il y a eu les luttes intimes, les amours imprévues, les déchirements du deuil. Autant d’épreuves que Marvin Jouno exprime avec pudeur mais sans se cacher, mettant sa voix éraillée au cœur de ce marasme personnel. Car au bout de cette période de solitude et d’errances géographiques, il y a la lumière d’un album qui retrouve l’espoir et prend de la hauteur sur les tourments terrestres. Sur Mars donc  » indique le dossier de presse.

Je trouve que ce disque est l’un des meilleurs de cette année. Il devrait faire rentrer Marvin Jouno dans la cour des grands. Il est possible que ce ne soit pas le cas, mais c’est injuste et incompréhensible. Ses chansons sont puissantes, profondes et universelles. La gaieté n’est pas ce qui s’impose à l’écoute de Sur Mars, mais on s’en fout. L’important c’est de vibrer et d’être touché. Je vibre et il me touche. Donc, une mandorisation s’imposait.

Le 15 février dernier, nous nous sommes attablés en terrasse d’un bar parisien. Et c’était bien.

Argumentaire de presse :marvin jouno,sur mars,interview,mandor

Le premier album de Marvin JounoIntérieur nuit (2016), a imposé un ton particulier dans le paysage des auteurs-compositeurs. La suite s’appelle Sur Mars et prolonge cette exploration de la chanson française à travers des influences venues de la pop anglo-saxonne, du hip-hop et des musiques électroniques. Le tout est au service d’une écriture intime et remplie d’images cinématographiques, que Marvin Jouno met en scène avec pudeur mais sans cacher sa sensibilité. Biberonné aux classiques de la chanson française, ce breton installé à Paris embrasse les horizons de son époque en mêlant la passion de la musique à celle du cinéma. La sortie de son premier album a d’ailleurs été accompagnée d’un film, également titré Intérieur nuit et écrit par Marvin Jouno lui-même. Car ce dernier vit ses textes autant qu’il fictionne sa vie, allant chercher en lui de quoi nourrir cette musique si particulière. Sur Mars est donc le nouveau chapitre d’une grande histoire qui reste à écrire. 

En tout, onze nouvelles chansons pensées comme des courts métrages, avec Agnès Imbault à la co-composition (Juniore, Canine…) Angelo Foley (Christine & The Queens, Eddy de Pretto…) à la réalisation et Scott Jacoby (Vampire Weekend, Coldplay…) au mixage.

marvin jouno,sur mars,interview,mandorLettre de Marvin :

En 2016, année de la sortie d’Intérieur Nuit - mon 1er album. J’ai tout perdu ou presque : J’ai détruit un grand amour au long cours, cru à un amour longue-distance impossible, puis perdu ma mère des suites d’une longue maladie. S’en sont suivis des mois d’errance et de débauche. J’ai touché le fond. J’ai erré à Paris ou ailleurs muni d’une simple valise pour y retenir ce qu’il me restait. 

À la manière de ces pionniers, de ces aventuriers qui n’avaient plus rien à perdre, j’ai décidé de partir. Loin, très loin... Pour me réinventer, me reconstruire ou disparaitre, digérer l’inacceptable. Je suis parti en éclaireur vers cet ailleurs, vers ce futur conditionnel que représente Mars. 

J’étais prêt au sacrifice consenti, au suicide probable que représenterait une telle odyssée.

Ce voyage hors du commun aura duré plus de deux années. Deux ans d’une expérience hors du temps où la solitude, l’aridité, le silence, le vide m’auront accompagnés.

J’ai pensé, écrit, composé mon second album Sur Mars - tout là-bas, loin de tout, loin de tous. Ces chansons sont des cartes postales envoyées de l’espace. Certaines s’adressent à ces trois figures féminines qui auront marqué ma vie, et conditionné mon départ. Elles témoignent de mon aventure à la manière d’un carnet de voyage.

Je suis revenu il y a peu. Le retour fût violent et difficile. Il est à présent de mon devoir de raconter, de partager ce que j’ai traversé.

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(Photo : Mélanie Elbaz)

marvin jouno,sur mars,interview,mandorInterview :

Tu viens du monde du cinéma. C’était ton premier amour artistique.

J’ai fait mes études de mise en scène pendant des années. Un peu par hasard, je suis devenu décorateur. C’était ma première offre de stage à la sortie de l’école. J’y suis allé avec des pieds de plomb, mais j’ai découvert un métier fabuleux. Les 6 premières années étaient épanouissantes. Je faisais pas mal de longs métrages historiques.

Ça a duré 10 ans.

Le cinéma est une aventure collective prenante. C’est long, c’est beaucoup de gens et beaucoup d’argent. A un moment donné, j’ai eu besoin de retrouver une expression artistique plus personnelle. C’est passé par la photo et la musique. J’avais entamé ces deux activités à l’adolescence, mais pas sérieusement.

Tu es un solitaire ?

Oui et c’est de pire en pire.

Clip de "Sur Mars".

Tu as fait cet album seul ?

Ma pianiste, Agnès Imbault, courageusement, est venue me rejoindre quatre fois dans ma tanière située dans un hameau breton. Nous co-composons ensemble quasiment toujours. Je pose les bases de la composition et elle, elle vient étoffer tout ça.   

J’ai su que tu avais fait un voyage Brest-Tokyo sans prendre l’avion en 45 jours. Raconte-moi ça.

C’est un délire d’ado que j’ai fini par assouvir en 2017. J’ai toujours souhaité prendre le transsibérien. Quand je me suis transposé à Vladivostok, j’ai trouvé géniale l’idée de rejoindre le Japon par la mer. J’ai bien complexifié le voyage, j’avoue.

Ce voyage était une parenthèse entre tes deux disques, Intérieur nuit et Sur Mars ?

C’est exactement ça. Pendant 5 ans, je me suis occupé uniquement de ces deux albums, j’ai donc ressenti le besoin de me retrouver face à moi-même. Ce que je n’avais pas prévu, c’est qu’outre ces 45 jours de voyage, j’ai mis aussi 45 jours pour revenir dans ma tête.

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(Photo : Mélanie Elbaz)

Ce voyage a-t’ il été source d’inspiration ?

Pas du tout. Je n’ai écrit aucune chanson. Je tenais juste un carnet dans lequel j’ai tenté de romancer mon voyage.

Ton prénom vient de la passion de tes parents pour Marvin Gaye je crois.

Oui. La musique a toujours été centrale dans ma vie depuis avant ma naissance. Dans le ventre de ma mère, j’entendais la voix de Nina Simone. Ma mère adorait et l’écoutait souvent. Quand aujourd’hui, j’entends cette chanteuse, sa voix me transperce. Ca a dessiné un paysage musical permanent et aujourd’hui, je passe ma vie à écouter de la musique. Ca embellit tout. Parfois, ça renforce les sentiments et les sensations. La musique triste, quand on ne va pas bien, elle peut aussi faire du mal.

Ton écriture à légèrement changé. Elle est plus simple il me semble.

Je voulais avoir une écriture plus immédiate. J’avais envie d’être plus frontal, moins codé, bref, d’être compris. Il y avait beaucoup de pudeur sur le premier disque et je m’amusais parfois à ne pas être lisible, mais ça n’a aucun sens d’écrire des chansons que personne ne comprend. Je veux tendre à l’universel. Lors de la première tournée, j’ai constaté à quel point une chanson est belle quand elle est accaparée par le public.

Clip de "Je danse".

Sur Mars est un album dense et pas très joyeux.

Je suis inspiré par des trucs qui font mal au ventre et qui rendent tristes. Dans ce disque, j'évoque les trois années qui viennent de s'écouler entre les deux albums. J’ai perdu beaucoup et j’ai vu tout se dérober sous mes pieds. J’ai perdu des personnes très chères. Je suis devenu très solitaire et j’ai vécu dans des conditions de vie assez précaires… c’est tout ce que je raconte.

C’est dur de s’en sortir dans ce métier.

Ce métier est à l’image de notre société. Il y a quatre, cinq projets qui cartonnent et, après, il n’y a que des gens qui galèrent. Il n’y a plus trop de classe moyenne dans le milieu de la musique. J’ai l’impression que l’on se dirige sur une scène francophone ultra indé. Il va falloir se battre ses prochaines années.

Pour moi, ton disque est l’un des plus beaux de cette année.

Merci. Je suis très fier de lui. J’essaie d’être contemporain et d’une certaine modernité. On est dans une grande phase de revival et je ne trouve pas ça très intéressant. On n’est pas là pour revisiter en  permanence le passé.

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(Photo : Mélanie Elbaz)

Tu utilises l’Auto-Tune dans ce disque.

Je sais que c’est très discutable.  Pour certains l’Auto-Tune, c’est le diable, mais moi, cette sonorité m’émeut beaucoup. Il y a quelque chose de très oriental qui me plait beaucoup. J’aime bien l’idée aussi que ce procédé date mon album, comme s’il était témoin de cette époque.

C’est curieux parce que, souvent, les artistes veulent éviter que leur disque soit daté.

Je voulais que mon premier album soit intemporel pour qu’il puisse bien vieillir. Celui-là, je voulais absolument qu’il vieillisse mal. Il y a des albums de Daho des années 80 qui sont très datés et tant mieux.

Il y a du fond, mais tu ne fais pas de chanson engagée…

J’ai beaucoup de mal avec la chanson sociale ou contestataire. Il est hors de question que je fasse la morale.

Dans tes chansons, on sent un homme fragile, pas très bien dans sa peau.

Ça ne va pas en s’arrangeant en plus. Je trouve que le monde de la musique n’est pas équilibrant. Je me suis accroché à cet album pour sortir la tête de l’eau. Je pensais qu’il allait changer mon quotidien, alors qu’en fait, il m’isole beaucoup. En fait, je me sens à la fois fort et fragile, mais surtout, je suis à fleur de peau et hyper sensible. Forcément, la manière dont est appréhendé mon projet me percute aussi.

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(Photo : Mélanie Elbaz)

Mais écrire te fait du bien ?

Oui. C’est du domaine de la catharsis. J’exorcise mes démons. Je m’accapare d’un sujet et j’essaie de l’amener au bout. Parfois, je pense que c’est salvateur.

Tu parles de toi, mais du coup, tu parles des autres…

C’est même le but.

Il y a des figures féminines dans cet album.

Il y en a trois centrales, dont ma mère, et parfois, elles se mêlent.  J’ai créé une espèce de créature hybride qui pourrait être La femme.

On progresse toujours en musique ?

J’ose espérer que quand l’expérience s’accumule, on apprend et on progresse. En termes de compositions et d’écriture, j’ai l’impression que c’est le cas. Le live m’a beaucoup apporté sur la compréhension de mon personnage et sur la compréhension de l’interprétation et du chant. J’ai compris que la voix était un instrument Je chante plus qu’avant. J’ose plus. 

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Après l'interview, le 15 février 2019.

10 mars 2019

Hum Hum (Sophie Verbeeck et Bernard Tanguy) : interview pour leur premier EP

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(Photo: Richard Schroeder)

Hum Hum est un nouveau duo pop très accrocheur  composé de la comédienne Sophie Verbeeck (A Trois on y va de Jérôme Bonnel, Mes Provinciales de Jean-Paul Civeyrace, Le Collier Rouge de Jean Becker...) et le producteur / réalisateur Bernard Tanguy.

Elle écrit et chante. Il compose et joue. Pour se présenter au public, ils sortent un EP 4 titres le 15 mars  prochain, avec deux titres en anglais et deux en français. Ce sont les musiciens qui ont accompagné Etienne Daho sur sa dernière tournée qui jouent sur le disque. A la fois un son eighties, mais moderne, cette pop élégante et poétique va sans nul doute vous séduire.  

J’ai rencontré le très sympathique duo au mythique Hôtel du Nord, le 12 février dernier.

hum hum,sophie verbeeck,bernard tanguy,interview,mandorArgumentaire de presse officiel :

Issue d’une école nationale de théâtre et tournant au cinéma, Sophie rencontre Bernard sur le tournage de son premier long métrage Parenthèse, sorti en 2016, où elle tient l’un des rôles principaux (la musique de Parenthèse est signée Stupeflip, un des groupes préférés de Bernard). Formée au chant lyrique et attirée depuis toujours par la scène musicale, celle-ci chante et écrit des textes tantôt en anglais, tantôt en français. Elle convainc Bernard qui n’avait pas fait de musique depuis 20 ans (il a fait partie du groupe SAF, numéro 1 au Sénégal en 1991) de se remettre au piano et de composer des musiques pour elle. Frédéric Lo (mandorisé récemment là), un voisin de Bernard, est le premier à découvrir les morceaux issus de cette expérience. L’affaire se conclut près des boites aux lettres : Frédéric les signe sur son label Water Music pour un EP (que ce dernier réalise avec l’aide de musiciens de la dernière tournée d’Etienne DahoFrançois Poggio, Marcello Giuliani…) + un album à suivre.

Les chansons du futur album en cours de composition, prévu pour l’automne 2019, sont toutes en français.

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(Photo: Richard Schroeder)

hum hum,sophie verbeeck,bernard tanguy,interview,mandorInterview :

Comment avez-vous compris que vous alliez faire de la musique ensemble ?

Sophie : On ne l’a pas compris immédiatement. Nous nous sommes connus sur son film Parenthèse et, un jour, j’ai découvert qu’il faisait aussi de la musique. Il m’a fait écouter ses mélodies que j’ai trouvées très intéressantes. Comme de mon côté j’écrivais, on a rapidement décidé qu’on allait essayer d’allier ses mélodies et mes textes.

Il a fallu chanter pour présenter ces chansons…

Sophie : Je n’ai jamais été chanteuse, mais pendant 3 ans, dans une école nationale d’acteur,  j’ai suivi une formation de chant lyrique. J’étais soprano.

Bernard : Tu chantes aussi dans le film A trois on y va puisque tu joues le rôle d’une chanteuse.

Sophie : J’ai toujours eu très envie de chanter.

Bernard, faire de la musique te manquait ?

Bernard : L’envie ne s’est jamais dissipée. Dès que je vois un piano, je ne peux pas m’empêcher de jouer.

Sophie : Même sur les tournages… (sourire)

Bernard : Je n’ai jamais arrêté de jouer, mais j’ai arrêté de composer. Il y a 20 ans, j’ai eu un blocage. J’avais l’impression que tout ce que je tentais de composer était de la merde. C’était idiot parce qu’à 50 ans, je me suis rendu compte que j’étais capable de composer sans trop rougir du résultat. Je remercie Sophie de m’avoir poussé à récidiver.

Clip de "Blueberries".

Il y a dans votre EP 4  titres, deux titres en anglais et deux  en français. Pourquoi ?

Sophie : Il va y avoir un revirement. Toutes les prochaines chansons seront interprétées en français.

Bernard : Je trouve que Sophie est très douée en français, on a donc décidé d’aller dans ce sens-là.

L’album sera proche musicalement de cet EP ?

Bernard : Oui. Même si dans l’EP, aucune des chansons ne se ressemblent. C’est une carte de visite, alors on a voulu montrer l’étendue de nos possibilités. 

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(Sophie Verbeeck et Frédéric Lo lors de l'enregistrement de l'EP.)

hum hum,sophie verbeeck,bernard tanguy,interview,mandorFrédéric Lo a réalisé ce disque. Il était comment avez-vous ? (Photo à gauche 1 Epok Formidable)

Bernard : Il est gentil, donc c’est hyper sympa de bosser avec lui. C’est une grande rencontre.

Sophie : On a pris notre temps pour enregistrer et il était vraiment à notre écoute.

Bernard : Nous lui amenions des maquettes et il travaillait sur les arrangements. Il a aussi joué de la guitare.

C’est anecdotique, mais comment l’as-tu connu ?

Bernard : C’est un de mes voisins. Un jour, je le rencontre aux boites aux lettres et je lui demande s’il peut écouter certains de nos titres. J’ai vu sa tête qui disait : « Mince ! Encore un voisin qui m’impose son travail. » Mais comme il est gentil, il a accepté. Dès le lendemain, il m’a appelé en me disant qu’il trouvait ça bien. Il nous a donné rendez-vous dans son studio et le feeling a été immédiat entre nous. Il a vraiment apporté quelque chose de primordial dans nos chansons. Elles sonnent tellement mieux que sur nos maquettes. Ce n’est pas pour rien qu’il a cette réputation d’orfèvre et qu’il est très sollicité.

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(Photo: Richard Schroeder)

Bernard, tu composes tes chansons au piano je crois.

Bernard : Ca m’arrive de composer directement sur l’ordinateur, mais effectivement, généralement, c’est au piano.

Sophie : Je préfère recevoir les musiques de Bernard quand elles sont jouées au piano. J’écris plus facilement mes textes avec ce seul instrument. S’il y en a trop, ça encombre ma tête. Je préfère une ligne très économe. Si la mélodie est en détente et elle m’inspire plus facilement des textes. Je n’écris jamais un texte avant d’avoir entendu la musique.

Bernard : Pour composer, j’improvise beaucoup, puis soudain, quelque chose arrive. Pour trouver une mélodie, il y a un côté mathématique. C’est de l’harmonie, des proportions, le rythme, des fréquences… Le philosophe Leibniz affirmait que « la musique, c’est de l’arithmétique inconsciente ». On peut résoudre toute chanson à une équation mathématique.

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(Sophie Verbeeck et Frédéric Lo lors de l'enregistrement de l'EP.)

Vous travaillez facilement tous les deux ?

Bernard : Je trouve. C’est assez naturel. A chaque fois, j’ai trouvé que les textes collaient parfaitement à la musique. Il n’y a quasiment jamais eu de retouches.

Sophie : Parfois, Bernard ne comprend pas mes textes (rires). Il m’interroge sur le sens des certaines des chansons.

Bernard : Elle exagère… je suis très sensible à la poésie de Sophie. Le texte de « Parade », je  le trouve génial. Il me parle vraiment.

Sophie : Parfois, nous nous imposions des contraintes. Nous partions à l’Ile de Ré pour travailler. Bernard devait produire une mélodie ou améliorer une déjà existante et moi j’allais écrire en bas. Ensuite, nous tentions de fusionner le fruit de notre travail. Parfois, nous travaillions aussi de manière isolée.

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Pendant l'interview...

Sophie, tu écris depuis toujours, il me semble.

Sophie : J’ai fait des études de Lettres avant de faire l’Ecole Nationale du Théâtre. J’ai commencé à écrire de la poésie ou des nouvelles très jeune. Quand on écrit, on a l’impression d’être en contact avec un nouveau monde à part entière, de construire un corps. D’ailleurs, j’aime agencer les mots comme de la danse.

Il parait que c’est compliqué d’écrire une chanson.

Sophie : Je ne sais pas. Une fois que je suis rentrée dans la mélodie de Bernard et que je sens comment elle est structurée, l’inspiration me vient très vite. Juste, parfois, il me faut un peu de temps avant de rentrer dans ce sas.

Sophie, tu écoutes facilement vos chansons ?

Sophie : Pas facilement. C’est comme voir un film dans lequel j’ai joué. J’aime le travail, j’aime participer à la fabrique, mais je n’aime pas me retourner vers le résultat… vers le produit. Je ne le fais pas volontiers en tout cas. J’ai déjà envie d’être ailleurs.

Vous êtes surpris par les bons retours des professionnels ?

Bernard : Oui, très surpris. Ca encourage beaucoup à continuer en tout cas.

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Après l'interview, le 12 février 2019.

01 mars 2019

Manu Katché : interview pour The Scope

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(Photo : Arno Lam)

manu katché,the scope,interview,mandorDans l’album The Scope (que vous pouvez découvrir là), Manu Katché explore la formule du quartet et c’est une parfaite réussite. Est-il utile de préciser que ce batteur d’exception a joué au cours de sa carrière avec la Terre entière, dont Joni Mitchell, Sting, Peter Gabriel, Dire Straits, Tears for Fears, The Christians, Paul Young, Tracy Chapman, Youssou N’Dour, Pino Danielle, Simple Minds, Joe Satriani, mais aussi avec ses compatriotes Véronique Sanson, Francis Cabrel, Laurent Voulzy, Stephan Eicher, Michel Petrucciani... une liste étourdissante.

J’avais donc hâte de rencontrer ce musicien dont j’ai le plus grand respect. Ainsi fut fait au Costes, le 18 janvier dernier. Une fois encore, j’ai eu la preuve que les plus grands sont les plus  humbles.

(Toutes les photos studios de cette chronique sont signées Arno Lam).

(Merci à Brigitte Batcave.)

Le disque (argumentaire officiel) :manu katché,the scope,interview,mandor

Avec ce nouveau disque, Manu Katché réunit les racines du groove et la modernité des machines. La pochette signée Arno Lam le présente d’ailleurs cadré de profil, « un profil africain », précise Manu - l’Afrique est le fil musical subtil du CD.

La batterie est au cœur de The ScOpe, un album électro charnel et céleste, frénétique, un chapitre de rupture ou plutôt de prolongement, de plaisir et de renouvellement, ajouté à sa discographie d’expert sollicité entre autres artistes, par Sting ou Peter Gabriel.

Les complices de toujours ou les nouveaux arrivants forment le quartet de The ScOpe: Jérôme Regard (basse), Patrick Manouguian (guitare) et Jim Henderson (claviers), producteur de musiques électroniques.

Viennent s’ajouter les featurings comme Faada Freddy sur « Vice », réchauffant de ses scansions une ambiance hivernale. Puis Jazzy Bazz pose son flow sur le titre « Paris Me Manque », enveloppé d’un bugle déchirant. Enfin la chanteuse américaine Jonatha Brooke nous parle d’amour sur la ballade « Let Love Rule ».

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(Photo : Arno Lam)

Imanu katché,the scope,interview,mandornterview :

Quelle est la différence entre ce nouvel album et vos précédents ?

Je me suis moins tourné vers le jazz, même si, dans l’écriture, ça reste jazzistique parce qu’il me reste en permanence des réminiscences assez fortes de ce genre musical. Dans The Scope, il y a moins d’improvisation, les choses sont très écrites et surtout, je me suis vraiment penché sur le groove. Parfois, dans mes disques, on m’a reproché que la batterie était là plus comme accompagnement, qu’elle était au deuxième plan. C’était vrai et volontaire. Je voulais mettre  plus en avant les mélodies. J’aime les mélodies. C’est ce qui me fait rêver, me plait, me touche, m’embarque et m’émeut. Faire des albums avec des démonstrations de batterie ne m’intéresse absolument pas. Ce n’est pas mon cadre.

Non, vous tournez plutôt autour de la batterie.

Si je compose toujours au piano, je respecte ce que donne la batterie, le beat, l’after beat, le groove, et j’écris en fonction de ça.

Il n’y a pas que des êtres humains qui vous accompagnent, il y a aussi des machines.

J’ai commencé à les utiliser en 1987 lors de la tournée de Peter Gabriel pour l’album So. Il y avait des machines sur scène que j’utilisais avec la batterie. Il a fallu que je trouve ma place au sein des machines, mais depuis j’en ai toujours pour accompagner la batterie. Pour cet album, comme les machines évoluent, j’ai fait appel à un réalisateur, Elvin Galland. Il a apporté un côté electro que j’apprécie, mais que je ne sais pas forcément faire, quant à moi, j’ai apporté le côté classique, jazzistique, soul et pop. Au début, on a commencé à faire 5 titres mixés, mais je n’étais pas content. Ce n’est pas que ce n’était pas bien, mais c’est que ça ne me ressemblait pas assez. On a tout démonté et on a tout refait. Là, tous ses nouveaux titres, je peux les revendiquer parce qu’ils me ressemblent.

Clip de "Vice" feat. Faada Freddy.

manu katché,the scope,interview,mandorElvin Galland est un jeune homme de 26 ans.

Elvin et moi avons mélangé mon expérience de musicien de studio et les siennes, croisé nos influences puisque nous appartenons à des générations différentes même si j’écoute, comme lui, les héritiers de Stevie Wonder ou Marvin Gaye, que sont Kendrick Lamar, Anderson Paak.

Il y a la musique africaine en fil rouge, mais de manière discrète, je trouve. C’est la première fois, en tout cas, dans vos albums.

Je ne me sens pas tellement africain, même si mon père est originaire de Côte d’Ivoire. Je n’ai pas vécu là-bas, mais je suis allé pas mal de fois sur ce continent et je l’adore. J’ai découvert le Sénégal quand j’ai joué avec Youssou N’Dour. J’aime profondément ce pays, mais je ne me sens pas africain, car j’ai grandi en banlieue parisienne. Génétiquement, je ne peux pas nier qu’il y a quelque chose qui m’habite et qu’il y a une résonnance africaine en moi. Je ne sais pas pourquoi, mais j’ai voulu que la guitare qui joue dans The Scope soit « à l’africaine ». Sur le morceau « Keep Connexion » coule même une kora avec un solo écrit spécialement pour Kandia Kouyate. Kandia est un virtuose de cet instrument auquel il ajoute un apport électrique. Ca rentrait parfaitement bien dans l’album.

Vous n’avez jamais fait du free jazz dans vos disques…

Le principe du free jazz, c’est qu’il n’y a pas de structures. On part sur une harmonie et on en fait ce que l’on veut. On peut totalement la déconstruire. Personnellement, j’ai toujours fait un jazz accessible et lisible par et pour tous avec des mélodies qui revenaient régulièrement.

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(Photo : Arno Lam)

Dans ce nouveau disque, vous chantez un peu, même si votre voix est légèrement trafiquée.manu katché,the scope,interview,mandor

Il y a un peu de vocoder. Je n’avais pas une envie spécifique de chanter, mais je voulais apporter ce grain-là surtout en pensant à la scène. Chanter sur scène, c’est extrêmement jouissif. Il y a un vrai passage à l’acte avec le public.

Vous vous servez de votre voix comme d'un instrument de musique ?

Oui, c’est tout à fait ça. Je me suis rendu compte que, quand on écoute de la musique, peu importe laquelle, on va se retrouver à chantonner quelque chose et, généralement, c’est une mesure en boucle qui vous a marqué l’esprit. Pourquoi ? Je n’en sais rien. J’avais donc envie de proposer des gimmicks chantés un peu récurrents, qui vous restent dans la tête et qui vous marque. C’était ça l’idée de chanter. Ce n’était pas de devenir chanteur.

Comment s’est passé le casting vocal ?

J’ai beaucoup cherché. J’aurais pu appeler Peter Gabiel ou Sting, mais comme ce disque-là est un point précis de ma carrière, il représente toutes mes années à écouter de la musique, à aller voir des concerts pour ce que cela procure, j’avais peur qu’appeler mes potes soit un peu restrictif. Ils ont été importants dans ma carrière, mais ils ne représentent pas tout ce que j’ai aimé en musique. J’avais donc envie d’aller plus loin avec des voix qui me rappellent Marvin Gaye, Stevie Wonder, Otis Reding…

Vous vouliez aussi que ce disque fasse danser.

C’était l’idée première. Moi, j’aime danser. Je ne le dis jamais, mais ma mère m’avait inscrit dans une école de danse quand j’étais tout petit. J’en ai fait deux ans. J’étais trop timide pour ça, il y avait trop de filles (rires). Mais la gestuelle de la danse me plait encore aujourd’hui beaucoup.

Le public jazz n’est pas le même que celui pop. Il ne bouge pas des masses.

Parfois, ça m’a procuré d’énormes frustrations. J’avais envie de dire au public de se lâcher, qu’il pouvait y aller à fond, mais non. Le public jazz est fin, mais un peu statique. Il est plus dans l’écoute que dans le déhanchement.

Clip de "Paris me manque" feat. Jazzy Bazz.

manu katché,the scope,interview,mandorEn tant que musicien, arrivez-vous à aller voir un concert avec détachement, sans observer les autres musiciens ?

C’est difficile. Comme un cuisinier qui va dans un restaurant. Je peux me laisser aller quelques instants quand je prends le concert en pleine face, mais il y a toujours un moment où j’observe comment tel ou tel musicien joue.

J’ai connu Manu Katché avec le groupe Préface en 1986. Vous assumez cette expérience ?

Mais parfaitement. C’est marrant que vous me parliez de ça parce qu’ils viennent de rééditer le maxi 45 tours de « Palace Hôtel ». J’ai appris qu’ils en ont déjà vendu plus de 700.  

Vous qui avez 11 albums solo à votre actif, vous repartiriez en tournée pour un autre artiste ?

Oui, sans hésitation. Vous vous rendez bien compte que j’aime ça. Je ne  repartirais peut-être pas deux ans comme je le faisais avant, mais si Sting ou un autre artiste que je respecte, m’appelle demain pour une tournée d’un mois ou deux, je lui dis oui. J’ai partagé  tellement de choses richissimes avec ces gens-là qu’y retourner me ferait très plaisir. Je parle autant musicalement qu’humainement.

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Pendant l'interview… (Photo : Brigitte Batcave).

manu katché,the scope,interview,mandorVous avez sorti un livre de souvenir en 2013, Roadbook, dans lequel vous racontez de nombreuses anecdotes sur les artistes avec lesquels vous avez joué. Je me suis laissé dire qu’un deuxième livre allait arriver dans les mois prochains chez Grasset…

A la base je voulais faire la suite du premier en continuant à raconter des anecdotes, mais cette fois-ci avec les artistes Français. Et puis finalement, je n’ai pas trouvé que c’était très intéressant. Les anecdotes n’apportaient pas grand-chose et ne faisaient pas franchement rêver. Je suis donc allé plus dans l’introspection et j’ai réfléchi sur ce qu’est un musicien, le regard des autres, les jalousies, les doutes, la longévité, l’essayisme… C’est intéressant.

Ce livre sera aussi un livre bilan ?

Ce ne sera pas un bilan de ma vie, mais un bilan de ce que l’on vit. On n’a pas changé de monde, mais on a changé le monde.

Qui on ?

Notre génération. Ce n’est pas affolant, c’est juste très différent.

Et en matière de musique ?  

Cela m’effraie un peu. J’ai connu la musique avec des musiciens qui jouaient sur scène, qui se penchaient sur des instruments, qui étaient très méticuleux et perfectionnistes,  qui prenaient du temps en studio pour mixer, pour avoir une qualité sonore irréprochable… Aujourd’hui, la musique c’est démocratisé. C’est génial, on peut faire dans son coin un album avec un smartphone ou un ordinateur. Mais je ne suis pas sûr qu’en faisant un album de cette manière, on finisse par marquer son époque comme les Beatles, les Stones ou Led Zeppelin. 

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Après l'interview, le 18 janvier 2019. (Photo Brigitte Batcave)

27 février 2019

Antoine Sahler : interview pour son 3e album

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(©Aglaé Bory)

Quand on évoque Antoine Sahler, on pense irrémédiablement à François Morel dont il semble indissociable. Ils travaillent ensemble depuis plus de 10 ans dans une parfaite osmose/harmonie/amitié, mais Sahler existe surtout par lui-même. Et de quelle manière! Discrète, mais étincelante. Il n’a pas besoin de l’enchanteur Morel pour créer des chansons subtiles, classieuses, drôles ou tristes (ou les deux en même temps). Des chansons qui peuvent paraitre désuètes alors qu’elles sont d’une rare modernité. C’est troublant. Très.

A l’écoute des chansons de son 3e album (à découvrir ici par exemple), les repères habituels s’évaporent, explosent plutôt. On croit aller quelque part, on se retrouve aux antipodes. Je n’arrive pas à déterminer si Sahler est un magicien ou un sorcier, mais ce dont je suis certain c’est qu’avec ses petites histoires, qui sont finalement de grandes histoires (on n’est pas à un paradoxe près), il sait comme personne envoûter celui qui l’écoute. Dire qu’Antoine Sahler est un orfèvre comme il n’en existe plus beaucoup en France serait d’une impardonnable banalité (même si c’est la plus stricte vérité), je me contenterai de dire qu’il est aujourd’hui le meilleur. Disons, l’un des meilleurs sinon, on va encore prétendre que j’ai l’enthousiasme non mesuré (ce qui est parfaitement faux).

Je suis allé à sa rencontre le 14 février dernier (le jour de la fête des amoureux, mais ça n’a rien à voir) dans un bar de Pigalle et c’était bien.

antoine sahler,interview,le furieux,mandorBiographie officielle:

Antoine Sahler est né en 1970 à Montbéliard. Après des études de piano classique, il s’intéresse au jazz, puis à la chanson française. Publie deux albums chez Harmonia Mundi / Le Chant du Monde (Je suis parti en 2002 et Nos Futurs en 2005). Le deuxième album est repéré par la chanteuse Juliette qui l’invite à faire sa première partie à l’Olympia en 2006. Depuis 2009, il écrit des chansons avec François Morel, qui donnent naissance aux disques et aux spectacles Le Soir, des Lions... puis en 2016, La Vie (titre provisoire) (en tournée actuellement). Il écrit également, seul ou avec François Morel, pour Juliette, Maurane, Juliette Gréco, Joséphine Draï ; il est également auteur-compositeur pour la chanteuse Lucrèce Sassella (spectacle 22h22 en 2012, et album 22 ans en 2015 qui a fait l’objet d’une mandorisation). Antoine écrit également plusieurs musiques pour le théâtre : Cochons d’Inde de Sébastien Thiéry (avec Patrick Chesnais – Molière 2009 de la meilleure pièce comique et du meilleur comédien, La fin du monde est pour dimanche et Hyacinthe et Rose de François Morel. Vous n’aurez pas ma haine, texte d’Antoine Leiris mis en scène par Benjamin Guillard avec Raphaël Personnaz. Il fait également paraître deux livres CD pour la jeunesse, chez Actes Sud Junior : La Tête de l’emploi, puis La Colonie des Optimistes. En 2015, il créé le label associatif Le Furieux et produit des artistes de chanson française comme Armelle Dumoulin (mandorisée ici), Achille, François Puyalto ou Wladimir Anselme (mandorisé là)

Le disque (argumentaire officiel) :antoine sahler,interview,le furieux,mandor

Voici le nouvel album solo d’Antoine Sahler, sur son propre label Le Furieux (distribution Differ-Ant), des chansons pop, où le désenchantement amusé côtoie l’humour absurde. L’écriture épurée, qui cherche la netteté des images, le goût des  harmonies inattendues mais des mélodies faciles inscrivent cet opus dans la tradition des chanteurs français marqués par la pop (Souchon, de la Simone, Katerine ...), où la douceur n’est jamais une faiblesse. Il y est beaucoup question de temps (qui manque ou qui passe), d’amour (qui reste ou qui part), mais aussi du désenchantement du monde et du besoin de consolation. 14 titres entrecoupés de  petits interludes, chantés par un choeur qui serait comme une voix intérieure. Accompagné par d’excellents musiciens, rencontrés au gré des projets, et pour la plupart devenus amis - Jeff Hallam à la basse (Dominique A...), Raphaël Séguinier à la batterie (Arthur H...), Thibaud Defever (lui-même excellent auteur et compositeur) à la guitare - Antoine Sahler utilise l’espièglerie comme arme d’auto-défense. Lucide, il voit le temps passer, mais pas de panique, à la fin, c’est le sourire qui gagne. Enregistré et mixé par David Chalmin au studio K, le studio parisien de Katia et Marielle Labèque (avec qui il a déjà collaboré plusieurs fois, et notamment pour le dernier album de François Morel, La Vie, titre provisoire (Jive-Epic / Sony Music).

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(©Aglaé Bory)

Iantoine sahler,interview,le furieux,mandornterview :

Vous êtes venu à la musique par le jazz, il me semble.

J’ai commencé la musique à 5 ans, là où j’habitais, dans un petit village de Franche-Comté, près de Montbéliard. Mon grand frère faisait du piano alors, comme je voulais tout faire comme lui, j’ai commencé à jouer du piano à la maison. Ce sont des souvenirs marquants pour moi. Je me revois au piano et adorer ça. Ma prof a vite remarqué que j’avais des facilités. C’est elle qui s’est rendu compte que j’avais l’oreille absolue. C’était mon jardin secret qui me prenait pas mal de temps et de place.

C’était évidemment du piano « classique », le jazz est donc venu tout de suite après.

A l’adolescence, j’ai beaucoup écouté de jazz. Je me suis même immergé dedans. Vraiment, j’aimais toutes formes de jazz, mais celle qui m’attrapait sans jamais me lâcher, c’était le jazz que jouait Chet Baker, les ballades assez courtes de Duke Ellington ou plus tard de Thelonious Monk. Ces jazzmen avaient des dimensions mélodiques assez fortes.

Clip de "Merci merci".

Pour vous, la mélodie est importante dans une chanson ?

C’est par rapport à moi. Je n’en fais pas une vérité absolue. J’ai eu ma période où j’adorais les grandes mélopées poétiques de 8 minutes avec un continuum. C’était un amour adolescent. Aujourd’hui, je me suis détaché de cela et ce n’est pas la définition que je donnerais de la chanson.

Quelle est-elle alors ?

A mon sens, une chanson c’est une économie de moyen, l’ellipse et le droit au but. J’aime bien comparer l’exercice de l’écriture de la chanson au dessin de presse ou d’humour comme Voutch ou Sempé. On doit pointer un détail et ce détail doit dire tout le reste. Les chansons que j’adore, ce sont celles où il y a la place pour que l’auditeur finisse la compréhension et, en même temps, où on est très clair sur le propos, même s’il n’est pas adressé frontalement. J’aime les choses de biais.

C’est grâce à votre passage à HEC que vous avez commencé la chanson. La légende dit que c’est parce que vous vous ennuyiez que vous avez commencé à écrire vos premiers textes…

Si je veux être très personnel et très précis, à HEC, je ne me suis pas ennuyé parce que j’ai beaucoup fait la fête avec les futurs dirigeants de l’élite. C’est dur d’y rentrer, mais après, c’est le Club Med. Ce ne sont pas des années douloureuses, mais des années où je me sentais un peu à côté de la plaque. Je me rendais compte que je n’étais pas sur de bons rails, mais je n’avais pas d’animosité particulière pour ce milieu ni pour les gens qui le composaient. Après HEC, je suis parti deux ans en Allemagne faire mon VSNE (volontaires du service national en entreprises). C’était une façon de ne pas faire son service militaire en tant que bidasse pour des gens qui avaient fait des études supérieures.

Clip de "Sénescence".

Tout ne s’est pas passé comme prévu…

J’ai eu un petit raté administratif. A la base, je  pensais aller dans des iles paradisiaques et je me suis retrouvé dans la banlieue de Francfort. C’est là que, réellement, je me suis pas mal ennuyé et que le soir j’ai commencé à écrire des chansons sérieusement.

Dans le but de devenir auteur ?

Non. Dans le but d’être content d’avoir écrit des chansons. Je ne me disais pas que j’allais en faire ma vie.

Après votre VSNE, vous avez travaillé dans la pub.

Pendant un an. Là encore, je me suis ennuyé et j’ai compris que ce n’était pas non plus mon truc. Je commençais à faire des petits concerts à gauche à droite, à fréquenter Le Limonaire et à trouver que c’était formidable d’aller là-bas. J’adorais ce que j’y voyais et l’ambiance qui y régnait.

Vous avez donc pris la décision d’arrêter de travailler pour ne faire que ça.

J’ai démissionné sur un coup de tête. Je suis parti sans chèque, sans droit aux ASSEDIC, sans rien. Au début je me suis dit que j’allais prendre un boulot fixe de pianiste de week-end dans les bars. Quand je me suis mis à écrire des chansons, ça a pris beaucoup de place dans mon cœur et dans ma vie. J’ai compris que je ne pouvais pas faire ça à moitié, mais uniquement à temps plein.

Vous avez fait des boulots alimentaires en attendant.

J’ai donné des cours de piano. Petit à petit, l’oiseau que je suis à fait son petit nid.

antoine sahler,interview,le furieux,mandorEn 2002 sort un premier album, Je suis parti.

Ça me fait marrer de dire ça aujourd’hui, mais je me rends compte que c’était déjà une autre époque. Je jouais aux Déchargeurs et le directeur de l'époque du label Le Chant du Monde est venu me voir à l’issue d’un concert pour me proposer un contrat. Aujourd’hui, ce genre d’histoire n’existe plus pour quelqu’un qui n’a pas de réseau, pas de vues YouTube, mais juste ses chansons. Bon, d’accord, ça ne m’a pas permis d’avoir une villa sur la côte, ni de piscine privée, très peu de drogues, aucune prostituée… mais c’était le début de quelque chose. Ce disque a existé et m’a permis de faire des concerts.

Toujours au Chant du Monde/Harmonia Mundi, en 2005, vous sortez un deuxième disque, Nos antoine sahler,interview,le furieux,mandorFuturs. Ce n’était pas un disque punk et rebelle en tout cas.

Non, ce n’est pas vraiment mon style, même s’il y avait quelques chansons sociétales. J’ai des idées, mais je n’aime pas faire de prêchi-prêcha dans mes chansons. Il y a des gens qui font ça très bien, mais moi je ne suis pas armé pour.

Il y a pourtant beaucoup de choses dites dans vos textes.

Je ne veux pas dire que je ne veux pas mettre de fond dans mes chansons. De façon générale, je n’aime pas que l’on me fasse des sermons, donc je n’en fais pas aux autres.

Beaucoup de vos chansons sont drôles et graves à la fois.

Avec François Morel, c’est une des choses qui nous réunit. On adore la juxtaposition, voire la fusion de l’humour et des choses tristes. Ce sont des émotions qui ont souvent les mêmes racines et quand on arrive à les fondre, c’est jubilatoire. On adore aussi les virages à 180°.

Il y a des chanteurs comiques qui ne sont que comiques. C’est difficile de ne pas être considéré comme cela uniquement ?

J’ai beaucoup d’empathie pour les gens qui ont eu ce destin-là. Dans l’histoire de la chanson, il y a eu des malentendus comme ça. Henri Salvador et Nino Ferrer en ont été victimes. Ils ont été Zorro ou Les cornichons alors qu’ils étaient des auteurs de magnifiques chansons nostalgiques. Je ne me pose pas ces questions-là aujourd’hui sous prétexte que je prends un risque. Je n’abandonnerai pas l’humour parce que c’est constitutif de moi. J’avoue aussi que je fais partie du club des gens qui aiment les chansons sans chute, les chansons qui créent un petit malaise… Je ne déteste pas (rires).

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©Marylène Eytier/Aubondeclic

antoine sahler,interview,le furieux,mandorVous avez rencontré François Morel grâce à Juliette, je crois. 

Il y a eu deux temps dans la rencontre. Au tout début de l’an 2000, avant que je ne sorte mon premier album, François a fait son premier seul en scène, Les habits du dimanche, après la période Jérôme Deschamps. Je l’ai attendu à la sortie du spectacle avec une enveloppe contenant un CD 4 titres et une lettre dans laquelle je disais « Monsieur Morel, un jour vous devriez faire chanteur. Et si un jour vous faites chanteur, vous devriez chanter mes chansons. » Ca l’a fait marrer et il m’a répondu très vite par courrier. En gros, il disait qu’il appréciait mes chansons, que lui n’oserait jamais franchir le pas car il était comédien et pas chanteur. Il a ajouté qu’il m’aiderait en parlant de moi sur les ondes. On en est resté là.

Le deuxième temps arrive 5 ans après. antoine sahler,interview,le furieux,mandor

Mon deuxième album est remarqué par Juliette. Elle m’appelle pour m’inviter dans une émission sur France Musique dans laquelle elle a carte blanche. Elle me propose d’y chanter deux chansons. Un autre invité de l’émission était François. Dans la foulée de l’émission, j’ai fait la première partie de Juliette à l’Olympia. François qui interprétait un duo avec la chanteuse était mon voisin de loge, il est devenu mon camarade de trac de la soirée. Nous sommes devenus copain à partir de ce moment-là. On a commencé très vite à travailler ensemble. Des disques, différentes scènes, musicales ou pas… on ne se quitte plus depuis 10 ans.

Qu’avez-vous pensé du billet de François Morel sur France Inter obligeant les auditeurs à acheter votre disque ? (A écouter là!)

J’étais presque gêné, mais super content. C’est un vrai acte d’amitié.

antoine sahler,interview,le furieux,mandorVous êtes aussi directeur du label Le Furieux. Pourquoi ?

Il y a 5 ans, je faisais la direction artistique d’une amie, Armelle Dumoulin. On avait fait tout le boulot : le studio, les arrangements, le pressage du disque…etc. Le disque existait, mais il n’avait pas de structure pour l’accompagner. Il manquait un étage à la fusée pour qu'il arrive jusqu’aux professionnels dans de bonnes conditions. J’ai donc eu envie de faire exister des projets d’amis que j’aime beaucoup et dont j’admire le travail. On a créé une structure associative qui a accueilli d’abord le projet d’Armelle, puis d’Achille, de Wladimir Anselme et de François Puyalto.

Ça prend beaucoup d’énergie ?

Enormément. Et de temps aussi… un  peu d’argent bien sûr. Régulièrement, je me dis : « si j’arrêtais tout ça ? » Mais en même temps, chaque nouveau projet me galvanise. Quand je vois ce que l’on fait sur la durée, je me dis que, finalement c’est chouette ce que l’on construit ensemble. On a raison de faire exister des choses en se préoccupant surtout de ce qu’on a envie de raconter et en le faisant bien. Ça me récompense de tous les efforts fournis.

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Le 16 juin 2018, de gauche à droite : François Puyalto, Wladimir Anselme, Armelle Dumoulin, Achille et Antoine Sahler à la Blackroom d'Hexagone.

Aucun de vos artistes n’a le même univers que vous. antoine sahler,interview,le furieux,mandor

Il n’y a pas longtemps, on a fait un plateau tous ensemble. On a échangé nos chansons et c’était génial. Je me nourris de nos différences. Je suis passionné par l’écriture, toutes les sortes d’écritures. A partir du moment où une chanson tient debout, je suis impressionné et souvent, ça m’intrigue. Le talent des autres m’impressionne souvent.

On vous compare tout le temps à Souchon et à Katerine, comme si vous étiez un habile mélange des deux. Ça vous convient ?

Ça me va totalement. Ce sont deux artistes que j’admire énormément, dont j’adore le travail et dont je me sens proche sans les connaître. J’ai tous leurs disques. S’ils n’ont pas totalement le même esprit, ils ne sont pas si différents que cela. Ils pointent quelque chose qui peut paraitre anodin, mais qui va dire énormément. Souchon est plus dans le regard, la rêverie, tandis que Katerine est plus un dadaïste, plus mordant, plus dérangeant. Si on me demande de faire une reprise, spontanément, je vais vouloir interpréter soit « Caterpillar » de Souchon, soit « Mort à la poésie » de Katerine.

Parlons de votre voix. Elle est très originale… pas très grave quoi.

Comment vous m’épargnez (sourire)… Vous savez, ça m’arrive souvent que l’on me dise, avant de raccrocher au téléphone, « au revoir madame ». Je m’en suis fait une raison (rires).

A quoi sert les chansons ?

Si elles peuvent être des petits moments de consolation, c’est déjà beaucoup.

Pourquoi faites-vous ce métier ?

Je ne sais pas du tout. Je sais juste que quand je m’assieds à un piano ou que je marche dans la rue et que j’ai un début de chanson qui m’arrive, je suis à un moment et à un endroit de ma vie que j’adore. Je me sens tellement chanceux de pouvoir vivre ça, alors j’en profite.

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Après l'interview, le 14 février 2019.

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25 février 2019

Chloé Mons : interview pour l'album posthume d'Alain Bashung, En amont

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L'album posthume d'Alain Bashung, En amont, a eu un immense succès dès sa sortie il y a deux mois. Vous pouvez l'écouter . Pour le magazine des abonnés de la FNAC, Contact (daté du mois de février 2019), on m'a chargé d'interviewer sa veuve, Chloé Mons. Voici la version condensée d'une demie heure de conversation (avec le petit bonus de fin)… 

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Bonus mandorien :

Vous vous attendiez à ce que ce disque ait un tel succès ?

Non. Ça a été une très grande surprise. J’ai surtout été étonnée par le succès critique de la part des médias. J’ai évidemment toujours cru à la qualité de ce disque, mais je ne pensais pas qu’il allait avoir un tel rayonnement aussi populaire. C’est un disque qui a mis tout le monde d’accord.

Personne n’a critiqué le fait que sorte ce disque posthume. Cela vous a étonné ?

Il s’est passé dix ans entre le départ d’Alain et la sortie de ce disque. Je ne me suis pas précipitée pour éviter ce genre d’écueil. Je croyais beaucoup au potentiel de ces chansons, je ne me suis donc pas découragée.

Vous êtes émue quand vous écoutez ce disque ?

Oui. Je ne peux pas l’écouter chez moi en buvant un thé. Quand je tombe sur un morceau lorsqu’il passe à la radio, bien sûr que c’est émouvant… et très troublant.

Je connais des fans qui ont beaucoup aimé et qui ont été, comme vous, troublés.

C’est comme s’il était revenu juste pour chanter un nouvel album. En plus le disque commence par « Immortel », c’est encore plus troublant. C’est un titre qui lui ressemble très fort. On a travaillé dans cet esprit. 

Clip de "Immortel".

Pour finir (et parce que Mandor aime sortir ses archives, tout imbu de sa personne qu'il est), voici quelques photos d'une interview datant du 14 juin 1989 dans les locaux d'RTL. Il y a près de 30 ans…

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21 février 2019

Séverin : interview pour Transatlantique

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(Photo : Ambroise Tezenas)

22687810_10155666678090390_342518263329711993_n.jpgLe chanteur et compositeur Séverin vient de sortir son cinquième album, Transatlantique, sous le signe de l’Amour et de l’évasion. Sa fausse nonchalance m’a séduit depuis le début de sa carrière, en 2009 avec son album Cheesecake. Ce ciseleur de mots ne se laisse jamais aller à la facilité stylistique musicale et textuelle. Transatlantique est vraiment un disque joyeux, faussement naïf, souvent profond, sans oublier quelques accents de cynisme qui ne sont pas pour me déplaire.

Le 29 janvier dernier, je suis allé à la rencontre de ce garçon extrêmement sympathique et franc dans son studio d’enregistrement. Il était temps…

Vous pouvez écouter l'album ici.

Le mot de l’éditeur :49389779_10156735164405390_3860636447564365824_n.jpg

«Ça ira tu verras», chantait-il en 2016, dans le disque éponyme qui avait confirmé l’importance de sa présence au sein de la scène française. Aujourd’hui, ça va encore mieux : avec ce nouvel album, Séverin confirme son talent à part, érigeant un pont reliant la chanson française à une île imaginaire, située quelque part entre l’Amérique du Sud et l’Afrique. Produit par Marlon B (Juliette Armanet, Brigitte…), le bien-nommé Transatlantique ne ménage ni la chèvre, ni le chou, se partage entre cérébralité et sensualité, interrogations existentielles et fausse nonchalance.

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(Photo : Ambroise Tezenas)

IMG_8718.jpgInterview :

Ce dont tu parles dans tes chansons est systématiquement autobiographique ?

Celles que je garde sont celles qui parlent de moi, car j’ai l’impression que je ne triche pas du tout. Ce sont aussi celles dont je ne me lasse pas. J’ai remarqué que quand je fais écouter aux gens qui m’entourent ces chansons encore au stade de maquettes, ce sont celles qu’ils préfèrent également.

Tu parles des autres en parlant de toi ?

J’espère. Quand j’ai rencontré Etienne Daho il y a quelques années, il m’avait dit : « plus tu parleras de toi, plus tu parleras aux autres ». C’est vrai dans les chansons des artistes que j’aime et,  j’ai l’impression, dans les miennes.

Ce que j’aime dans tes chansons, c’est le côté pince-sans-rire. C’est le cas notamment dans « 30 minutes après ma mort ».

Une chanson est une construction de plusieurs évènements. Il y a d’abord la maladie du RIP sur les réseaux sociaux dès qu’une personnalité meurt. Ça part d’un bon sentiment, mais il y a au bout d’un moment une saturation. Les vrais fans vont rendre un hommage sincère qui ne voudra plus rien dire quand beaucoup qui connaissent peu l’œuvre de la personnalité vont pleurer sans un réel affect. Ça devient un peu malsain. J’ai été choqué par ce phénomène quand Hubert Mounier (ex L’Affaire Louis’Trio) est décédé. Plus grand monde ne s’intéressait à lui et quand il est mort, il est ressorti comme un héros que tout le monde aimait. Enfin, quand mon père est mort, j’ai reçu des lettres le louant. Des lettres que j’aurais aimé lire de son vivant… Je pense qu’il faut célébrer les vivants.

"En vacances" (pour l'émission Basique).

Tu parles beaucoup de ton métier d’artiste.

Je suis très heureux de faire ce métier. Il est difficile, mais il y en a des très très difficiles. Quand on est un artiste indépendant, il faut trouver beaucoup d’énergie, mais je ne me vois pas faire autre chose. C’est un sacerdoce en tout cas.

Etre indépendant, avoir son propre label, produire d’autres artistes, c’est une pression supplémentaire ?

Oui, mais c’est aussi là que tu fais de bonnes choses. Il faut être angoissé pour créer (rire).

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(Photo : Ambroise Tezenas)

C’est un combat de sortir un nouvel album ? Marie Charbonnier.jpg(Photo  à droite : Marie Charbonnier)

Les gens ne s’en rendent pas toujours compte, mais écrire 10 chansons, c’est beaucoup de travail. Sur 10 chansons écrites, il y a 90 débuts de chansons qui ont fini à la poubelle.

Es-tu objectif sur ton travail ?

Je suis objectif, mais je peux me tromper. J’ai trois, quatre référents autour de moi auxquels je fais confiance. La réussite d’un artiste tient à ce que la musique lui ressemble, à ce qu’elle soit le reflet de sa personnalité. Ce sont les proches qui peuvent vous le confirmer (ou pas).

Tu as un sens très développé de la mélodie, je trouve.

Merci. Il se trouve que dans cet album, il y a des chansons comme « L’interview » où il n’y a pas de mélodie. C’est plus narratif. Mais évidemment, j’aime les jolies mélodies. L’émotion passe plus par-là que par les textes. Pour moi, le Graal c’est Paul Simon. C’est le mélodiste ultime. 

"Elle est là" (pour l'émission Basique).

PpLtrpM_.jpeg (2).jpgDans « L’interview », « Elle est là » et « 30 mn après ma mort », tu fais du parlé-chanté.

Le disque a été produit par Marlon B (Brigitte, Juliette Armanet…) C’est lui qui m’a guidé dans cette voix et cette voie. C’est d’ailleurs la première fois que je me fais diriger. Je dois devenir mature. Je réussis à faire plus confiance aux autres.

Tu y parvenais difficilement ?

C’est lié à ma génération. On fait de la musique seul avec des ordinateurs, donc on contrôle un peu tout très vite dans sa carrière. On joue moins de la musique en live… Dans ce disque, j’ai décidé de jouer en live. Chaque musicien a trouvé ses propres parties, je n’ai donné aucune indication. Je suis arrivé avec des compositions guitare-voix et eux ont joué à leur façon. L’enregistrement s’est déroulé en une semaine. Je redécouvrais peu à peu mes chansons. J’ai adoré.

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(Photo : Ambroise Tezenas)

Dans « L’interview », tu te moques autant des journalistes (qui parfois le méritent bien) que de Axg79k4g.jpeg (2).jpgl’artiste. J’ai adoré ça.

J’ai eu peur d’en vexer quelques-uns. C’est un foutage de gueule qui concerne les deux forces en présence. Les questions redondantes des journalistes et l’interviewé qui est là pour vendre son produit.

Il y a un côté « à questions connes, réponses connes ».

Il y a un peu ça c’est vrai. Quand tu fais ce métier depuis pas mal d’années et que l’on te demande systématiquement « quelles sont tes influences ? » ou « raconte-moi ton parcours », il y a un moment où c’est un peu épuisant. J’aime bien quand il y a du donnant-donnant. Au début, je ne voulais pas mettre ce titre dans l’album. Je souhaitais juste l’envoyer au journaliste pour la promo de l’album à la place de la bio officielle écrite sur papier. Et puis j’ai changé d’avis.

Clip de "L'interview".

29598296_10156106427750390_7310672325006856102_n.jpgParle-moi du clip de « L’interview ».

Léa Salamé joue le rôle de la journaliste. Je l’avais rencontré, elle avait bien aimé mes chansons… J’ai donc pensé à elle tout naturellement parce que je savais qu’elle était capable d’autodérision. Elle a joué le jeu pour me rendre service et parce que ça l’amusait. Ça peut faire marrer les gens…

« La vie con » me fait penser, dans la thématique, à « Le bagad de Lann-Bihoué ».

C’est une de mes chansons préférées d’Alain Souchon. C’est la chanson la plus cynique du disque. Il n’y a pas beaucoup d’espoir à la fin. J’aime bien que dans mes chansons, ça pique un peu, et cela, dès la première phrase.

Tu as l’impression de progresser de disque en disque ?

Oui. J’ai l’impression d’être un ébéniste qui s’améliore d’expérience en expérience. Je crois que j’ai enfin trouvé mon ton et ma singularité dans ma musique, dans ma façon de chanter et dans le propos.

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(Après l'interview, le 29 janvier 2019).

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16 février 2019

OK Choral : interview pour son premier disque

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ok choral,grégory blanchonJ’avais le premier disque d’OK Choral depuis plusieurs semaines chez moi et je ne l’avais pas encore écouté. Je pensais que ce groupe chantait en anglais. Je ne sais pas pourquoi j’ai parfois des a priori… Bref, faisant un peu de tri des disques reçus pour décider si tel ou tel artiste sera une future mandorisation ou tout simplement rangé dans ma discothèque, j’ai décidé d’écouter une bonne fois pour toute cet album. Bonne surprise ! Textes aiguisés, mélodies entêtantes, sens du rythme diablement efficace, jeu de guitare original, loin d’être lisse.

Le 25 janvier dernier dans un bar de la capitale, j’ai rencontré Grégory Blanchon, le chanteur, tête pensante du groupe, pour en savoir un peu plus sur cette formation qui risque de faire bouger la planète pop française.

Argumentaire de presse officiel :ok choral,grégory blanchon

OK Choral distille un mélange de pop en français, d’electro et une énergie venue du rock. Un mariage qui ne surprend plus quand on sait que le trio est originaire de Reims, qui a vu rayonner aussi bien Yuksek, The Shoes que The Bewitched Hands.

Emmené par le chanteur/auteur Grégory Blanchon, les chansons du premier album (paru en octobre 2018 - 33 Degrees / Universal Music France) parlent essentiellement de rencontres, d’histoires qui se font et se défont. Côté musique, OK Choral est une expérience froide et rythmée. On aperçoit des ombres s’abandonnant sur la piste d’un club, avec pour seule obsession de profiter de l’instant présent. Des corps qui se frôlent et se cognent dans un ballet sensuel futuriste. Un beat efficace, des sons synthétiques et quelques guitares sont là pour nous faire espérer que la nuit sera longue et que demain ne verra pas le jour…

Le groupe OK Choral est composé de Grégory Blanchon (chant, guitare, basse, claviers), Eddy Lambin (guitare) et Arnaud Lesniczek (batterie, percussions).

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ok choral,grégory blanchonInterview :

Tu as vécu dans un milieu familial ou la musique était très présente, je crois.

J’ai toujours été baigné dans un univers de musique. Mon père faisait beaucoup de piano et il était passionné de jazz. Il m’a transmis le virus. Je continue aujourd’hui à collectionner les vinyles de jazz.

Et de la bonne. La variété n’a pas franchi votre maison ?

Je vais te raconter une anecdote. Je suis allé en Irlande il y a une dizaine d’année avec des potes. A un moment, on va au Connemara et soudain, mes quatre potes se sont mis à chanter à tue –tête « Le lac du Connemara ». Je les ai regardés bizarrement, car je ne connaissais pas cette chanson. Par contre, à 8 ans, je savais que Louis Amstrong était trompettiste de jazz (rires).

Tes parents ont voulu que tu fasses du piano.

J’ai pris des cours particuliers pendant 5 ans. A 12 ans, j’ai dit à mes parents que je voulais jouer l’instrument que je voulais, c’est-à-dire la guitare.

Cela dit, les bases acquises en faisant du piano te permettent aujourd’hui de savoir jouer aussi du clavier.

Tu as raison. Je domine bien le solfège et je connais bien la musique il me semble.

Clip de "Collision".

Il faut les bases pour se permettre d’en sortir un peu ?

Pas forcément. Il faut désapprendre une partie de son bagage pour pouvoir se rouvrir l’esprit. Le tout est de ne pas être formaté, comme certains musiciens peuvent l’être en sortant d’une école de musique. Quand tu as un projet artistique, ce qui est intéressant, c’est de mettre de côté la partie technique acquise pour aller chercher ce que tu es. Même tes éventuelles erreurs font que ça sera peut-être intéressant. Personnellement, j’ai un côté brouillon, un peu sale, dans mon jeu de guitare… je me suis attelé à ne pas le gommer. Pour Ok Choral, je l’ai accentué, ou plutôt, je l’ai cultivé. 

Quand as-tu décidé de faire de la musique sérieusement, au point d’en faire ton métier ?

Dès le départ. Au début de mon adolescence,  j’avais un pote fou de guitare et tous les deux, on a bien compris que cet instrument était un des seuls trucs qui nous intéressait dans la vie.

Plus que les filles.

Oui, on avait douze ans, les filles c’était une autre sphère. Vraiment, la  guitare était notre priorité. On a monté un groupe. Be & Be. C’était les deux premières lettres de nos noms de famille. Nous avons tout de suite composés et écrits nos propres morceaux. On avait fait une cassette avec la pochette réalisée à la main. C’était sérieux, quoi !

Tu chantais déjà ?

Oui. Mon ami aussi, mais comme il était vraiment meilleur que moi à la guitare, j’avais tendance à plus chanter que lui pour contrebalancer. On ne faisait pas de reprises, on voulait créer tout de suite quelque chose à nous. On adorait créer… et c’est toujours le cas pour moi aujourd’hui.

Clip de "Le centre du monde".

Tu es resté avec ces amis musiciens jusqu’à l’âge de 20 ans.

Oui, on a changé plusieurs fois de noms, mais globalement, c’était la même équipe. Notre groupe, Huck, avant Ok Choral, a duré un peu quand même. On avait des rendez-vous avec des maisons de disque, on a fait pas mal de tremplins, bref, on a mené notre barque avec sérieux et envie d’en découdre.

Au tout début, tu chantais en Anglais.

Au bout de 3 ans, je me suis dit qu’en France, si tu veux développer un projet, c’est en français qu’il faut le faire. Je suis content d’avoir fait ce choix, mais ça a été long de trouver mon écriture en français.

Le premier concert d’OK Choral s’est tenu sur une scène du  Printemps de Bourges.

C’était en 2013. On s’était fait repérer mais nous n’avions que deux morceaux prêts. On a dû en bosser d’autres et en réadapter certains qu’on avait dans les tiroirs. Je suis repassé par une période de doute musicalement. Faire du pur rock, ajouter des touches electro ?

Et finalement ?

Aujourd’hui, je considère que ce que nous faisons est de la chanson et de la pop française. Pour être plus clair, je pense qu’on a trouvé le bon équilibre entre la chanson, la pop et l’electro.

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(Photo : ArtEos)

Revendiquer la chanson, c’est revendiquer le texte.

Exactement. Les textes ont une place importante dans OK Choral. Je veux marier la langue française avec des ambiances musicales qui ne sont pas forcément françaises.

Tes textes racontent l’histoire d’un jeune un peu désabusé, pas très heureux, qui vit la nuit, qui picole pas mal et qui se cherche un peu.

Dans les chansons, je cherche un peu la noirceur. Je trouve intéressant le côté « dark » des gens. Je présente aussi ma fragilité, je me mets à nu.

Clip de "Pourvu que la nuit soit longue".

Dans la vie, tu es quelqu’un de « dark ».

Pas vraiment. Je suis assez léger et déconneur au quotidien. Il n’y a rien qui m’inquiète vraiment, je relativise tout. A part la santé et le bien-être de mes proches, le reste est accessoire. Je suis comme ça peut-être parce que j’évacue mon côté noir par le biais de mes chansons.

Ça te fait du bien d’écrire de la musique.

Rarement j’atteins une  aussi grande plénitude que quand je sais que je suis en train d’écrire une bonne chanson. Il n’y a pas grand-chose qui égale ce frisson-là. Ça m’a fait ça pour « Collision ». C’est mon titre préféré de l’album et je l’ai écrit en deux heures.

Es-tu content de l’accueil de ce premier album ?

La visibilité de l’album est encore confidentielle, mais il est très bien accueilli par ceux qui l’ont écouté.

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Après l'interview le 25 janvier 2019.

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04 février 2019

Laurent Montagne pour l'album Souviens-moi

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(Photo : Julie Rodriguez)

Ex-chanteur des Acrobates, Laurent Montagne est ensuite repéré en 2007 par Le Chantier des Francofolies. Depuis il sillonne les routes. Francofolies de La Rochelle, Alors chante, Pause Guitare, Printival... Coup de cœur de l’Académie Charles Cros, Il a notamment fait les 1ères parties de Gaëtan Roussel, Emily Loizeau, Jean Louis Murat, Mathieu Boogaerts, Thomas Fersen et bien d’autres encore...

Je l’avais déjà mandorisé en 2013 pour son album A quoi jouons-nous ? et nous avions évoqué son début de parcours. Cette fois-ci, j’ai voulu savoir où il en était. Le moins que l’on puisse dire c’est qu’il continue à être un chanteur en état de marche. Il vient de sortir coup sur coup, un disque « jeune public », La rue Chocolat et un disque de superbes chansons dans lesquelles, la pop et le rock trouvent une belle place, Souviens-moi.

Pour écouter l'album jeune public La rue chocolat, c'est ici.

Pour écouter l'album de chansons Souviens-moi, c'est là.

Le 24 janvier dernier, nous avons conversé autour d’un bon chocolat chaud en terrasse d’un bar parisien.

16864852_10155026805968838_1935717488274116723_n (2).jpgBiographie officielle (photo : Julie Rodriguez):

Toujours en dehors des sentiers battus, Laurent Montagne n’est jamais aussi à l’aise que lorsqu’il se pose là où on ne l’attend pas. Il y a d’abord cette poésie, tantôt revendicative, tantôt contemplative où l’âme se raconte à fleur de peau et les sentiments se déclinent en mode espoir.

A la poésie s’ajoute, aujourd’hui, l’énergie et l’élégance d’envolées post rock, de mélodies entêtantes et hypnotiques, portées par un trio de musiciens issus de formations emblématiques de la scène montpelliéraine et valentinoise : Laurent Guillot, Cyril Douay, son ancien acolyte des Acrobates, membres de Poussin, The Chase…, Pierre-Yves Serre, fondateur de Horla, Mes Anjes Noires.

Par-delà la formidable intensité musicale apportée par ces derniers, il y a surtout ce plaisir à être ensemble sur scène. Une complicité irrésistible et addictive partagée en toute simplicité avec le public.

Du sens et du son, voilà le leitmotiv incessant qui baigne les chansons de Laurent Montagne. Des textes où chaque paysage devient un moment de la vie des hommes avec à l’horizon cet espoir, inamovible, qui continue de briller au fil des chansons.

Argumentaire officiel du disque :LaurentMontagne-CoverRVB.jpg

Dans son nouvel album Souviens-moi, Laurent Montagne nous ramène vers ses sujets de prédilection, d’abord la contemplation. Celle des paysages majestueux de la cathédrale de « Maguelone », vaisseau immobile lové sur une langue de terre entre les étangs et la mer, où derrière l’ode poétique, apparaissent les premières vagues d’un puissant crescendo musical. On continue avec la solitude mystique d’ « Un lieu » qui côtoie l’effervescence folle de « Ma Ville », et sa cohorte de promoteurs d’artifices. Puis vient la contemplation des Hommes, celle des ouvriers de sa terre natale dans « La Vallée du Rhône » où les notes égrenées d’une guitare, cèdent d’un seul coup la place à une rafale Post/Rock soulignant la force du vent qui souffle sa colère jusque devant les portes closes des usines désaffectées. Il reste, enfin, la contemplation des artistes qu’illustre la très poétique « Peau d’âme », portée par la belle sobriété d’un duo basse – voix.

Puis viennent les textes plus acérés sur les désillusions de notre monde, les jeux de pouvoir avec toujours en fond cet espoir inamovible qui continue de briller au fil des chansons. Sonne alors l’heure du bal des vampires avec le « Système » un duo à l’accent Orwelien où résonne l’écho des cris de Patrick Mc Goohan, célèbre n°6 de la série le Prisonnier. Ou encore le cinglant « Il pleut » fustigeant la novlangue politique d’un « toi tu dis qu’il pleut et tu nous pisses dessus ».

Place à « Un Homme est mort » chanson rock hypnotique qui explose sa rage face à la lâcheté des hommes. Une chanson qui est un rappel au fait divers relaté dans le film 38 témoin de Lucas Belvaux, et, qui tire son nom d’une BD de Kris et Etienne Davodeau sur les grèves à Brest dans les années 50 filmées par le cinéaste René Vautier. Puis, dans un registre plus en douceur, porté par un texte de toute beauté où les mots s’entrechoquent, arrive « La Rumeur », sublimée par les cordes du Trio Zephyr.  Reste pour définir cet album l’amour, dans sa version espoir, avec la pop très entraînante de « Ça ne te dirait pas ».

« C’est le Laurent nouveau qu’on découvre, et le moins qu’on puisse dire, c’est  qu’il décoiffe et sort des sentiers battus de la chanson formatée prête à consommer. Le temps lui appartient, et l’espace devant lui, avec des formules qui sont de purs diamants. »

Alain Fantapié Président de l’Académie CHARLES CROS 

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IMG_8642 (2).jpgInterview :

Tu commences à avoir une belle discographie.

Oui, et je n’oublie pas mes trois albums avec Les Acrobates. J’ai arrêté ce duo quand ça a commencé à bien marcher. Quand je fais de la musique, il faut que je sois en accord 100% avec moi-même, sinon, je fais autre chose.

Tu ne fais aucune concession ?

Je ne peux pas dire ça non plus, je suis quelqu’un d’assez ouvert quand même. J’ai une ligne blanche, de temps en temps je la dépasse. Je joue avec. Avec Les Acrobates, nous étions deux, nous nous sommes éclatés pendant 7 ans, mais à un moment, c’est devenu difficile de partager. Cyril Douay, mon acolyte des Acrobates, voulait jouer dans des stades, faire de la pop anglaise, moi j’avais envie d’aller chez les gens avec ma guitare chanter de la chanson française… Mais, tu vois, Cyril rejoue avec moi dans ce nouveau disque.

Tu as enregistré Souviens-moi avec tes musiciens de scène.

Oui, je joue avec eux depuis trois ans. Dans l’album pour lequel tu m’avais reçu la première fois, A quoi jouons-nous ?,  les musiciens, à une exception près (Pierre-Yves Serre, son guitariste), je les avais rencontrés le jour du studio. Pour Souviens-moi, basse, batterie et guitare électrique ont été enregistrées dans les conditions du live,  parce que l’on se connait par cœur et que l’on avait bossé les morceaux. J’ai juste rechanté par-dessus, en gardant parfois les voix témoins.

Teaser de l'album.

Tous tes musiciens ont laissé la place aux textes.

Parce qu’ils savent que, pour moi, c’est important. Pour un musicien, laisser la place aux textes, ce n’est pas évident… surtout qu’ils viennent de la pop en langue anglaise. Il y a des musiciens avec lesquels je joue depuis 20 ans, alors on peut mettre nos egos de côté. Il y a vraiment entre nous une écoute mutuelle. Ils savent à quel moment, ils vont pouvoir partir dans le post rock et envoyer le bois.

FrancoFans dit que tu fais des chansons à message et que tu as besoin de s’insurger. Es-tu d’accord sur ces deux points ?

Je suis d’accord, mais je mets d’abord la poésie avant tout. Je ne suis pas un représentant de la CGT quand j’écris mes textes (rires). Par contre, il est vrai que j’ai un intense besoin de sens. Quand j’écoute un chanteur, j’aime bien savoir d’où il vient, où il a grandi. Comme nous sommes forgés par les paysages dans lesquels on vit ou dans lesquels on a grandi, j’ai écrit des textes contemplatifs sur les paysages. Personnellement,  j’ai grandi dans la Vallée du Rhône, j’en ai fait une chanson dans cet album.

Sur "Maguelone" aussi.

Oui, car aujourd’hui, je vis à Montpellier. Mais FrancoFans a raison, il y a des chansons plus engagées parce que le pouvoir aussi nous façonne… de manière moins belle que les paysages. Il y a quelque chose qui m’obsède dans le rapport des êtres humains au pouvoir, donc je l’écris en chanson.

Clip de "Le système".

Ta chanson « Le système » est vraiment d’actualité.

Oui, mais je n’utilise aucun mot lié à l’actualité. Il y a ni « Macron », ni « Gilets jaunes » dans ce titre… Malheureusement, ce qu’il se passe aujourd’hui est assez intemporel. Dans quelques années ce seront d’autres personnes et d’autres mouvements…

« Le système » est finalement ta chanson la plus antisystème.

(Rires) On ne me l’avait jamais faite celle-là, mais c’est bien vu. Je ne sais pas si c’est la plus antisystème, parce que j’ai une autre chanson dans ce disque, « Il pleut » qui est sur un sujet similaire. Je parle de ces gens qui vivent dans une tour d’ivoire et qui sont censés nous représenter. Ces hommes ont un savoir, mais ils ne savent pas sentir le peuple, ils ne peuvent donc pas les représenter. Il y a une impasse totale. Avec Les Acrobates, il y a longtemps, nous avions une chanson qui s’appelait « Le journaliste » qui parlait de course à l’information et des personnes qui donnaient l’information sans l’avoir vécu.

Et, avec l’arrivée d’Internet et des réseaux sociaux, ça n’est évidemment plus d’actualité.

Evidemment… ne parlons même pas des chaînes d’infos en continue. Mais déjà à l’époque de la chanson des Acrobates, je me levais et j’écoutais la matinale de France Inter. A la fin, j’étais hyper énervé parce que je réagissais à tout ce qu’ils disaient. Je vivais à un rythme d’un journal par heure. Quand j’ai arrêté d’écouter, j’ai trouvé que le monde allait mieux.

Les Acrobates : clip en animation de "Le journaliste", réalisé par Vincent Farges en 2003.

Et aujourd’hui ?

Je n’écoute plus que des radios musicales, soit des petites radios associatives, soit FIP. C’est très éclectique. Sinon, j’écoute des conférences. J’essaie de ne pas écouter des gens qui pensent comme moi, pour m’ouvrir un peu. Il y a des gens qui me rendent beaucoup plus intelligent que quand j’écoutais la matinale.

Une chanson doit élever ceux qui l’écoutent ?

Je ne suis pas non plus dans la chanson « utile », comme celle d’Etienne Roda Gil pour Julien Clerc, « Utile ». Il chantait : « À quoi sert une chanson si elle est désarmée? Me disaient des Chiliens, bras ouverts, poings serrés… » Pour moi une chanson peut avoir des airs de futilité, mais a des moments, peut aussi toucher à l’essentiel.

Comment apprend-on à écrire avec de la poésie et du sens ?

En écrivant, en lisant beaucoup et aussi en écoutant les autres.

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47032331_10156868600438838_2321929482803347456_n.jpgTu fais de la chanson pour enfant, avec des enfants… et ça donne Rue Chocolat.

Ça a commencé avec le Chantier des Francofolies en 2007. Ils m’ont incité à proposer mes chansons au jeune public. Je venais d’être papa, donc je pense qu’il y avait une part d’enfance qui ressortait en moi. Dans une ville, je suis tombé sur un conseiller pédagogique en musique qui a constaté l’interaction qu’il y avait avec les enfants qui venaient me voir en concert. Il m’a presque imposé de faire de la pédagogie dans les écoles. J’ai donc décidé de tenter de faire écrire des chansons aux enfants. On est parti là-dessus et ça a cartonné.

Comment ça se passe concrètement ?

Je vais plusieurs mois dans une école. Je fais écrire des chansons aux enfants, ensuite on enregistre un disque avec eux. Après cela, accompagnés par mes musiciens, ils viennent faire ma première partie de concerts de chansons rock. Ça fait 7 ans que je fais ça, je dois avoir une cinquantaine de chansons. Parmi elles, il y a des merveilles, je trouve.

Rue Chocolat sur France 3 Languedoc-Roussillon.

Sur le disque, il y a 13 chansons. 42337895_10156711472213838_2273435011359178752_n.jpg

J’ai invité une grande partie de la scène montpelliéraine de chansons et de musiques du monde. Il y a Iaross, Imbert Imbert, DimonéScotch & Sofa, Didier Super, Trio Zephyr, Zob et plein d’autres… J’ai fait ce projet de manière artisanale. On a tout bricolé chez moi et ça a été des rencontres géniales.

Le jeune public est-il le plus exigeant ? Je sais qu’il est incapable de faire semblant d’aimer.

Je n’ai pas ce souci là avec ce public. Ce qui est le plus difficile, c’est qu’il n’a pas toujours les codes. Comme dans mes spectacles il y a un côté ludique et un côté très poétique, c’est un jeu d’équilibre. Il faut être très direct avec les mômes.

Il y a un peu plus de 20 ans que tu es sur scène. Est-ce qu’en 2019, tu es content de ton sort professionnel ?

Je suis content de l’évolution de mon écriture et de celle de ma musique au fil des années. Ce qui est difficile pour moi aujourd’hui, c’est d’accéder aux médias et de faire beaucoup de concerts. J’ai l’impression que c’est plus dur qu’il y a 20 ans. Je trace ma route quand même parce que je pense que c’est là que je suis le plus utile à la société. Je ne sais pas si je le suis, mais c’est la place où je me sens le mieux en tout cas.

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Le 24 janvier 2019, après l'interview.