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29 juillet 2016

Maissiat : interview pour Grand Amour

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(Photo : Frank Loriou)

Avec ce deuxième album Maissiat devient une artiste incontournable de la grande et belle chanson française. En signant Grand Amour, elle nous propose une pop intelligente et soignée. Maissiat, au remarquable sens de la mélodie, souhaite « parvenir à allier un certain respect du patrimoine de la grande chanson française mais y faire intégrer par petites touches subtiles de vrais traits d'innovation ». Elle y réussit parfaitement.

Le 30 juin dernier, je suis allé la retrouver dans un salon de son label pour une deuxième mandorisation (la première est là).

Biographie officielle (mais très écourtée) :
Il y a trois ans apparaissait sur le devant de la scène la silhouette longiligne d’une jeune femme portant un chapeau, dont la présence magnétique, on l’avait aussitôt compris, allait nous accompagner pour longtemps. Maissiat qui évoquait dès son premier essai les artistes majeurs d’hier était accueillie à bras ouverts par ceux d’aujourd’hui : une véritable révélation.
Depuis elle a ouvert son horizon en grand pour livrer un nouveau disque éblouissant, qui la rend désormais incomparable.

maissiat,grand amour,interview,katel,mandorGrand Amour est une déclaration poignante livrée du plus profond d’elle-même, un splendide hommage qui l’impose comme une artiste essentielle, chef de file d’une nouvelle pop française. Livré en dix chapitres d'une histoire bouleversante, tous ceux qui connaissent l’amour pourront s'y reconnaître, tous ceux qui ne le connaissent pas encore en guetteront les signes.

Et la musique des origines revient : celle de la grande pop française ambitieuse, de Daho, Sheller, Sanson, celle des Auteurs-Compositeurs-Interprètes, qui font de leurs chansons le journal de bord de leur vie. 

Ces dix portraits de l’amour, ces dix études intimes nées sur le grand piano blanc sont devenues un disque de la main même de Maissiat qui en signe la presque totalité des arrangements et de la production.
Après ce long travail en solitaire, elle s’entoure de compagnons précieux. Au générique : Jean-Louis Piérot, architecte de la Pop française auprès des maîtres Daho ou Bashung pour des sessions instrumentales, Katel (mandorisée récemment là) partenaire inséparable et guide vocal idéal pour donner tout le temps à l’essentiel, le chant, encore une fois sublime, Yann Arnaud, pour sa science du mixage.

Et nos oreilles sont ravies de redevenir, à l’écoute de ces dix nouvelles pépites, le plus sûr chemin vers notre cœur amoureux.

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(Photo : Frank Loriou)

maissiat,grand amour,interview,katel,mandorInterview :

Il est de notoriété publique que le deuxième album est le plus attendu/difficile d’une carrière naissante. Je trouve que vous avez pris un virage, mais en douceur.

Hier soir, je suis allée chez une fleuriste pour offrir une plante à quelqu’un. Je lui dis : « j’aurais dû prendre un cache pot ». La fleuriste me répond  que,  par contre, elle n’a pas la taille qui correspond à la plante que j’ai choisie. Elle me dit : « Sachez juste que lorsque vous rempotez une plante, il ne faut pas la mettre dans une surface trop grande d’un coup, elle risque d’être déstabilisée. Il faut y aller doucement, étape par étape. » Je la regarde et lui réponds : « comme dans la vie ! »

Je comprends l’image.

Oui, j’ai pris un virage en douceur, parce que j’en étais capable à ce moment-là. J’avais envie de ça. Quand je compose et que j’écris, tout me vient naturellement. Bien sûr, je retravaille les chansons, mais leur arrivée est spontanée. Je touche du bois parce que j’aimerais que cela continue à se passer ainsi.

Vous êtes en train de me dire qu’il n’y a pas de calcul.

Exactement, mes chansons sortent comme ça. Quand j’ai commencé à en maquetter quatre ou cinq, j’ai réécouté et je me suis dit que j’avais presque la moitié de mon disque et que ça parlait beaucoup d’amour. J’ai continué sur cette voie.

Clip de "Avril". Réalisation : wxy (Yann Orhan/ Jérôme Witz). Production : Slo Slo.

Le premier album parlait beaucoup d’amour également.

Oui, on aurait déjà pu l’appeler Grand Amour. Dans ce deuxième album, je suis allée un peu plus loin. Je me suis amusée à aller au bout du geste. J’ai pris un microscope et j’en ai fait un sujet d’étude.

L’amour sous toutes ses formes, mais en changeant d’angle à chaque chanson.

Oui, et des états d’amours différents. Je crois pouvoir dire que chacun peut se reconnaître dans au moins une petite facette de chaque prisme.

Vous n’avez pas travaillé de la même façon pour Grand Amour et Tropiques ?

Pour ce deuxième disque, je suis allée plus loin dans les maquettes. Pour Tropiques, quand j’ai fait écouter les titres à Katel, il y avait eu une étape réelle d’épure des arrangements, de travail sur la voix. Quand nous écoutions des maquettes, nous écoutions des maquettes. Là, quand j’ai fini les 14 chansons et que j’ai fait écouter ça à mon équipe, on entendait un disque presque terminé. Je le répète, cette fois-ci, mes chansons sont venues naturellement et en douceur.

maissiat,grand amour,interview,katel,mandorSur le premier album, c’est Katel qui vous a fait travailler l’épure. Même si vous n’avez pas travaillé de la même façon sur le deuxième, vous êtes-vous servie de ce qu’elle vous avait appris ?

Oui, bien sûr. Ça s’appelle l’échange avec quelqu’un, l’apprentissage et l’expérience. Je peux avoir les mêmes difficultés pendant des années, par contre, une fois que je pointe l’endroit et que l’on m’apprend comment faire, j’apprends très vite. J’essaie toujours d’évoluer, de passer des étapes, alors je fais très attention à ce que l’on m’inculque. Pour revenir à Katel, c’est quelqu’un avec qui j’échange en permanence. Pour ce deuxième disque, elle a enregistré les voix, beaucoup de chœurs, mais elle a été là tout le temps. Même quand j’étais avec Jean-Louis Piérot, Yann Arnaud et mon éditeur au mix, elle était là.

Chacun donne son avis ?

Pas tout le monde. Pas trop de monde. Mais j’aime bien que l’on me dise ce qui ne va pas. Je choisi les gens avec qui je travaille. Ce sont des gens qui vont pouvoir me faire violence à tel ou tel endroit.

Clip de "La traque". Réalisation : Robi.

Vous avez l’envie d’avoir un peu plus la main mise sur tout ?

Ce n’est pas une envie, je l’ai fait. C’est spontané.  Que les choses se fassent naturellement laissent beaucoup de place à ce qui est important, c’est-à-dire à la musique, aux textes, aux mélodies et aux arrangements.

En le préparant, vous saviez que cet album était très attendu ?

Un peu, parce qu’on n’est pas aveugle. Je travaille avec une équipe, je suis dans une maison de disque. J’ai une manageuse, un tourneur, un éditeur, je sais pourquoi j’ai autant de gens autour de moi et je sais qu’on est tous là à travailler à la construction d’un projet. Mais moi aussi je l’ai attendu ce disque. J’avais même un gros appétit de ce disque. L’appétit est une notion que j’aime à développer en parlant de musique. Ce n’est pas l’urgence d’écrire, même s’il y en a beaucoup (et surtout dans ce disque), mais c’est appétissant. Quand on dit qu’on attend quelqu’un, on a faim, on est en désir de ça.

Vous « pensez » beaucoup un disque avant de le commencer ?

Oui,  mais quand je dis, je le pense, ça ne veut pas dire « je pense à moi en train de faire un disque ».

Il y a une grande nuance.

Pour échanger beaucoup avec des personnes qui font le même métier que moi, ou des dérivés de ce métier, je peux vous dire qu’il y a une grande nuance. Parfois, sur scène on voit des artistes se regarder chanter ou qui chante tout court. Je trouve que le détachement de soi ou se remettre à la bonne place est primordial. Quand on parle de se recentrer, ça ne veut pas dire se regarder le nombril. C’est retrouver un axe, une colonne qui permet que ça circule, que ce soit fluide, qui permet des variations, des mouvements, mais pas de sursoi.

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Maissiat, invité dans une émission de radio par Françoise Hardy, à qui elle est souvent comparée.

Je suis sûr que ce disque deviendra un classique de la chanson française et qu’un jour, on dira La Maissiat comme on disait La Barbara.

C’est gentil. Si je pouvais, j’aimerais faire ce métier toute ma vie. J’aimerais être toujours aussi bien entourée et pouvoir en vivre le plus longtemps possible.

Et devenir une référence ? Non, parce qu’on parle toujours de Brel, Brassens, Ferré, Barbara…

J’ai un immense respect pour tous ces gens, mais il est temps qu’on renouvelle le cheptel (rires). J’ai eu une conversation récente sur ce sujet avec les chanteuses, Robi, Céline Ollivier et Emilie Marsh. C’était une fin de soirée et nous nous demandions pourquoi, en 2016, on ne passe pas à autre chose, pourquoi il n’y a pas de nouveaux référents.

Il y en a chez les hommes par exemple. De jeunes artistes me citent souvent Dominique A comme référence, par exemple.

Toutes les trois, nous nous disions que dès qu’on est en opposition, en position de pouvoir ou de domination, on est dans une virilité. Il n’y a pas d’autre mot pour le dire. Et la virilité nous fait penser au masculin.

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Pendant l'interview...

Dans Grand Amour, il y a des chansons que l’on peut prendre de différentes manières. « Hypnos » maissiat,grand amour,interview,katel,mandorparle de votre grand-mère qui a eu la maladie d’Alzheimer pendant dix ans, alors que je n’avais pas du tout compris cela.

Je suis surpris par les sens que peuvent prendre une expression. On projette sa propre projection dans les mots et dans la personne qui l’interprète. Concernant cette chanson, plusieurs personnes m’ont parlé du mariage pour tous à cause de la phrase « je rêve d’une femme dont je porte le nom ». Cette phrase est liée au fait que je porte le nom de ma grand-mère… mais j’ai bien aimé qu’il y ait cet autre sens-là.

Les artistes sont des machines à rêver. Etes-vous d’accord ?

Je passe beaucoup de mon temps à observer, à être dans un métier de spectatrice. J’observe les gens seuls ou en groupe, les situations. Je note ce que je vois et j’emmagasine tout un tas de scènes. Un des rôles des artistes c’est d’avoir un temps imparti pour cela et de s’en servir de la meilleure façon possible. Je considère qu’une bonne partie de mon temps doit être consacré à cette observation et que ce n’est pas donné à tout le monde. J’essaie d’arriver à dire en musique et en mots, de manière concise, des émotions, souvent fortes, des états d’âmes, des constats. J’essaie de trouver le chemin le plus juste pour viser au plus juste.

Qu’est-ce qui vous touche dans le fait d’être une artiste ?

Au-delà de faire du bien et de procurer des sensations quand les gens viennent me voir sur scène ou quand ils écoutent mes disques, c’est de sentir qu’à un moment, j’ai accompli un geste ou un acte qui m’est propre et d’être au service, d’être dans le don et enfin… d’être d’utilité public.

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A la l'issue de l'interview, le 30 juin 2016.

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27 juillet 2016

Makja : interview pour son premier EP

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(Photo : Philippe Prevost)

12311031_544931389009220_5688007632063953473_n.jpgMakja a eu sa première révélation musicale à l'âge de dix ans en écoutant une cassette de chants grégoriens. Mais un peu plus tard, c'est vers les mots qu'il se tourne. En plein boom du hip-hop, il se lance à quinze ans dans l'écriture de ses premiers textes. Après l'EP Un Camp aux textes forts et aux magnifiques arrangements (sorti en mars), Makja prévoit la sortie de deux autres EP, en parallèle de sa tournée.

J’ai découvert Makja au Pic d’Or de cette année. Avec Thierry Lecamp, je lui ai remis le prix du texte. Il aurait pu tout aussi bien recevoir le prix de l’interprétation. Cet artiste nous tient en équilibre sur un fil. L’intention est forte et les émotions fragiles. Sa musique prend aux tripes et ses textes touchent l’âme. 

La devise de Makja est : « Si tu ne viens pas au maquis, Makja viendra à toi… »  C’est ce qu’il a fait le 29 juillet dernier, à l’agence.

Présentation officielle de Makja :MAKJA_300.jpg

En ces terres arrière, royaume des ronces tenaces où les arômes errent, la plume et la voix de MAKJA se jouent des lois de la gravité.

Pas d’artifice, juste une présence, une parole singulière portée dans la tradition des plus grands interprètes.

Dès la première écoute, tout s’impose comme une invitation incontournable,
comme un appel à l’émotion. MAKJA a tout du buisson ardent : La densité et la révélation.

Dans un kaléidoscope de tableaux sauvages de paysages musicaux aux influences variées, MAKJA nous laisse entrevoir sa soif de multiplicité. Il est de ces rencontres qui nous marquent ; Ses mots touchent et laissent place à l’effet papillon ; d’oreilles à bouches, de rues à places, de caves à pavillons.

Récompenses :

- Prix SACEM du texte au Pic d'or 2016
- Prix Centre des écritures de la chanson 2016
- Médaille de Bronze de la chanson 2016 de Saignelégier (Suisse)

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makja par pierre wetzel.jpgInterview :

Avant cet EP, Makja en tant qu’artiste n’existait pas.

Pour beaucoup, les premiers concerts autour de la sortie de l’EP, c’était la première fois où les gens rencontraient Makja. Avant, mon nom d’artiste était Kalam. Je me suis dit un jour que j’allais travailler avec des musiciens et que l’interprétation de Kalam avec des musiciens deviendrait Kalam Makja.

D’où vient l’artiste que tu es ?

Je viens de l’écriture. J’ai fait 15 ans d’ « action culturelle ». J’accompagnais les prises de paroles artistiques d’enfants, de parents de grands-parents. Je travaillais dans les prisons, avec des traumatisés crâniens, avec des sourds, bref, avec tous types de personnes. J’aime travailler avec des humains qui sont composés de sensibles. Dans l’action culturelle, je stimulais leur sensible pour qu’ils puissent donner vie à une chanson, pour qu’ils puissent être vus dans l’espace public par leur création et non par leur statut d’handicapé ou de prisonnier. J’ai fait ça pendant 15 ans, de 1999 jusqu’à aujourd’hui. J’étais un acteur de la mise en mouvement du potentiel artistique de chacun.

Cette mise en mouvement prenait forme sous un acte artistique ?

L’idée, c’était de permettre à chacun d’être vu sous l’angle de la création et derrière, d’ouvrir une matrice de dialogue. Avec la personne elle-même déjà. Il fallait qu’elle écrive sur une feuille ce qu’elle pense, son point de vue, son doute, ses certitudes et ensuite confronter ce point de vue-là à un tiers. Ça peut être sa famille, son voisin, son éducateur. Le but était aussi de créer des passerelles entre les gens par la création. Reprendre confiance dans sa plume, dans ses mots c’est aussi reprendre confiance dans son corps, dans son image, dans le regard de l’autre.

Ce que tu viens de me raconter me donne une nouvelle approche de ce que tu racontes dans tes textes et m’explique pourquoi je ressentais une telle sensibilité en toi.

J’aime les gens. J’ai eu la chance d’avoir eu des parents qui m’ont fait découvrir la signification du  mot amour. J’ai été élevé dans l’amour, j’ai été bien éduqué, je me suis fait mes propres armes avec le temps pour pouvoir essayer d’exister dans ce monde-là. Gamin, j’ai vu très tôt que les mots avaient un pouvoir. Les mots étaient une clé et plus on avait de clefs  plus on pouvait ouvrir des portes pour se faire comprendre et pour comprendre les autres. Parce que méditerranéen à la base, j’avais un peu de fierté, je voulais écrire mes propres textes pour ne pas que l’on parle à ma place. J’ai écrit mes premières chansons et quand j’ai vu que je pouvais dire ce que je pensais sur feuille, c’était important que chacun puisse dire aussi. Se permettre de faire tomber la carapace le temps d’un rapport avec la feuille, je trouvais cela essentiel. J’ai développé des ateliers d’expression où j’ai appris aussi à accepter l’autre, à découvrir ses angles de vue, comment l’autre va regarder une certaine réalité et va la regarder différemment de mon point de vue.

"Un camp" (live).

Tu t’es nourri de cette richesse et de cette diversité-là ?

Oui. Dans les champs lexicaux, dans les sensibilités, dans les façons d’exprimer les choses, dans la temporalité pour passer aux mots, pour passer du ressenti aux mots. Me nourrissant de cela depuis des années, j’avais besoin artistiquement de réinvestir ces acquis.

C’est-à-dire d’expulser ce que tu emmagasinais depuis des années ?

Je ne dirais pas les choses comme ceci. L’action culturelle en elle-même est nécessaire dans une société et elle est nécessaire pour moi, mais le fait de recevoir toutes ses paroles, artistiquement, j’ai eu un besoin individuel de dire, d’amener ce kaléidoscope de visions, de pensées, dans la société. Au travers de la langue française, c’est mon devoir de donner à voir des tableaux différents.

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Makja continue aujourd'hui les ateliers d'écriture.

C’est presque une mission ?

Oui, je le pense ainsi. C’est peut-être un peu dingue, mais en tout cas, j’ai pris ce chemin-là  pendant ces années. C’est un besoin et un devoir, on peut donc parler de mission.

Abandonner ton statut de directeur de ta structure d’Action Culturelle pour te lancer à fond dans l’aventure Makja, ce  n’est pas un peu risqué ?

Je ne peux pas faire les choses à moitié. Je n’avais pas envie de m’inscrire dans une direction de ressources humaines pour les prochaines années et ma fonction de directeur commençaient à m’y obliger. J’ai envie de secouer les pesanteurs, j’ai envie d’être la caresse et l’épingle, j’ai envie, au sein de la société, de capter l’attention, de livrer des œuvres et de stimuler le sensible chez celui qui le reçoit en disant « vous avez un pouvoir d’agir ». Ouvrir des prismes, des champs de vision qui sont autres.

Clip de "Seule".

Tes premiers textes datent de 1996 et nous sommes en 2016. Tu n’apparais au public que 20 ans après…

Quand j’étais tout gamin, je savais que j’avais un monde intérieur dense et j’avais du mal à connecter ce monde intérieur avec l’extérieur.

Une forme d’autisme ?

Je n’emploierais pas ce mot parce que je l’ai bien vécu. J’étais bien dans cet intérieur, une sorte de bulle dans laquelle je pouvais rester des heures.

Comment arrivent en toi tes premiers textes ?

Adolescent, je déménage. Je pars de la banlieue toulonnaise pour Bordeaux. J’arrive là-bas en pleine culture hip hop, dans les années 95, 96, 97 et là, j’écris mes premiers textes. Je trouvais ça hyper stimulant de se réapproprier la langue française et de dire les choses. Il y avait une certaine minorité qui prenait le micro et donc, il y a avait un rôle entre le mot et la société. J’ai rappé de 1996 jusqu’à 1999.

C’est à ce moment que tu animes tes premiers ateliers d’écritures en tant  qu’animateur de centre social.

J’ai travaillé avec des jeunes de 1999 à 2003. En 2002, j’ai monté une association et en 2003, j’ai monté la structure d’Action Culturelle.

Tu as toujours pratiqué, toujours écrit, dans une culture hip hop jusqu’en 2010.

Ensuite, j’ai commencé à travailler avec des cordes, un violoncelle, ça m’a touché et très ému. J’ai donc décidé de travailler avec des instruments « vivants » et, en 2012, est né Makja.

Tu as pas mal rappé dans des groupes, le solo, ce n’était pas ton truc.

J’ai appris de mes erreurs. Des erreurs de gestion de groupes. J’ai pris la décision de monter mon propre projet. J’ai décidé de m’entourer de celui qui voudra m’accompagner à la musique. J’écris des propos sur feuille et j’ai besoin de les habiller avec des couturiers qui vont essayer de dessiner la tenue. A chaque fois, ce sera une tenue singulière en fonction du morceau. Je n’arrivais pas avec une logique d’esthétique, je venais avec la réflexion de ce qu’il se dit dans une chanson, de quel allait être le propos et comment on allait pouvoir habiller tout ça.

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Makja reçoit le Grand Prix des Voix du Sud 2016 par Francis Cabrel et Elodie Suego.

La confrontation avec le public quand on est seul, c’est dur ?

On aime rencontrer un public accueillant et bienveillant, mais quand on crée, la bienveillance du public, il faut la mériter, elle n’est pas acquise. Je dis les choses parce que  je considère que c’est important que je les dise, mais un morceau peut ne pas passer. Quand on livre une œuvre, on n’est pas dans l’adhésion de fait. On est dans quelque chose qui est exposé. Ça peut questionner, ça peut mettre mal à l’aise. On n’est pas toujours là pour être la caresse.

Tu ne cherche pas à te demander si le public a aimé ou pas.

Quand on joue un jour en collège et le lendemain en prison et après en concert en appartement, on ne va pas avoir le même public et les résonnances ne vont pas être les mêmes. Peut-être que dans un lieu, la rencontre sera belle et que dans un autre, ça ne va pas le faire. On est dans une société qui est morcelé. Doit-on penser ses œuvres en fonction des lieux ? Non. On doit créer.

Il y a des latitudes différentes dans tes chansons.

Oui, c’est pour ça que j’emploie le terme « secouer les pesanteurs ». Il y a parfois des gravités, parfois de la légèreté. Il faut créer des contres points de vue dans cette société. Je n’aime pas la lisibilité immédiate dans une œuvre. J’ai fait le choix de venir sur scène défendre un texte et je viens avec tout ce que je suis. On a besoin des arts pour nous permettre de voir différemment.

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Pendant l'interview...

Depuis que tu te consacres entièrement à ton projet artistique, en apprends-tu plus sur Makja l’artiste ?

Pour moi, je suis un jeune qui vient juste d’arriver. Je braque le présent pour le faire mien, je veux qu’il soit en ma possession. J’en découvre tous les jours un peu plus. Je travaille la voix, le corps, pour ne pas tous les jours ressortir la même chose.

Tu pourrais être un gourou, dis donc !

C’est pour cela que je veux travailler le contre point de vue. Il n’y a pas de parole d’évangile. J’arrive et je dis que moi-même je suis dans les questionnements, dans les errances.

Pour quelle raison participes-tu à des tremplins, comme tu l’as fait au Pic d’Or?

C’est pour braquer. Se montrer. Dire « Makja est là ». Je me considère un peu comme un compagnon du devoir, parce que je fais de l’artisanat. Avec mes musiciens, nous sommes des artisans du sensible et on travaille la matière. Alors, partout où je peux montrer notre travail, j’essaie. J’ai bien prévenu mes musiciens que nous pouvions venir que pour un morceau. Je leur ai dit : « est-ce qu’on y va ou pas ? Moi, j’ai envie d’y aller ! » On est venu et on vous a rencontré pendant un morceau.

Puis pour d’autres morceaux.

J’ai vu beaucoup d’artistes sensationnels, des artistes à voix, à texte, le niveau était très haut. Tu sais que mon slogan est « Si tu ne vas pas au maquis, Makja viendra à toi », le Pic d’Or a été une très bonne opportunité de rencontres.

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Makja reçoit le Prix du texte lors du Pic d'Or 2016.

Tu as reçu le Prix du texte, mais tu aurais mérité aussi celui de l’interprétation. Tu préfères quel prix ?

C’est une histoire de regard. Je vis avec ces deux facettes, l’interprète et l’auteur. Le regard s’est posé sur le prix du texte.

Il y a avait plusieurs regards.

Oui, c’est en tout cas un curseur qui s’est arrêté sur moi et qui aurait pu s’arrêter sur quelqu’un d’autre. Je sais que je suis interprète, mais c’est Flow qui a reçu le prix. Elle me touche beaucoup et c’était plus que mérité. Moi, je veux être reconnu par mon interprétation, mais ce qu’il se passe derrière un tremplin, ça ne me m’appartient plus. Je ne m’arrête plus sur des choses qui ne sont pas dans mes cordes.

recto.jpgSi je te dis que lorsque l’on écoute ton EP, on ressent moins la force de ton interprétation et de tes textes que lorsque l’on te voit sur scène, ça t’embête ?

Non, parce que tu as raison. Makja ça se vit. On est touché ou non, mais sur scène, ça ne laisse personne insensible. Moi, en studio, je suis une petite graine. En  concert, je suis stimulé par ce qu’il s’opère autour. On a réalisé cet EP il y a déjà un an et demi, j’ai déjà beaucoup évolué depuis. J’ai de plus en plus de mélodies, la voix prend de plus en plus de place par rapport aux arrangements. Cet EP, c’est une photographie d’un instant, d’une période de création. Je pense que le deuxième sera très fortement différent. Mon boulot sera de faire vivre ses interprétations aussi en studio. Je pense que ce qui arrive est assez prometteur.

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Après l'interview, le 29 juillet 2016.

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26 juillet 2016

Pauline Croze : interview pour Bossa Nova

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Pauline Croze, Claire Pathé (9).jpgPauline Croze signe son grand retour musical quatre ans après Le Prix de l'Eden. La chanteuse bouleverse ses habitudes dans les onze titres de Bossa Nova. Entourée d'artistes de jazz du monde tels que Flavia Coelho, Marie Navarro, Manda Sissoko et Vinicius Cantuaria, elle s'illustre dans des reprises douces et mélodieuses des chansons les plus mythiques du répertoire brésilien.
On découvre « Voce Abusou », remix franco-portugais de « Fais comme l'oiseau », la réinterprétation de « La Rua Madureira » de Nino Ferrer et celle de « Jardin d'Hiver » signée Henri Salvador, teintée de sonorités reggae. 

Le pari est donc parfaitement réussi : le voile suave de sa voix accompagnée des guitares sèches nous fait traverser l'Atlantique, direction Rio.

Je suis allé prendre un café le 11 mai dernier avec elle. Même si nous n’étions pas à Rio (mais à Paris), c’est toujours très agréable de converser avec Pauline Croze que je suis et interviewe depuis son premier album (première mandorisation , la seconde ici).

Voici le fruit de notre entretien, publié dans Le magazine des espaces culturels Leclerc (daté du juillet-août 2016).

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Quelques vidéos tirées de Bossa Nova :

"Voce Abusou".

"Tu verras".

"Les eaux de Mars", session acoustique.

"La Rua Madureira", session acoustique.

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Après l'interview, le 11 mai 2016.

25 juillet 2016

Quentin Mouron : interview pour L'âge de l'héroïne

quentin mouron, l'âge de l'héroïne, interview, mandor

(Photos : Daniella Carbunova)

quentin mouron, l'âge de l'héroïne, interview, mandorAmateurs de polars "classiques", de romans noirs ou de thrillers, il est possible que vous soyez un peu déroutés par le style de Quentin Mouron. Dans L’âge de l’héroïne, il y a tout de même un trafic de drogue ayant mal tourné et des rancœurs supposant une vengeance. L'ambiance générale correspond aux critères du bon petit polar dans un décor américain.

Mais, le véritable moteur de l'histoire, c'est le héros, Franck. Un homme hors du temps, ne dédaignant ni une partie de jambes en l’air improvisée (et pas très romantique), ni l'alcool, ni une ligne de coke de temps à autre.

Franck est autant une tête à claque qu’attachant.
Pas de romantisme dans ce pastiche noir. Pas de tendresse gratuite dans ces bas-fonds. Il n’en reste pas moins un roman sulfureux et décapants.

Ceci est ma troisième mandorisation de Quentin Mouron (la première ici et la seconde là), vous vous imaginez donc tout le bien que je pense de cet écrivain suisse, peut-être le plus insolent/turbulent/innovant de sa génération.

Je l’ai reçu à l'agence le jour de mes 49 ans, le 20 juin dernier. Alors que je déprimais d’être sur la pente descendante de ma vie, pourquoi me suis-je infligé le fait de recevoir ce jeune homme fringant, au talent fou, qui a encore toute la vie devant lui ? Je ne sais pas (l’homme ne serait-il pas paradoxal ?) Au fond, peut-être que c’est parce que je l’aime bien. Tout simplement. Et que chacune de nos rencontres me font du bien, voire m’élève.

4e de couverture :quentin mouron, l'âge de l'héroïne, interview, mandor

Franck, dandy sur le retour, détective à ses heures, bibliophile, collectionneur de livres anciens, est chargé de retrouver une cargaison de drogue volée. Son enquête le mène jusqu’à Toponah, petite ville américaine située dans l’État du Nevada. Sur sa route se dresse Léah, adolescente mystérieuse tenant autant de la gueule cassée que de l’héroïne cornélienne. Parmi les existences ployées et amoindries, la jeune femme scintille, détonne ; elle incarne quelque chose que Franck ose enfin nommer la vie.

L’auteur :

Quentin Mouron, poète, novéliste et romancier naît en 1989 à Lausanne. Il possède la double nationalité suisse et canadienne. Il est très remarqué dès 2011 avec Au point d’effusion des égouts (prix Alpes-Jura), puis avec Notre-Dame-de-la-Merci (2012) et La Combustion humaine (2013). L’Âge de l’héroïne est son deuxième roman publié en France après Trois gouttes de sang et un nuage de coke (2015) qui vient de sortir en poche chez 10/18.

quentin mouron, l'âge de l'héroïne, interview, mandor

quentin mouron, l'âge de l'héroïne, interview, mandorInterview:

Ça y est, tu as un héros récurrent. Franck revient dans un second livre.

Je ne sais pas s’il va tenir très longtemps à ce rythme-là (rires). Je précise que Trois gouttes de sang et un nuage de coke et L’âge de l’héroïne se lisent indépendamment et que l’on peut commencer par celui que l’on veut. Je conseillerais presque de commencer par le second, L’âge de l’héroïne. Il est plus direct et va plus à l’essentiel. Il ouvre une belle porte pour découvrir mes livres.

Es-tu plus fier de ce livre, stylistiquement parlant, parce que tu t’améliores de livre en livre?

Oui. J’ai toujours l’impression que le dernier livre est le meilleur. Je crois que dans celui-ci, il y a moins de fioritures.

Pas de phrases, pas de mots inutiles. C’est épuré au maximum.

Ca vient de ma fréquentation avec certains auteurs américains. Souvent, je me dis: “est-ce qu’on a vraiment besoin d’avoir cette scène?” Je trouve qu’il y a dans leurs polars des descriptions dont on pourrait se passer.

En lisant des gens que tu aimes bien, tu te dis qu’il y a quand même des longueurs ?

Il m’arrive de passer des pages et de trouver que le livre redevient brillant. Les descriptions physiques des gens sont toujours trop détaillées. Moi, j’en fais le minimum. Plus généralement, pour ce livre, j’ai suivi le chemin des ellipses.

Léa, ton héroïne, est elle aussi particulière. Elle est serveuse dans un bar au bord d’une route. Il lui quentin mouron,l'âge de l'héroïne,interview,mandorarrive de donner son corps pour de l’argent. Mais elle ne veut sucer que les cas sociaux, pas les hommes normaux.

Il y a chez elle, un esprit du renoncement que l’on peut trouver encore au 17e siècle, chez certaines héroïnes cornéliennes. Léa, elle nie le monde, elle nie la vie. Pour Franck qui l’observe sous son regard à lui, c’est le contraire. Il l’a perçoit comme une affirmation.

Léa amène quand même une certaine lumière, je trouve.

Quand elle fait irruption dans l’histoire, ça modifie les choses. Franck, personnage toujours désabusé, arrive enfin à voir quelque chose de positif dans le monde dans lequel il évolue.

Ce livre est un western moderne.

Je n’y ai pas du tout pensé en l’écrivant. Mes premiers lecteurs m’ont fait remarquer qu’il y avait un côté western déglingué, un peu bizarre. J’ai pourtant tenté de ne pas trop incarner le lieu et le temps.

Pourquoi te sers-tu du polar pour aborder des sujets profonds ?

Ce n’est pas une stratégie commerciale pour donner envie d’acheter. Le prétexte du polar rassure le lecteur et rassure aussi l’auteur. Il y a un cadre, des actions qui sont assez traditionnelles. Il y a un trafic de drogues, ça va vite. Ça permet un point de repère et une mobilité. Dans le polar, les personnages et les situations circulent. On peut aborder des thèmes qui ne sont pas ceux habituellement abordés dans le polar, sans que les lecteurs ne soient perturbés. 

L’intrigue est minimale, pourtant, on ne peut pas lâcher ce livre une fois commencé.

Merci. Ne pas m’étendre sur l’intrigue me permet surtout de mettre mes angoisses d’écrivains ailleurs. Dans le style par exemple, dans les propos, dans la qualité des dialogues…

Il y a deux parties dans ton livre. Une « ouverture baroque » et la « suite classique ».

Mon héroïne appartient presque au théâtre classique. Il y a une unité, pas tout à fait de lieu, pas tout à fait de temps, mais presque. Dans la deuxième partie, l’écriture est moins explosive que dans la première où tout est baroque, mélangé et ou s’imbrique toutes sortes d’informations et d’éléments.

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(Photo : Blaise Kormann pour #L'illustré).

Pour les besoins de la photo, Quentin Mouron a adoré se faire décapiter. Un clin d’œil à son roman.

Est-ce que ton héros récurrent, Franck, a du cœur ?

C’est difficile à dire. Il a beaucoup de choses qui remplacent et qui masquent  le cœur.

Quand il voit la libraire décapitée peu de temps après l’avoir troussé, il n’a pas l’air plus ému que cela.

Oui, tu as raison, il s’en fout un peu. C’est sa rencontre avec Léa qui va le rendre plus humain, qui va lui faire sortir des sentiments. Dans toute la première partie, Franck est un personnage très froid.

Tu en es à ton cinquième livre et les journalistes continuent à te comparer à d’autres auteurs. Pour ce livre, on te situe entre Flaubert et Céline.

Je suis bien calé là.

J’ai lu aussi : « le cynisme d’Oscar Wilde, la beauté de Marlène Dietrich et la violence de Tarantino ».

Il y a pire comme référence. Je suis plus d’accord avec ce triplé qu’avec le premier binôme.

Tu comprends pourquoi on te compare à Céline ?

J’espère que c’est pour le style. Dans mon premier livre, il y avait pas mal d’argots. On retrouve des volumes de textes explosifs dans certains de mes dialogues. Mon côté apocalyptique de certaines visions doit également y être pour quelque chose.

Céline, idéologiquement, ça te convient aussi ?

Ah oui, tout à fait ! (Rires). Evidemment, je m’en éloigne sur certains points.

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Franck, tu vas le garder ou l’abandonner ?

Je me pose la question. Je suis en train de réfléchir dans quelle mesure il peut revenir. Comme j’ai décidé de mettre l’intrigue au second plan, il faut que Franck trouve sa place quelque part.

Un héros récurrent, ça sécurise et donc fidélise le lecteur.

Si je peux explorer une nouvelle dimension à son personnage, s’il apporte quelque chose à l’histoire, si certains thèmes peuvent se greffer par rapport à ce personnage, je pense que je peux le faire revenir. Je l’aime bien.

Tu n’écris jamais le même livre. Je vais plus loin. Tu aimes aller là où on ne t’attend pas.

En Suisse, en ce moment, il y a beaucoup de très bons polars qui fleurissent. Du coup, ça m’incite à aller vers autre chose. Avec L’âge de l’héroïne, j’ai essayé d’écrire autre chose que Trois gouttes de sang et un nuage de coke. Si on retrouve Franck, ce n’est pas du tout le même ivre, j’insiste sur ce point.

Tu énerves un peu le milieu littéraire, il me semble.

Oui, je crois. Il y a toujours quelques petits agacements.

Il y a chez toi un côté, « je suis sûr de moi ».

Mon meilleur ami m’a fait remarquer que j’étais beaucoup plus sûr de moi devant un micro que dans la vie. C’est une forme d’aliénation.

Ne rentres-tu pas dans le personnage de « l’auteur » ?

Peut-être. Le micro s’est rassurant je trouve. Vous dites ce que vous voulez sans que l’on vous interrompe beaucoup. Un studio, c’est feutré, c’est plus rassurant qu’une table de bistrot où je pourrais boire un café avec une fille.

Quentin Mouron parle de L'âge de l'héroïne pour la librairie Mollat.

A la télé, tu faisais des chroniques dans lesquelles tu cassais le pouvoir en place.

Oui, c’est un bon exercice la chronique. Ça me permet de sortir de mon territoire.

En France, tu n’es pas encore très connu, mais je suis sûr que ça ne va pas pas tarder.

Le précédent livre, Trois gouttes de sang et un nuage de coke avait reçu un bon accueil et avait provoqué pas mal de choses. Il vient de sortir en poche chez 10/18 et il va être traduit dans certains pays. Mon éditeur, La Grande Ourse, fait bien son boulot. Il me pousse le plus loin et le mieux possible. Si j’espère un jour avoir la même notoriété en France qu’en Suisse, pour l’instant, je n’ai pas à me plaindre, ni des ventes, ni de la presse française.

Aimes-tu la notoriété ?

Oui, assez. Ce n’est pas désagréable en tout cas. Cela permet de survivre mieux, car cela permet de créer des opportunités de boulots. Tout est lié.

Tu es un « bon client » dans les médias.

Il parait. Mais tout dépend quel journaliste est en face de moi. Les journalistes ne sont pas les plus cons de la chaîne du livre (merci Quentin !) Je passe souvent de bons moments sur les plateaux.

Est-ce que discuter avec un journaliste te permet de mieux appréhender ton œuvre ?

On produit un discours que l’on ne s’attend pas à produire. Parfois, je sens que j’ai tenu un discours pertinent sur mon propre livre, parfois, au contraire, je me rends compte que j’ai dit d’énormes conneries.

Tu n’es pas un écrivain maudit en tout cas.

Non. Bon, il est vrai qu’en Suisse, au niveau prix, bourses, subventions, je ne suis jamais le grand gagnant.

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Pendant l'interview...

Tu écris tout le temps ?

J’écris souvent, à part quand je suis en promotion.

Ecrire cela n’a d’intérêt que si c’est pour dire des choses importantes ?

On peut écrire aussi des choses belles, des choses amusantes. Cela dit les choses belles et les choses amusantes peuvent être des choses importantes. Il y a un peu d’ironie dans mes livres, mais pas trop de second degré, ni d’humour douteux. On a suffisamment l’occasion d’être futile dans une conversion que nous ne sommes pas obligés de l’être aussi dans les bouquins. Quand j’ouvre un livre, j’aime bien avoir quelque chose de consistant, de profond. Le lecteur, qui a acheté ton livre a le droit à ce qu’on ne se foute pas de sa gueule.

Dans tes livres, quels sont les sujets de prédilections ?

Il y a un thème qui est revenu souvent et qui est  juste en clin d’œil  dans L’âge de l’héroïne, c’est la question du masque, de la manière dont on se ment soi-même et dont on ment aux autres. Dans mon dernier roman, je traite de la notion d’héroïsme, de la notion du langage aussi. A partir de quel moment sa propre langue, sa propre voix, ne porte plus parce qu’il y a trop de parasitages ou personne pour l’entendre. Je n’avais jamais problématisé la question de la parole. Que signifie une parole et à quelle condition elle peut signifier quelque chose ? Ce n’est pas une thèse que je défends, mais par me personnages, j’essaie d’amener une discussion. Le livre sert à provoquer les discussions.

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Après l'interview, le 20 juin 2016.

24 juillet 2016

Lucas Gabriel : interview pour son premier EP

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Lucas Gabriel interprète des textes d’une beauté stupéfiante, enveloppée par le son aérien de sa guitare électrique. Ils nous bercent dans un univers mélancolique, où se mêlent mélodies aux influences anglo-saxonnes et aux paroles en langue française. Il vient de publier un premier EP chic et poignant.

Lucas Gabriel a tout pour réussir. Talentueux, sens évident de la mélodie, voix profonde qui touche au cœur, charismatique et beau garçon. Ce n’est pas cet EP (malgré ses nombreuses qualités) qui le fera exploser et le rendra populaire, mais l’album qui suivra. J’en fais le pari.

Après un premier rendez-vous manqué (à cause de ma légendaire étourderie, qu’il veuille bien me pardonner), le 29 juin dernier, ce jeune artiste parisien de 24 ans est venu à l’agence pour une première mandorisation… qui ne sera pas la dernière.

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lucas gabriel,ep,interview,mandorBiographie officielle (un chouilla modifié) :

Spleen contemporain. C’est peut-être ce qui caractérise le plus la musique de Lucas Gabriel.
A l’écoute de son premier EP, on situe tout l’intérêt de l’artiste : les arrangements épurés font la part belle au timbre, et à une plume qui ose un lyrisme littéraire. «Comment fait-on pour vivre lorsqu’on se sait moyen ? » scande-t-il, insufflant un souffle singulier avec une verve désabusée. Lucas Gabriel a appris la musique en autodidacte.
Rapidement, il se met à écrire ses propres compositions, sans pour autant avoir l’ambition de faire sortir ses chansons de sa chambre. Néanmoins, presque par accident, il se voit du jour au lendemain propulsé sur le devant de la scène par Benjamin Clementine.

C’est en 2013, lorsqu’ils se retrouvent fortuitement dans le même hôtel pendant des vacances en Italie, que la route des deux hommes se croise pour la première fois. Lucas Gabriel est au piano quand Benjamin Clementine vient lui parler, avant qu’ils ne partent tous les deux dans un jam improvisé. Une amitié était née.

C’est près d’un an après leur rencontre que Benjamin Clémentine écoute pour la première fois les compositions de Lucas. Très vite, il lui a proposé de faire ses premières parties. Un coup de pouce, qui permet à Lucas Gabriel de monter seulement trois mois plus tard sur la scène du Transbordeur pour son premier concert, qu’il enchaîne avec deux Trianon.

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Seul sur scène, accompagné par une voix riche et trainante à la Bashung et une guitare claire façon Jeff Buckley, la réponse du public est immédiate.
Lucas Gabriel s’entoure désormais de deux musiciens, un bassiste et un batteur, venus enrichir le projet, sans rien enlever à l’intensité et à l’intimité avec la salle. Il décide alors d’enregistrer son premier EP, entièrement autoproduit et masterisé par les soins de Chab.
On est saisi par ses ballades intimes, perdues dans l’écho d’une guitare douce. 
Après avoir été sélectionné pour les auditions parisiennes des Inouïs du Printemps de Bourges, Lucas Gabriel a récemment remporté le prix du jury et le prix Beside Label au tremplin Sorbonne Live.

lucas gabriel,ep,interview,mandorL’EP :

Avec « Seul dans le Noir » et « Ni Anges Ni Dieux », Lucas Gabriel affectionne les ambiances de fin de nuit, les mélancolies de derniers verres. « Drifting Away » est une promenade dans un Paris spleenétique, pleine de fulgurances poétiques. Dans « Sentiments En Soute », Lucas Gabriel chante les affres désordonnées des jeunes amours. Çà et là, on entend quelque chose de Léo Ferré, dans son lyrisme à fleur de peau, sa fragilité vocale quasi-exubérante. Bien qu’ayant fait le choix d’écrire et de chanter en français, Lucas Gabriel opère un joli mélange des genres, citant à l’envie aussi bien King Krule ou Ry X que Benjamin Biolay parmi ses influences.
Tout au long de l’enregistrement, c’est une image un rien romantique qu’il dessine, celle d’une jeunesse qui « ne croit plus à son destin » et qui, à défaut de spiritualité, retrouve un peu de mysticisme dans la musique.

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lucas gabriel,ep,interview,mandorInterview :

Quand as-tu décidé de faire de la musique ?

J’ai commencé par jouer de la guitare et, assez rapidement, mes propres compositions. C’était à l’époque où il y avait les « baby rockers », comme les BB Brunes. C’est plus tard que j’ai commencé à écrire de vraies chansons.

Tout a commencé en première année de Sciences-Po Lyon, je crois ?

Oui, j’ai rencontré un garçon qui était à fond dans l’espoir de gagner sa vie avec la musique. Il avait trouvé un manager qui lui avait demandé d’écrire des chansons en français et, comme on partageait les mêmes goûts en matière de littérature, il m’a demandé de l’aide. J’ai accepté et je me suis rendu compte qu’écrire commençait à me plaire sérieusement. Comme je lui envoyais les chansons interprétées par moi, il m’a fait remarquer que je chantais bien et il m’a conseillé de persister dans cette voie. Ca été mon déclic pour me lancer sérieusement dans cet art-là.

Tu n’échapperas pas à la question sur ta rencontre avec Benjamin Clementine.

Il y a trois ans, je l’ai vu par hasard en concert en première partie de Sébastien Tellier et j’ai commencé à le suivre sur les réseaux sociaux. Quelques temps plus tard, je suis parti en vacances avec mes parents et mon frère et, coïncidence, Benjamin était au même endroit et dans le même hôtel. Il y avait un piano, avec mon frère ou s’amusait à jouer un peu n’importe quoi. Puis nous nous sommes assis pas très loin. Après nous, Benjamin s’est mis au piano puis il s’est retourné pour me demander si c’était bien moi qui jouais au piano précédemment. Aujourd’hui, nous sommes devenus potes.

Mais, quand tu étais dans cet hôtel lui as-tu dit que tu faisais des chansons ?

Non, je préférais avoir une relation amicale et désintéressée. Mais, un peu plus tard, sous l’insistance de mon frère, j’ai fini par lui dire. C’est là qu’il m’a proposé direct de faire ses premières parties.

La première fois, c’était au Transbordeur de Lyon.

Oui, la scène est immense. J’ai mis un tabouret au milieu, j’ai pris ma guitare et je me suis lancé. C’était super impressionnant, mais je ne me suis pas senti mal à l’aise. J’ai ressenti des sensations extraordinaires et inconnues de moi jusqu’à présent. De plus, les retours du public étaient sympas. J’y suis allé sans savoir à quoi m’attendre. Le but était juste de ne pas faire n’importe quoi pour ne pas décevoir Benjamin.

Clip de "Drifting Away".

Tu as enregistré un EP assez rapidement, je trouve.

J’étais frustré que les gens qui venaient me voir en concert ou qui me découvraient un peu par hasard, au grès de premières parties, ne puissent pas acheter un disque en sortant. Et pire, encore, l’idée qu’ils ne trouvent rien en tapant mon nom sur Google me dérangeait franchement. D’où la décision d’enregistrer très vite 5 chansons. C’est une carte de visite, une trace.

Si tu n’as pas encore beaucoup de presse, ce que je lis sur toi est fort élogieux.

Je me dis que les gens n’écrivent sur quelqu’un que s’ils aiment bien. En tout cas, il faut être indulgent. C’est un premier disque, fait tout seul.

Je le trouve très joli et bien produit. Il n’y a pas de fioritures, tu vas à l’essentiel. De plus je te félicite de chanter en français. Habituellement, ceux qui jouent le genre de musique que tu fais chantent en anglais.

Je veux mettre en avant, la voix, le texte et la musique. C’est important que je puisse être compris à ces trois niveaux. Quitte à écrire en français autant faire un effort sur le style et sur le propos. Je chante en français pour faire vivre la langue française. Je trouve que c’est important.

"Sentiments en soute", live à la Maroquinerie, en janvier 2016 dans le cadre des Inouïs du Printemps de Bourges.

En France, on a tendance à juger un morceau d’abord sur le texte, ensuite sur la musique.

Sans être condescendant, je n’aime pas que l’on me dise que je fais de la chanson française. Je préfère dire que je fais de la chanson en français, parce que le texte n’est pas ce qui définit ma musique.

On te compare à juste titre à Jeff Buckley, il y a pire comme référence.

Je sais que ça permet de situer le genre, mais je ne peux pas décemment dire : « vous avez raison, ma musique rappelle Jeff Buckley ! ». Ce serait prétentieux.

Vocalement, j’ai lu que ta voix se rapprochait de celle de Biolay, moi, elle m’a rappelé parfois celle de Bashung. Pourtant, tu as ta propre identité vocale, je te rassure.

Cela dit, tous ces artistes cités, sont des gens qui font partie de ma culture musicale, même si j’écoute beaucoup de choses. Le seul dont je connais toute l’œuvre par cœur, même les chansons rares, c’est Gainsbourg. Bashung, je ne connais pas plus que ça.

"Comment Fait-on ?" (Live Session)

Penses-tu avoir trouvé ta voix ?

Un peu plus, grâce aux concerts. Chanter, c’est se mettre à nu. Au début, j’avais une voix monocorde, je n’osais pas trop la mettre en avant. Je ne m‘étais jamais défini comme chanteur, aujourd’hui, je commence à comprendre ce que je peux faire avec ma voix !

Es-tu pudique, timide dans la vie ?

Disons que je suis assez réservé. Dans un premier temps, je ne parle pas trop. J’observe. Ensuite, je me décoince petit à petit. Pour ne rien te cacher, en ce moment, je fais des efforts de sociabilité. C’est paradoxale avec ce que nous sommes en train de faire tous les deux, mais par exemple, parler de moi, ce n’est pas quelque chose que j’aime et que je fais facilement. Ca me met mal à l’aise.

Ce métier te permet-il de sortir des choses qui sont en toi ?

Ce qui permet d’exorciser pas mal de trucs, c’est l’écriture. C’est un sacré exutoire. En plus, recevoir des retours de gens que je n’ai jamais vu, qui me disent qu’ils ont été touchés, m’encourage à continuer.

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Pendant l'interview...

Que t’as apporté cet EP ?

Cela m’a permis de rencontrer des gens du métier. D’ailleurs, des choses se précisent… mais je ne peux pas t’en parler.

(En fait si, mais il m’a demandé de garder ça en off. Mais si cela se concrétise, c’est du lourd !)

Dans la génération actuelle d’artistes français, il y a des gens que tu aimes bien ?

Fauve, par exemple. Ils ont eu beaucoup de succès, mais ils ont pris pas mal de coups, de critiques, alors que leur projet était canon. Je les trouve sincère et ils ont décomplexé pas mal d’artistes par rapport à la langue française. J’aime aussi beaucoup Feu ! Chatterton, Radio Elvis ou encore Grand Blanc. Comme moi, ils ont une culture très anglo-saxonne, mais gardent leur culture française.

Pas de femmes ?

Si, j’aime beaucoup Alma Forrer. Clara Luciani aussi. Cette dernière n’est pas encore très connue, mais je suis sûr que dans moins d’un an, tout le monde parlera d’elle. Je fuis les artistes qui sont dans le revival. J’aime ceux qui renouvellent la chanson et qui propose des choses qui n’existent pas encore dans le paysage musical français.

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Après l'interview, le 29 juin 2016, à l'agence.

22 juillet 2016

Nina Morato : interview pour son quatrième album

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13819779_10208568055012360_1382538179_n.jpgNina Morato est enfin de retour ! Tout le monde se souvient en 1993 de son premier single "Maman" tiré de son premier album Je suis la mieux. Suite à cet album, elle recevra en 1994 la Victoire de la Musique de la "Révélation féminine de l'année". Cette même année, elle représentera même la France à l'Eurovision avec "Je suis un vrai garçon". Elle terminera 7ème du concours. Suivront deux albums : L'allumeuse" en 1996 et Moderato en 1999. Suite au décès de sa fille, les choses vont devenir de plus en plus difficile… le théâtre et le cinéma lui permettront de revenir épisodiquement. J’ai toujours aimé les chansons de cette artiste et j’avais hâte qu’elle revienne.

Son disque éponyme est un chef d’œuvre. Une sorte de Christophe au féminin, voilà ce qu’est devenue Nina Morato.

Je suis allé à sa rencontre à l’Hôtel de Sers le 14 juin dernier. La conversation a pris une tournure « particulière »,  je n’ai donc pas tout à fait mon travail habituel. J’ai laissé tomber la promo et j’ai écouté ses confidences. J’ai aimé cette tournure des événements…

L’album :

Né de la collaboration de Nina Morato et de Christophe Van Huffel, l'album sobrement baptisé Nina Morato lève le voile sur le jardin musical de l'Artiste. Éclectique et ambitieux, i1 croise les influences, les styles, les rythmes, les sonorités et les talents. Le projet séduit un label indépendant, AllAvitA-Records. qui accompagne le duo dans la production de l'album.

L'équipe parvient alors à réunir autour d'elle de grands noms de la musique. Notons un duo avec Matthieu Chédid, un autre avec Diego Carrasco. Le vernis final est alors posé avec le mastering de Mandy Parnell du studio Black Saloon, qui a notamment œuvré sur les albums de Björk, Dépêche Mode, Texas, PJ Harvey, Tricky ou Julien Doré... Pour respecter toute la chaleur du son, le mixage et le mastering ont été effectués sur une des cinq dernières consoles analogiques EM1, célèbres pour avoir été utilisées par les Rolling Stones et les Beatles pour leurs plus grands succès.

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IMG_0450c.jpgInterview:

Nous étions nombreux à attendre le retour discographique de Nina Morato.

Même si j’ai vécu en autarcie pendant un certain nombre d’années, j’ai toujours continué à faire des chansons. Elles se manifestent en moi. Parfois, je vais les chercher, parfois je n’y tiens pas parce que c’est souvent douloureux d’écrire une chanson. Par contre, dès qu’une s’impose à moi, je suis le fil, je ne peux pas résister. Mais pour pouvoir poursuivre cette existence sans pouvoir m’exprimer sans chanter, il a fallu que je ravale ma peine. J’ai fait comme si tout cela n’avait pas existé. Quand une chanteuse ne chante pas, elle peut devenir folle vous savez. Curieusement, il y a quelques jours, je suis tombée sur un dossier de presse complet de ma vie de chanteuse, et là j’ai réalisé que j’avais tout ça. C’était bien de moi dont parlaient ces coupures de journaux. J’ai regardé cela comme une spectatrice.

Cela vous est arrivé précisément au moment où vous avez remis la machine en marche.IMG_0449.JPG

Oui, c’est troublant. Cela s’est passé au moment où je retourne vers l’extérieur, après avoir été au fond de mon moi le plus profond, je retombe sur ce qu’a été ma vie d’avant. Il y a deux ans, j’étais devant ma vitre, il pleuvait à l’infini. J’ai regardé cette vitre et cette pluie tomber et j’ai dit tout haut : « putain ! Qu’est-ce que je vais devenir ? ». A croire que lorsque l’on pose des questions à l’univers, il vous répond. Il faut juste être attentif. Il y a le visage d’un homme qui est apparu dans mon esprit, et cet homme-là…

Laissez-moi deviner. C’était Christophe Van Huffel, celui-là même qui a réalisé votre nouvel album.

Exactement, je vous jure que c’est vrai ! Quelques années avant, il n’avait jamais répondu à mes appels. A partir du moment où Christophe Van Huffel est arrivé dans mon esprit, j’ai pris mon téléphone en ayant la certitude qu’il allait me répondre. Il a répondu. Je lui ai expliqué que j’avais des chansons qui n’attendaient que lui.

Clip de "Fanfaron" tiré de son album éponyme.

ob_6bc325_ninamorato1.jpgVous avez vécu la perte d’une de vos filles en 1997. Vous étiez alors en pleine ascension et en pleine négociation de gros contrats. Là, tout le monde vous a laissé tomber.

Ma maison de disque pensait que je n’allais pas pouvoir assumer, alors qu’au contraire, il aurait fallu que je me jette corps et âmes dans le travail. Quand on fait ce métier, cela génère beaucoup d’affinités entre les gens et on a l’impression d’être ami avec la Terre entière. Quand vous vivez un tel drame, d’abord les oiseaux se cachent pour mourir, alors on n’a pas envie de montrer ce visage tellement peiné et plein de chagrin. Et puis, quand on a ce chagrin, c’est comme une maladie contagieuse : les gens flippent, fuient… ils ont peur. J’ai bien compris que c’était le moment pour moi de vivre ce chagrin pleinement dans la solitude et l’isolement. Je ne communiquais qu’avec mon piano. C’était même l’ancre qui m’a permis de ne pas sombrer. Aujourd’hui, ma tête a oublié beaucoup de choses. Mon cerveau a fait airbag. Ce n’est pas une volonté de ma part, mais pour pouvoir survivre, je n’ai plus que des morceaux de mémoire.

Vous êtes tombée de nouveau enceinte à la sortie de votre troisième album Moderato.ob_fe3b29_13174189-10153783338764888-17832675038.jpg

Odyssée est née en 2001 et je me suis consacrée à ce nouvel enfant. Les enfants qui arrivent sur Terre nous font un cadeau. Les enfants qui partent, même si c’est complètement absurde, illogique et que cela procure une insoutenable peine dont il est compliqué de se remettre, c’est aussi une forme de cadeau. Dans tout drame, il y a une raison. Il faut la piger, mais il y a une explication à tout. Depuis le départ de ma première fille, j’ai eu la chance d’avoir affaire à des choses dont j’ignorais l’existence. Malgré mes airs perchés ou lunaires, je n’avais aucune idée de ce qu’il se passe avant la vie, et de ce qu’il se passe après. J’ai eu la chance de recevoir des signes d’elle. Mais bref, je n’en dirai pas plus.

Pour vous en sortir, vous vous êtes aussi adonnée à d’autres activités artistiques.

J’ai fait du théâtre. J’ai joué Le monologue du vagin et dans Don Quichotte contre l’ange bleu de Jérôme Savary. Cela m’a structuré d’avoir un endroit où aller chaque jour. Il y avait quelque chose de rassurant et d’équilibrant pour moi d’avoir des choses fixes. Cela m’a enseigné une certaine discipline, de la rigueur aussi. Un jour, j’allais rentrer sur scène et à une minute de mon entrée, je réponds au téléphone et j’apprends le décès de ma mère. Je suis quand même montée sur scène. Je sais désormais ce que veut dire « the show must go on ».

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Matthieu Chédid fait un duo avec vous sur votre album, « Ah non non non ». Il a commencé sa carrière en jouant pour vous au temps de votre succès. Il vous a même accompagné sur « Je suis un vrai garçon », en 1994, lorsque vous avez représenté la France à l’Eurovision en 1994. 

Un jour, je suis allé voir un medium qui m’annonce que j’avais eu trois filles, dont une a renoncé à sa vie. Elle me dit plus tard : « Et je vois un grand M qui va ressurgir de votre vie passée. Il va apporter beaucoup au projet que vous entreprenez ». Du coup, je me suis débrouillée pour revoir Matthieu à Bercy, dans les coulisses, après un de ses concerts. Il a accepté tout de suite le duo que je lui ai proposé.

La chanson « Fais-moi signe » est celle qui m’a le plus touché.

Là aussi, je vais vous raconter une histoire troublante. Il faut savoir que Christophe Van Huffel a vécu lui aussi un drame. Il a perdu son amoureuse. Pendant l’enregistrement du disque, j’ai été saisi par une très forte fièvre complètement inexpliquée pendant 24h. Christophe Van Huffel voulait qu’on appelle le médecin. Je n’arrivais pas à parler. Trois mois après, je suis allée voir un médium qui m’a annoncé qu’une entité me squattait.  Il m’a dit qu’il avait un message d’une jeune femme décédée il n’y a pas très longtemps et qui est morte en faisant la même chose que vous.  Quand, un autre jour, j’ai chanté « Fais-moi signe », la fièvre est tombée subitement. J’ai appris que c’était l’amoureuse de Christophe, décédée quelques temps avant, qui était entrée en moi. J’ai expliqué à Christophe ce qu’il m’arrivait et il pensait que je perdais totalement la raison. Puis, il m’a avoué qu’il était en train de faire un album avec elle et qu’il lui avait promis qu’il irait jusqu’au bout, ce qu’il n’a pas pu faire. « Maintenant, tu n’as plus rien à craindre » a-t-il fini par me dire.

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Lors de l'interview, le 14 juin 2016.

Bonus : Quelques clips de Nina Morato...

1993 : Clip de "Maman".

1994 : Eurovision "Je suis un vrai garçon" (avec Matthieu Chédid à la guitare).

1996 : Clip de "Seulement la nuit".

1999 : clip de "J'attends".

Et puis, tenez, je ressors ces archives... nous étions à Eurodisney en 1993 (je travaillais alors pour Top Music, radio leader de Strasbourg).

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21 juillet 2016

Lola Baï : interview pour l'EP La lueur et pour The Voice

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(Autoportrait de Lola Baï)


lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandrElle a le regard déterminé et la voix claire. Lola Baï (à gauche photo de Frank Loriou), 34 ans, est une professionnelle, grande habituée des scènes. Cela fait quelques années que je connais son existence professionnelle. Cela fait quelques années que je la suis, de loin, discrètement. Elle m’a toujours intéressé, mais je n’ai jamais fait le pas pour concrétiser ma curiosité envers elle. Je ne sais pas pourquoi. Attendre le bon moment, peut-être…

Et puis je l’ai vu dans The Voice. Un peu avant, je ne sais plus exactement pourquoi, nous nous étions contactés sur Facebook. Elle m’a envoyé la première partie de son EP La lueur et il m’a immédiatement conquis.

Bref, il fallait que nous nous rencontrions. Ce qui fut fait le 16 juin 2016, dans un bar du Sentier à Paris.

Quelques dates :

2004 : Premières compositions sur des textes de Thézame Doutreleau… Des concerts accompagnés de musiciens… Une résidence d’artistes loufoques et pluridisciplinaires aux portes de Venise… Des tremplins…Puis une rencontre avec Claude Lemesle qui souhaite suivre son travail.

2007 : Lola remporte  le tremplin « Visa Francophone »  et décroche une première partie à l’Olympia. Elle fait les "rencontres d'Astaffort" où elle croise un artiste québécois qui lui donne des envies d’ailleurs. Elle finance son voyage et part pour la première fois à la découverte du public québécois. A son retour en France, c’est le temps d’une remise en question artistique.

2008 : Elle passe l’année enfermée à écrire. Elle abandonne le côté  « chanson métissée », compose et travaille son piano avec une volonté : celle de s’accompagner seule sur scène. Une nouvelle rencontre d’importance la conduit vers un projet conséquent : celle de Serge Faubert qui lui propose de participer à la création de son premier disque.

2009 : Sortie de Sur la pointe des pieds. L’album, très pop, est composé de 12 titres largement inspirés de lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandrsa propre vie. Suivent deux ans de concerts en solo à travers la France, au Québec et en Belgique où elle participe notamment à la version Belge du chantier des Francos.

2010 : Elle est programmée aux Francofolies de Montréal et de Spa (où elle rencontre Alexis HK) et les Francofolies de Spa et continue sa tournée en France en solo.

2012 : Elle s’entoure de musiciens Mickaël Gasche (Bugle/claviers) Éric Doboka (basse) et Alexandre Berton (batterie), ils font ensemble quelques dates en France et en Suisse, mais elle se consacre surtout à l’écriture. Ecriture du second album mais aussi d’une nouvelle page personnelle avec la naissance de sa fille.

2013 : Ecriture, toujours, elle rencontre David Berland (SLC- la comédie musicale, DISCO, et en musique indé : Nameless, Swann…) qui lui propose de travailler avec elle sur les arrangements et la réalisation du second album. Elle lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandrmonte en parallèle un nouveau projet  The ShougaShack avec les artistes Clelia Vega et Nadia Simon.

2014 : Lola Baï enchaîne les allers/retours à Paris et enregistre dans le studio Audiotape de David Berland. 12 titres sont enregistrés dont un duo avec Alexis HK sur un texte de ce dernier et 2 chansons de Jérôme Attal. - En parallèle, l’aventure The ShougaShack  prend son envol, une quinzaine de concerts à travers la France réalisés et là aussi un projet d’EP.

2015 : Sortie de la première partie de l’EP 6 titres « La lueur » et sortie de l’EP de The ShougaShack.

2016 : Elle participe à l'émission The Voice et sortie de la 2 ème partie de l’Ep 6 titres « La lueur prévue pour octobre.

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lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandrInterview :

J’ai lu dans ta bio que la musique n’était pas très présente dans ton enfance, mais qu’à 5 ans, un vieux clavier Bontempi avait échoué dans ta chambre. Et là, c’est la révélation : « Je serai pianiste classique ».

C’est la pure vérité. Je ne sais toujours pas comment il a atterri dans ma chambre. Mes parents n’en savent rien non plus.  

Il faut interpréter ça comme un signe alors.

Exactement. On n’écoutait pas de musique à la maison. Donc, avec ce Bontempi, j’ai commencé à créer des musiques ou reproduire les petites mélodies que j’entendais à droite à gauche. Ça m’a donné l’envie folle de devenir pianiste. Plus tard, à 10 ans, je suis rentrée au conservatoire pour apprendre le solfège.

Je crois savoir que tu n’as pas trouvé cette expérience géniale.

Ce n’est pas ce que j’apprenais qui ne me plaisait pas, c’est le milieu qui me dégoutait. J’étais plus âgée que les autres et pas très à l’aise dans cette ambiance. J’étais trop jeune pour aller avec les adultes et trop vieille pour rester avec les autres gamins. Ca ne s’est donc pas bien passé. J’ai été victime d’une injustice trois ans plus tard. Ils ne m’ont pas fait passer dans la classe supérieure alors que ma voisine qui avait moins de point que moi si.

Clip de "La douleur", extrait de l'EP La lueur.

Quand as-tu remarqué que tu avais une voix ?lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandr

C’est beaucoup plus tard. A l’adolescence, je n’avais pas du tout la même voix. J’étais tellement sensible, touchée par tout, que ma gorge était complètement nouée. J’ai mis presque 10 ans, jusqu’à mes 26 ans, avant de la dénouer complètement. Aujourd’hui, le timbre de ma voix est le plus naturel possible.

Tu as pris des cours de chants ?

Les profs de chant que j’ai rencontré n’arrivaient pas à m’aider, malgré beaucoup de travail.

Ton cas était désespéré ?

Mais oui (rires). C’était terrible pour moi. Là j’en ris, mais ça ne m’amusait pas du tout à l’époque. Il a fallu que je travaille toute seule. Du coup, quand j’y pense, j’ai tout fait seule, la guitare, le piano, le chant… je crois que la méthode scolaire ne me convenait pas.

Tu es passée par les Rencontres d’Astaffort et par les cours de Claude Lemesle, donc tu as essayé d’apprendre par d’autres biais.

J’ai rencontré Claude lors d’un tremplin. Il a été super gentil avec moi et depuis, nous avons gardé contact. Nous avons un profond respect l’un pour l’autre. Parfois, je lui envoie ce que je fais, il me conseille avec bienveillance. Je suis allée à son cours juste trois fois. J’ai constaté que là non plus, ce n’était pas pour moi. Je n’y arrive pas quand on essaie de m’instaurer des règles. Je me faisais du mal en y allant. Je me trouvais nulle parce que les autres « élèves »  parvenaient à bien travailler.

Clip de "Run Away", extrait de l'EP, La lueur.

lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandrTon EP La lueur est bien produit et les chansons sont très efficaces. Je ne comprends pas pourquoi il n’a pas été repéré.

C’est l’éternelle question à laquelle on ne peut pas répondre. Rien n’est rationnel dans ce métier.

Dans cet EP, il y a une chanson de Jérôme Attal, mon auteur préféré.

Il m’a fait deux chansons. Je cherchais des auteurs et quelqu’un m’a conseillé de travailler avec lui. Je suis allée lire ses textes et je suis tombé sur qu’il a écrit pour Mareva Galanter. Je me suis surprise à envier cette écriture, j’ai trouvé ça si beau. Je l’ai contacté et il a accepté tout de suite de collaborer avec moi.

Tu as utilisé Kiss Kiss Bank Bank pour financer ton EP La lueur.

Si je n’étais pas passée par un site participatif, je n’aurais pas pu le sortir. Je n’ai jamais eu de label, ni d’éditeur. Je trouve le système de crowdfounding très intéressant, il permet de rester indépendant. Je ne dois des comptes à personne, hormis à mes souscripteurs.

La lueur (Jérôme Attal/ Lola Baï), capté au Magic Mirror de l'Abbaye de l'Epau, extrait de l'EP La lueur.

lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandrParlons de The Voice. Je crois que tu as été repérée par un casteur.

On est venu me chercher l’année dernière pour The Voice de l’année dernière. Certes, ils viennent te chercher, mais à partir du moment où tu acceptes de participer, ils te mettent au même niveau que les autres. Tu dois faire les premières auditions, puis les auditions à l’aveugle etc… tu n’es pas privilégié. Au final, l’année dernière, ils m’ont dit qu’il n’y avait plus de place. Mais tant mieux. Je n’étais pas dans le même état d’esprit.

C’est-à-dire ?

Je comptais beaucoup sur cette émission. J’étais persuadée que ça allait me faire décoller, j’imaginais plein de trucs et ce n’était pas très sain. Cette année, j’étais plus zen, plus lucide. L’équipe de prod ne te fais aucune promesse et est très à l’écoute et respectueuse des artistes. A 35 ans, je savais que je ne pouvais pas aller très loin, mais je savais que je pouvais beaucoup m’amuser. J’avais très envie de vivre ce genre d’expérience au moins une fois dans ma vie.

The Voice 2016: Battle Lola Bai VS Louyena - Encore et Encore (Francis Cabrel)

Ces deux talents de la team Garou s'affrontent lors de la saison 5 de The Voice. Lola Baï est sauvée par son coach. Les Louyena sont éliminés.

C’est flippant de participer à The Voice ?lola baï,la lueur,shougashack,les instinctives,the voice,interview,mandr

Je n’ai jamais eu aussi peur de ma vie. J’en ai fait une conjonctivite. Je n’ai jamais fait de conjonctivite de ma vie (rires) ! Paradoxalement, je te dis, je me suis amusée à le faire et j’étais contente d’être là.

Cette expérience t’a apporté quoi ?

Je sais qu’être dans une sphère avec beaucoup de visibilité, ce n’est pas pour moi. Là, je suis arrivée à la limite de ce que je peux supporter en termes de notoriété. Désormais, on me reconnait dans la rue, mais raisonnablement. Quand je vois Slimane, qui est un type que je trouve génial et très généreux, qui est passé quasiment du jour au lendemain à une incroyable notoriété, je ne sais pas comment il gère. On lui en demande beaucoup et dans la rue, il n’est plus du tout tranquille. Ce n’est pas facile d’être toujours heureux et disponible pour les gens tout le temps…

Tous les artistes ont envie d’un succès populaire non ?

Oui, bien sûr. On a tous besoin d’amour et de reconnaissance. Moi, j’étais persuadée que j’avais envie et besoin de ça. Aujourd’hui, plus du tout.

Tu fais aussi partie d’un groupe, The ShougaShack.

Nous sommes en train d’enregistrer notre deuxième EP. Avec The ShougaShack, on a beaucoup de dates cet été. On est trois minettes sur scène et les gens ont l’air d’apprécier notre travail. Avec Clelia Vega et Nadia Simon, nous chantons en anglais. C’est folk, blues…  Nous sommes trois voix lead, donc nous portons l’aventure à trois. C’est très reposant. On vend beaucoup de disques à la fin des concerts. Non, vraiment, avec ce groupe, tout va bien. En plus, toutes les trois nous avons nos projets parallèles, il n’y a aucune rivalité.

The ShougaShack. Le clip de "Sugar Shack".

Tu arrives à vivre de ton métier ?

Ça fait 10 ans que je suis intermittente du spectacle et je gagne à peu près 1500 euros par mois. Tu vois, je te dis toute la vérité.

Mais tu es heureuse chaque matin quand tu te lèves pour faire le travail que tu aimes…

Exactement. Je me rends compte que j’ai une liberté que les autres n’ont pas. Je ne gagne pas beaucoup d’argent, mais je fais ce que j’ai envie de faire. Je n’ai pas de patron, j’ai une petite maison et tout va bien. Je prends conscience de ça depuis deux ans.

Tu es aussi à l’origine d’un jeu musical et visuel inspiré des cadavres exquis, Les Instinctives ?

« Une instinctive » est une œuvre musicale et visuelle de moins de 2 minutes réalisée instinctivement par plusieurs artistes dans un délai très court. Une fois la proposition faite, celle-ci ne peut être modifiée par quiconque (même pas par l’artiste dont elle est issue). Il ne peut plus agir sur la suite des évènements si ce n’est en acceptant ou non les nouvelles propositions dans leur intégralité. Le tout pour arriver à une œuvre commune, finie, instinctive, où chacun a eu la place de s’exprimer pleinement et librement.

LES INSTINCTIVES // 4 - "3 to 5"
Les joueurs sont :
Alexis Bardinet (Mastering) - http://www.globe-audio.com/
Quadrupède ( Musique et mixage) - https://qdrpd.bandcamp.com/
Lola Baï (Musique et vidéo) - http://www.lolabai.com

Tu peux me donner un exemple ?

Je propose une musique, je l’envoie à un autre artiste. Il n’accepte pas ma proposition, je peux la proposer à un autre artiste. Ce dernier l’accepte, il part de ma proposition sans la modifier et ajoute sa patte. Je n’accepte pas sa proposition, nous en restons là, l’œuvre ne sera pas une "instinctive". J’accepte sa proposition,  nous l’envoyons au mixage. L’ingé son n’en veut pas, nous pouvons la proposer à quelqu’un d’autre. L’ingé son l’accepte, il nous envoie sa proposition « finie ». Nous  n’acceptons pas, l’œuvre ne sera pas une "instinctive". Nous l’acceptons, on l’envoie au mastering…..puis à un vidéaste… Jusqu’à obtenir une œuvre complète  diffusée très rapidement sur un temps  très court. Moins d'un mois entre la création et la diffusion. Ça me fait un bien fou de faire ça et je sais que les artistes qui participent aussi. Le plus dur, c’est de convaincre les artistes.

Que fais-tu aujourd’hui ?

Je suis en train de composer de nouvelles chansons pour un nouvel EP que je vais sans doute réaliser, arranger et mixer seule. Ce sera une aventure pour moi de tout gérer de A à Z.

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Après l'interview, le 16 juin 2016.

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20 juillet 2016

Imbert Imbert : interview pour Viande d'amour

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(Photo : Thibaut Derien)

Viande d'amour, le quatrième album d’Imbert Imbert est, de loin, je trouve, son meilleur album. Imbert Imbert a su s’entourer pour échapper à la solitude qui finissait par le faire, je trouve encore, tourner un peu en rond (mais avec un sacré talent tout de même). Ainsi, son acolyte de scène Stephen Harrison (contrebasse, banjo), Grégoire Gensse échappé du Cirque Plume (piano, trompette, chant, guimbarde vietnamienne) et le batteur Denis Charolles (Arthur H et Brigitte Fontaine) ont participé à cette aventure discographique. L’énergie n’est pas feinte, on est proche d’un concert live.
J’applaudis un changement notable dans l’œuvre d’Imbert Imbert. S’il poursuit sa contemplation du déclin de la société et que l’on est souvent proche de l’abîme, il parvient avec brio à se raccrocher aux petits bonheurs de l'existence, voire à nous insuffler quelques notes d’espoir. Oui, oui, vous ne rêvez pas, je parle bien d’Imbert Imbert (mandorisé il y a 9 ans)

Le 1er juin, Imbert Imbert est venu  à ma rencontre à Webedia… ça tombe bien, j’avais beaucoup de choses à lui demander.

500x500.jpgViande d’amour par Imbert Imbert :

La viande, ou ce qu'il reste d'un corps quand on lui retire la vie. L'amour, ou ce qu'il reste de vie quand on lui retire un corps. La viande, ou le muscle de la mort. Et de l'amour aussi. Les mots sont des amis inconnus. Ils ne sont ni tout à fait de mon avis ni tout à fait opposés, ils se livrent avec bienveillance et me surprennent. Je n'ai pas d'arme contre eux. Parfois ils me font un peu mal mais ils le font avec tellement d'innocence que je ne peux pas leur en vouloir. Ils sont mignons tout plein. Ils ont la liberté désordonnée des enfants. Dieu que le désordre est beau ! Diable ! Mais que dire de la liberté ! J'écris ce que je ne sais pas dire. Je donne aux mots la charge de tout ce que je ne sais pas que je suis. Je me divertis de moi-même. Je me confonds à l'homme, à l'humain, celui qui n'est pas une part de I'humanité mais I'humanité elle-même. J'ai les salauds en moi, j'ai les sages et les fous, j'ai les vivants, j'ai les morts, j'ai la matière, j'ai le néant, j'ai l'infini. Putain que c'est bon ! Viande d'Amour, qu’avec la musique qui m'anime, les mots qui se précisent, les chansons qui s'écrivent, la matière se dilue dans le mystère de la vie, les corps se fondent aux âmes et la chair se fait sentimentale. Pour illustrer cette sensibilité crue, j’ai voulu enregistrer cet album de la plus simple des manières, quelques jours de studio seulement, pour prendre le son d'un moment qui passe, avec ses erreurs, ses imprécisions, ses fragilités, pourvu que se perçoive la puissance de ces musiciens qui ne sont que des hommes. Et quels hommes ! Grégoire Gensse, au piano, est un musicien total, compositeur, arrangeur, multi-instrumentiste, il a la jeunesse bouillonnante. Denis Charolles, à la batterie, est également compositeur, arrangeur, il a la folie fondatrice. Stephen Harrison, à la contrebasse et au banjo, qui m'accompagne sur scène, a un groove inégalable. Tous trois ont ce point en commun : ils jouent avec leur cœur, leur corps, leur viande... d'Amour s'il-vous-plait !

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 (Photo : Thibaut Derien  #sur scène dans une minute – Imbert Ibert avec Stephen Harrison) 


13315728_10153940009484270_166655288463675738_n.jpgInterview :

Sur la pochette de ton nouveau disque (signé Thibaut Derien), on te voit replié sur toi-même. Y a-t-il un message caché ?

Dans la vie, je ne suis pas replié sur moi-même, mais j’ai tendance à la solitude. La plupart des personnes qui écrivent, en général, font un travail d’introspection, au moins à un moment donné. Le travail de l’instrument ou de l’écriture, c’est complètement solitaire.

Un artiste est seul pour créer et très entouré pour jouer sa musique sur scène. Schizophrénie mon amour ?

Tu as raison, il y a sans doute un peu de schizophrénie chez un artiste, je ne m’étais jamais posé cette question. Je passe beaucoup de temps à être seul et j’aime ça. L’introspection que je fais est  une passion. Je réfléchis en permanence sur la vie.

C’est là que tu trouves les sujets de tes chansons.

Peut-être, je ne me rends pas bien compte. En fait, je crois que je fais toujours la même chanson, mais avec un angle de vue différent à chaque fois.

Clip non officiel de "Le cancer des gens soumis", version 2015.

Moi, j’ai écouté l’album de quelqu’un qui n’est pas content de la société dans laquelle il vit et qui, a 12360100_10153594292164270_3209989306479785765_n.jpg
priori, n’aime pas ce que sont les gens. Dans « Le cancer des gens soumis », par exemple, tu vas très loin pour dénoncer la connerie humaine.

J’ai écrit cette chanson après les élections où le FN a fait un score impressionnant. J’étais une fois de plus affligé. Je crois que les gens sont autant vilains que profondément bons. On a tous des choses noires en nous, après on le contrôle plus ou moins bien. Il y a des moments où ils ne contrôlent plus.  Nous avons tous une sale bête en nous.

Tu fais quoi, toi, pour lutter contre cette sale bête ?

Je travaille beaucoup. Je fais en sorte que la sale bête laisse plus de place à la gentille bête.

La chanson est donc un bon moyen pour l’extirper de toi ?

En tout cas, créer des chansons, c’est du bon temps que je prends pour soigner les belles choses que j’ai en moi.

Clip de "A la gorge du temps".

(Photo ci dessous, Stéphane Mommey.)

stephane Mommey.jpgParfois, tes textes sont au premier degré, parfois, il faut un peu plus gratter pour comprendre.

Il y a des moments où les choses que je veux dire sont plus claires dans ma tête que d’autres moments. J’essaie de mettre des mots sur le grand mystère de la vie, mais de temps en temps, ce sont les mots qui me les expliquent. La poésie, ça sert à ça. Je ne comprends pas forcément les choses consciemment.

12 jours de répétitions et 4 jours d’enregistrement studio pour un album joué quasiment live, c’est la première fois que tu procèdes ainsi ?

Oui. On a joué live et c’est une superbe expérience. On entend bien que ce sont des hommes qui sont en train de jouer de la musique… et pas des machines. C’est vivant !

C’était bien de travailler dans l’urgence ?

C’était un plaisir, mais si on avait eu 4 jours de plus, on n’aurait pas dit non (rires).

Parfois, vous êtes parti en free jazz, comme dans « L’ado le sent ».

Oui, je me suis régalé à jouer cette chanson. Je ne pense pas que ce soit celle qui va le plus marquer le grand public (rires). Au départ, j’ai écrit d’abord la ligne de basse, puis la chanson ensuite. Denis Charolle a préféré partir avec de la batterie. Cela a modifié la structure du titre, mais c’était génial. Contrairement à mes trois précédents que j’avais hyper contrôlés, dans cet album, j’avais envie de faire participer les gens. Bien sûr, je suis arrivé avec mes chansons finies, mais ouvertes à toutes possibilités. Ce disque est habité par ces musiciens-là. De plus Grégoire Gensse, le pianiste, est mort depuis. Je suis content d’entendre sa marque puissante.

Tu n’as pas eu peur de trop t’éloigner musicalement de ce que tu faisais avant, au risque de dérouter ton public ?

Non, parce que j’avais une totale confiance en mes musiciens. Le risque, en musique, de toute manière, il est permanent.

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(Photo : Sylvie Bosc)

C’est le quatrième album en 11 ans de carrière.

J’en sors un tous les trois ans. C’est un bon rythme. Pendant les trois ans de battement entre deux albums, c’est une course. La scène, mes autres projets, la création… un artiste n’arrête jamais en fait.

Ensuite, il faut se poser un peu pour écrire de nouvelles chansons.

Oui, c’est un sacré boulot de faire un disque. Ecrire des chansons qui m’aillent, c’est difficile. J’essaie d’écrire en permanence, mais je peux revenir sans cesse sur l’une et y passer trois ans. Une chanson, c’est vivant. On peut ne jamais s’arrêter de l’écrire.

Le titre de ton album, Viande d’amour, est un peu déroutant.

J’ai mis un mot censé ne pas être beau avec un autre mot censé l’être, c’est le Yin en le Yang. C’est un peu la panoplie d’Imbert Imbert. J’écris souvent ainsi sans vraiment le vouloir. Je mets des choses laides dans des textes que j’espère beaux. J’ai envie de faire ressortir les reliefs.

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Pendant l'interview...

Il y a dix ans, j’étais venu te voir au Zèbre de Belleville et tu parlais pas mal entre les chansons. Tub784d3666d6c22ac2d84a0b185de85db.jpg lançais des messages politiques. Je me souviens que tu avais dit : « Si des gens votent Sarkozy, je ne les retiens pas », ou un truc comme ça. Ça m’avait choqué.

Je me souviens avoir dit ça, mais je ne le ferai plus. Aujourd’hui, j’ai changé. Que ceux qui votent Sarkozy viennent me voir, nous allons parler. J’ai plus envie de ça maintenant. Je dis pareil pour les gens qui votent Marine Lepen. Je préfère le dialogue à la fermeture d’esprit.

Tu as changé, dis donc.

Je suis devenu plus tolérant aujourd’hui.

Tu ne t’es quand même pas adouci ?

(Rires) Je ne sais pas.

1654324_10153463636749270_3159288802590093263_n.jpgQuand on vieillit, on devient plus sage ?

Je ne sais pas si c’est de la sagesse. J’ai envie de pardonner aux humains. J’ai envie de les soigner plutôt que de leur mettre des tartes.

Un artiste, ça peut être un médicament, en effet.

La poésie, c’est prendre soin des autres.

Dans tes chansons, avant cet album, je te trouvais un peu trop radical, alors que dans Viande d’amour, l’espoir est là.

Je m’applique depuis 37 ans à vivre et je crois que je commence à apprendre à y arriver un peu mieux. Je fais des progrès tous les jours.

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Après l'interview, le 1er juin 2016.

19 juillet 2016

Maxime Chattam : interview pour Le coma des mortels

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Troisième  mandorisation de Maxime Chattam (la première ici, la deuxième ). Pour Le magazine des Loisirs Culturels Auchan (daté de juillet-août 2016), je l'ai interrogé sur son nouveau livre, Le coma des mortels

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18 juillet 2016

Richard Gaitet : interview pour L'aimant, roman magnétique d'aventures maritimes

richard gaitet,l'aimant,interview,mandorJe lis Richard Gaitet (photo à gauche, Elsa Delula) depuis son premier roman, très introspectif et pas vraiment joyeux, Les heures pâles. Puis, il y a eu un livre, trop court mais complètement  loufoque. Dans Découvrez Mykonos hors-saison, l’auteur racontait les aventures aussi tumultueuses qu’improbables de deux fêtards en goguette à Mykonos.

Je l’avais mandorisé une première fois pour ces deux romans.

Je nourrissais donc beaucoup d’espoir sur le livre qui allait venir. Et bon sang de bois, je ne suis pas déçu. Même complètement fasciné par L'aimant, roman magnétique d'aventures maritimes, ce roman d’aventure maritime délirant, fantastique, absurde, poétique…

On est dans Poe, dans Verne, dans Gaitet, c’est pareil. C’est vif, moderne, efficace, il faut juste se laisser porter par la vague, sans réfléchir. Lire à l’instinct. Une expérience littéraire unique, je vous assure.

Le 27 mai dernier, Richard Gaitet est venu à Webedia pour évoquer ce roman hors norme et essentiel.


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Gabriel est un jeune marin belge, facétieux, fort en gueule mais maladroit. Il veut apprendre à naviguer mais aussi à boire, à se battre et à aimer. Pour sa première traversée transatlantique, le voilà radio sur un cargo, d’Anvers à Buenos Aires. Hélas ! Une escale aux Açores lui révèle qu’une organisation secrète internationale vient de s’accaparer les ressources inespérées d’un recoin du pôle Sud, menaçant l’équilibre géomagnétique mondial…

Saura-t-il conjurer la catastrophe ?

Roman contemporain d’aventures maritimes, récit d’initiation tragi-comique aux accents surnaturels, L’Aimant poursuit l’histoire d’un titre méconnu de Jules Verne, Le Sphinx des glaces, qui reprenait déjà l’intrigue irrésolue de l’unique roman d’Edgar Allan Poe, Aventures d’Arthur Gordon Pym. La conclusion rocambolesque d’un mystère littéraire au long cours.

L’auteur :

Richard Gaitet est né en 1981. Admiré dans toute l’Europe pour sa pratique très personnelle du sirtaki, il anime depuis 2011 l’émission « Nova Book Box » sur Radio Nova. Son premier roman, Les Heures pâles, écrit sous le pseudonyme de Gabriel Robinson, est paru en 2013 aux éditions Intervalles.

L’illustrateur :

Riff Reb’s est né en 1960. Qualifié de « Baron du dessin » par Moebius, il est l’auteur d’une vingtaine d’albums de bande dessinée, dont une remarquée « trilogie maritime » : À bord de l’Étoile Matutine (2009), Le Loup des mers (2012, prix Fnac), Hommes à la mer (2014).

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richard gaitet,l'aimant,interview,mandorInterview :
(vignette de gauche, François Perrin)

Lors de ta première mandorisation, il y a deux ans, tu m’as parlé de ce livre. Tu en étais à la moitié de l’écriture…

Les premiers chapitres remontent à cinq ans, à peu près. J’ai mis au bon coup de collier lors d’une résidence au Diable Vauvert, il y a trois ans. Ça m’a permis de savoir que j’étais prêt à bosser au moins encore deux ans dessus. Il m’a fallu un moment pour boucler l’intrigue. J’avais lancé des pistes dans la narration, elles devaient retomber sur leurs pattes.

C’est quoi ton livre ?

Un roman d’aventures maritimes, même s’il y a de nombreux passages qui se déroulent sur la terre. Ce qui arrive lors des escales est très important. C’est aussi un roman de formation et d’initiation. Le héros à 20 ans et il arrive comme une page blanche. Il a envie d’apprendre à se battre, à tisser de fortes amitiés… il va beaucoup boire, baiser. Je raconte l’histoire d’un garçon ouvert sur le monde qui veut absorber le plus d’aventures possibles.

Je me souviens que tu m’avais dit que tu voulais faire du Jules Verne, mais avec des couilles.Félix_Nadar_1820-1910_portraits_Jules_Verne_(restoration).jpg

Les livres de Jules Verne sont sidérants sur le plan de l’imagination, des connaissances scientifiques, des informations sur les territoires, la topologie, la géologie, la zoologie… mais ses romans n’étaient pas du tout organiques. Ses personnages n’ont jamais faim et n’ont jamais de sens éveillés. C’était complètement asexué. La raison venait du fait qu’il publiait aussi dans des collections pour la jeunesse. Ce n’est pas comme ça que j’envisage les livres. Il faut que les personnages soient vivants, électriques, il faut que je sente ce qui les fait bander, ce qui leur donne de l’appétit... J’ai souhaité remettre au gout du jour tout l’élan vernien : les mystères, les voyages, les rencontres, avec des choses qui n’existent pas dans la réalité. Mais je me suis dit que tout cela devait passer par le corps. Je voulais que celui qui a lu tout Jules Verne soit désarçonné, voire en colère. Jules Verne, pour la France et pour le monde, c’est une statue du Commandeur, intouchable. Il a tellement donné à l’imagination, à l’aventure, aux romans, qu’il en est devenu magnifique. Quand je dis que ça manque d’humour, d’organique, on ne peut pas dire le contraire. On ne lui en veut pas, c’était une question de contexte et d’époque. Tout le reste est tellement foisonnant et brillant sur 50 ans de carrière et 80 romans qu’il force le respect. Aujourd’hui, on ne peut plus faire un Jules Verne au pied de la lettre, sans intégrer des éléments de modernité. J’ai utilisé différents niveaux de langage, de l’humour, de vrais personnages féminins, presque toujours absents de l'univers vernien, du sexe, des beuveries et évoqué beaucoup de thèmes contemporains.

Oui, comme l'amour, la mort, l’amitié, l'hérédité, la condition humaine, la société de consommation, l'anarchie, l'écologie, la politique, la cupidité, l'argent-roi, le besoin d'un retour aux valeurs humaines fondamentales… Ton livre oscille entre l’exactitude des positions géographiques, des faits, des situations et le fantastique, des trucs qui ne peuvent pas se réaliser.

Je considère que pour faire croire à l’invraisemblable il faut être le plus vraisemblable possible. Il faut que le cadre du délire soit rigoureusement exact et colle le plus possible à la réalité.

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richard gaitet,l'aimant,interview,mandorLa vie dans le cargo, c’est comme que tu le racontes ?

J’ai fait des demandes pour passer deux semaines dans un cargo, ça n’a pas abouti, du coup, j’ai lu énormément de récits de personnes qui ont fait des voyages en cargo, qui ont alimenté des blogs extrêmement précis sur leurs sensations…  je voulais que la tapisserie soit fiable. J’ai employé de vrais termes techniques pour que l’on puisse croire à ce que je décrivais et à la réalité de cette fiction. Je me suis beaucoup documenté aussi sur chaque escale que fait le cargo : Dakar, l’Islande, la Patagonie... Je suis parti sur le principe que si tout à l’air vrai, l’extraordinaire peut avoir lieu. Si ma réalité est fragile, on croira moins facilement à l’irréel.

Tu ne t’es jamais donné de limites pour garder une crédibilité maximale à ton histoire ?

Finalement, non. J’ai beaucoup hésité à garder la scène avec le monstre. Je me suis dit qu’à ce niveau-là de l’histoire, si les personnes sont toujours avec moi, ils peuvent accepter l’idée qu’il peut y avoir des créatures extraordinaires. J’ai voulu ouvrir mon imaginaire et accueillir tout ce qui me venait. Dès que j’allais un peu loin, je revenais vite à un cadre terrestre, terrien.

Ton livre est tellement barré que tu as dû te demander jusqu’où tu pouvais te permettre d’aller pour ne pas perdre tes lecteurs, non ?

Complètement. 100% délire, 100% fantaisie, ça n’intéresse qu’une frange microscopique de lecteurs. Personnellement, étant donné le temps que j’ai passé à écrire ce livre, j’ai souhaité qu’il y ait le maximum de lecteurs qui croient aux personnages, à l’intrigue, aux thèmes abordés, à ce que cela peut raconter du monde contemporain. Juste l’imagination, ça ne suffit pas. C’est un roman, genre noble qu’il faut servir comme un page. En travaillant sur la structure, le rythme, le montage, le récit.

Il est beaucoup question d’alcool dans ton livre, comme il en était aussi beaucoup question dans le précédent, Découvrez Mykonos hors-saison.

Je me suis demandé si ce n’était pas un marqueur de mon « œuvre ». En même temps, quel est l’autre moyen de se sociabiliser que les hommes et les femmes ont trouvé pour être ensemble ? Quand les gens sont heureux d'être ensemble, ils boivent. et ce qui leur arrive après un certain nombre de verre est souvent plus drôle, sur le plan romanesque que s’ils étaient restés à boire du thé.

Les illustrations sont signées Riff Reb’s. Comment as-tu eu cette légende du dessin ?Couv_242049.jpg

J’ai souhaité que ce livre soit dans la tradition des livres de Jules Verne, c'est-à-dire avec des illustrations en noir et blanc, légendées, qui accompagnent l'expérience de lecture. Mon éditeur a dit oui tout de suite, il a pris de sacrés risques. J’avais chez moi les deux derniers albums de la trilogie maritime absolument sublime de Riff. Étonnamment, dans ce qui était son dernier album à l’époque, Hommes à la mer, un recueil d’adaptations maritimes, il y avait une double page qui était un très beau dessin tiré du Sphinx des glaces. L’évidence s’est imposée. Je lui ai écrit un mail assez court en lui expliquant je voulais faire la suite du Sphinx, mais modernisée, contemporaine. Il m’a téléphoné deux heures plus tard. J’étais impressionné, il a quand même 25 albums dans les pattes. Il m’a dit que cela faisait des années qu’il attendait ce genre de proposition. Il m’a demandé de lui envoyer le livre. Je n’en avais écrit que 70%, mais ça lui a suffi. Il a accepté après lecture. Il a apprécié que ça parte dans tous les sens et que ce soit rock’n’roll. Je lui ai présenté mon éditeur. Nous avons convenu qu’il fasse 15 dessins pour une somme vraiment modique par rapport à son talent et sa notoriété.

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Comment avez-vous travaillé ensemble ?

De manière fantastique. Je lui envoyais les chapitres au fur et à mesure. Parfois il me faisait des retours en me disant, je suis sûr qu’il va se passer telle et telle chose dans le prochain chapitre. Une fois, ce n’était pas ça, mais son idée était si bonne que je me suis empressé de la noter pour aller dans sa direction et l’ajouter à mon roman (rires).

Ses dessins correspondaient-ils à ce que tu avais dans la tête quand tu as écrit telle ou telle scène ?

Oui, très souvent. En plus, il apporte un trait moderne et nerveux, contrairement aux gravures sérieuses et hyper minutieuses qu’il y avait dans les Jules Verne. Les illustrations vivantes de Riff sont en phase avec l’écriture. Il amène de la chair et c’est ce qu’il fallait. Ça donne de l’incarnation au projet. On était raccord sur la manière d’aborder le genre.

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Ton livre est la suite du Sphinx des glaces de Jules Verne, qui, lui-même, était la suite d’Aventures d’Arthur Gordon Pym d’Edgar Poe.

J’ai fait une suite moins littérale. Je n’ai pas voulu raccrocher immédiatement les wagons aux deux précédents livres parce que je craignais de perdre tous mes lecteurs. Je ne voulais pas m’adresser uniquement aux fans de Verne et de Poe. Il fallait que ma propre mythologie soit mise en place, que j’ai donné de la chair à mes héros et que j’ai développé mes thématiques et ma dramaturgie. C’est la raison pour laquelle ma « suite » arrive à mi-parcours, quand tout est installé.

Tu pars du principe que tout ce qui est dans les deux livres de Poe et de Verne est vrai.

Oui, donc il existe réellement une créature minéralogique et géologique aux propriétés hallucinante, au pôle sud.

Tu ne connaîtrais pas Richard Gaitet, tu l’inviterais dans ton émission de radio ?

Si je n’étais pas moi, je m’inviterais volontiers, bien sûr (rires).

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Pendant l'interview...

Ce livre barré, il te ressemble ?

Il y a dix ans, Philippe Jaenada a dit au petit groupe d’écrivains que nous formons et que tu connais: « il faut écrire des livres qui vous ressemblent ». Il faut y jeter le plus possible de soi.

Tu l’as écouté pour tes deux premiers romans. Ils étaient des morceaux de ta vie. Là, il n’est pas question de toi.

Détrompe-toi. J’y suis tout entier.

Gabriel aurait pu être toi ?

C’est carrément un alter ego. Sans te dire lesquelles, il y a des choses dans le livre que j’ai vécues. Pour qu’un livre soit vivant, qu’il ait l’air fort et mémorable, pour faire vibrer son histoire, il faut puiser dans ses réserves personnelles, ses poches de vies, sa mémoire émotionnelle, même pour bâtir un territoire de fiction farfelu...

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Le 27 mai 2016 sur une terrasse de Webedia, après l'interview.