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22 mai 2020

Léonid : interview pour l'album Du vent

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(Photo : Sigrid Spinnox)

léonid,fabien daïan,rémi d'aversa,du vent,interview,mandorLéonid n’est pas l’affaire d’un seul homme, c’est un binôme indissociable. Il est composé de « la tête pensante », Fabien Daïan, et de son cousin Rémi d’Aversa, homme-orchestre lumineux / co-arrangeur et co- réalisateur sur leur deuxième album Du vent.

Rappelons que Fabien (déjà mandorisé-là en 2014 pour le premier opus éponyme) est auteur/compositeur/interprète, guitares, percussions. Membre de Sinsemilia pendant les 13 premières années du groupe, il s’est investi ensuite corps et âme aux côtés d’artistes comme Yoanna ou Djazia Satour en tant que réalisateur, arrangeur, scénographe…

Créé en 2013, le duo connaît depuis un développement constant et régulier. Et comme l’explique le dossier de presse,  « quelques 250 concerts plus tard et des retours souvent dithyrambiques d’un public touché tant par le fond que par la forme du spectacle, les deux cousins n’ont pas perdu une once de leur foi, de leur besoin de créer, de se renouveler, ni de leur capacité de travail ».

Du vent, a été co-réalisé et co-arrangé avec Pierre-Luc Jamain (Sergent Garcia, Feist, Arthur H, Oxmo Puccino, Djazia Satour...) et enregistré et mixé au printemps 2019 par Julien Espinoza au studio BESCO  (78) et aux Studios de la Ruche  (69). 

Si le Coronavirus décide de se barrer un moment, gageons que le spectacle dont sera issu cet excellent disque sera une nouvelle ère (de jeu) foisonnante pour le duo.

Quoi qu’il en soit, aujourd’hui vendredi 22 mai 2020, sont proposés 4 titres de Du vent en téléchargement. Quant à l’album, il sortira en intégralité le 21 août.

J’ai interrogé Fabien Daïan par téléphone, il y a trois semaines pour évoquer cette nouvelle aventure discographique. Avec l’espoir tout puissant que ce soit la dernière interview sous confinement…

La page Facebook officielle.

Les 13 chansons décryptées sur YouTube. 

léonid,fabien daïan,rémi d'aversa,du vent,interview,mandorL’album (argumentaire de presse officiel) :

Un nouvel album plein de vent. De vent frais, du vent des fous ou d’un vent de colère. Parce que le vent c’est tout mais surtout parce que le vent c’est rien. 

13 chansons cousues main et filées avec les tripes.

Sur « du vent », on sent un auteur/interprète enfin délesté du poids des « maîtres »  (Higelin, Brassens, Renaud et tant d’autres). Ce bagage trop lourd qui complexe et réfrène celui qui le traîne. Non que le bonhomme soit devenu prétentieux et ait désormais la naïveté de croire qu’il leur arrive à la cheville. Bien au contraire ! C’est en faisant le deuil du fantasme de chatouiller un jour les doigts de pied des grands qu’il a pu livrer sans détour inutile ce qu’il a dans les tripes. 

Ses tripes à lui, qui ont pour principal intérêt d’être les siennes. 

Aux premières loges de ce déballage, le cousin, le binôme, s’investit comme jamais sur ce disque. Il le marque de sa sensibilité et de son sens inné de la mélodie et de l’arrangement. 

Les chansons de l’album : Elles pourraient se diviser en quatre catégories. D’abord les chansons « psycho-torturées-mais-légères-quand-même », crédo de Léonid, à l’image de « La tâche d’encre » : hurlement venu de l’enfance sur l’impossibilité d’être libre sous l’emprise de l’angoisse. Les textes « réalistes » comme « P’tite soeur » : ode à l’amitié fraternelle et inconditionnelle en duo avec la lumineuse Djazia Satour. Les « existentielles » dont « Autrement dit » est l’incarnation. Chanson sur le troublant parallèle entre le début et la fin de la vie qui, déjà présentée sur scène à quelques reprises, arrache bien souvent les larmes des plus sensibles. Et enfin les chansons « politiques » à l’instar de « Mon avis » : constat désabusé de la difficulté d’allier la passion, les convictions avec l’engagement politique. Ou comme les reprises d’« Oscar » (Renaud) et du « Chiffon rouge » (Vidalin/Fugain) : double hommage au monde ouvrier « rouge » dont sont issus les grands-parents communs aux deux cousins. Leur héritage partagé. Le point commun à toutes ces chansons, le fil rouge, est l’aspiration à la liberté. 

Liberté dont le plus digne représentant est le vent !

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(Photos : Sigrid Spinnox)

léonid,fabien daïan,rémi d'aversa,du vent,interview,mandorInterview :

Il s’est passé six ans entre tes deux albums. C’est beaucoup, non ?

La première raison, c’est que j’ai énormément d’activités différentes avec d'autres artistes, comme régisseur et éclairagiste. J’aime avoir une vision globale du métier et toucher à tout. La deuxième raison, c’est qu’avec Rémi, on travaille principalement la scène en la peaufinant sans cesse. Enfin, la troisième raison, c’est qu’il se pourrait bien que je sois un laborieux. Il me faut du temps pour faire les choses. Créer de nouvelles chansons par exemple.

Pour la première fois, Léonid a demandé à une tierce personne un regard extérieur, celui de Pierre-Luc Jamain qui a co-réalisé et co-arrangé l’album. Pourquoi ?

J’ai toujours fait les choses tout seul et là, je sentais que j’avais besoin d’un œil neuf d’une personne dont je respecte le travail. Ça m’a permis de me focaliser plus sur ce que j’avais à dire et sur la façon dont je souhaitais transmettre ces nouveaux textes. Je me mets toujours beaucoup de pressions et le fait de pouvoir se reposer sur quelqu’un, ça m’a fait un bien fou. Je n’ai jamais su déléguer. Pour y parvenir, il faut trouver quelqu’un qui va mettre autant de temps, de passion et de perfectionnisme dans le projet que soi-même. C’est ce qu’a fait Pierre-Luc, accompagné bien sûr par Rémy en qui j’ai toujours eu une confiance illimitée. C’était l’équipe parfaite.

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Djazia Satour et Léonid en studio (photo : Pl Jamain).

Evoquons quelques chansons. « Petite sœur » est une ode à l’amitié entre un homme et une femme, enléonid,fabien daïan,rémi d'aversa,du vent,interview,mandor l’occurrence, celle que tu as avec Djazia Satour, qui chante avec toi sur ce morceau.

Djazia, c’est ma coloc’ de sang. J’ai voulu marqué cette amitié exceptionnelle, extrêmement chaleureuse, fraternelle, presque familiale. Notre amour est puissant, comme peut l’être celui d’un frère et d’une sœur.

Tu n’es pas précisément un chanteur d’histoire d’amour… Quand tu en parles, ça donne une chanson comme « Dégage ».

C’est l’histoire d’une rupture. Quand des gens se séparent, souvent, ils se disent que l’histoire sera toujours belle, malgré la souffrance. Dans cette chanson, j’avoue, j’ai un peu lâché ma pudeur. Désormais, j’essaie de « cracher » les choses de manière plus spontanée et directe. M’autoriser cela m’a permis d’aller mieux.

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(Photo : Sigrid Spinnox)

Tu es quelqu’un de pudique ?

Très. J’ai même une pudeur extrême. De plus, je suis sujet depuis tout le temps à des crises d’angoisse terribles et à des attaques de panique. J’ai appris récemment que nous étions 4% de la population à souffrir de cette pathologie. J’ai des périodes où le moindre évènement peut me terroriser et me mettre dans des états insoutenables. C’est ma croix… et c’est complètement contradictoire avec le fait de de monter sur scène et, plus généralement, de faire un métier public.

C’est peut-être une façon d’exorciser ça ?

Tu as raison. C’est exactement ce que je pense. Je ne veux pas lâcher l’affaire. Ma seule survie possible, c’est d’aller au front. Je dois passer ma vie à me prouver que je suis plus fort que ces fantômes-là.

Ce que tu me dis-là me fait penser à la chanson « La tâche d’encre », dans laquelle tu te racontes comme jamais… sans t’épargner. En écoutant les paroles, je l’ai comprise ainsi : l’histoire d’un type qui cherche la liberté absolu, qui n’y parvient pas toujours, mais un peu quand même. J’ai bon ?

Ça me va très bien parce que c’est tout à fait ça.

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(Photo : Sigrid Spinnox)

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(Photo : Vincent Assié)

Pour toi, c’est quoi la notion de liberté ?

Je trouve qu’il n’y a rien de plus angoissant, stable et acquis que la liberté. La liberté, c’est un grand vide en fait. J’accepte le combat en moi où il y a une inspiration à la liberté infinie et l’obligation de me mettre en danger en me dirigeant vers mes peurs.

La famille est importante pour toi. Tu évoques en  filigrane ta sœur décédée dans « 507 heures » et tes grands-parents dans « Oscar », de Renaud, et dans « Chiffons Rouges » de Vidalin et Fugain.

J’ai des familles très différentes côté maternel et paternel, mais le point commun qu’avait tout le monde, c’est une implication en politique, très à gauche, communiste, humaniste, voire anarchiste pour certains. Depuis mes grands-parents, c’est quelque chose qui est complètement ancrée dans toute la descendance. Nous avons été élevés dans la lutte et le combat pour plus de justice et d’égalité. La cadre idéologique que l’on m’a inculqué est mon plus bel héritage familial.

Toi, tu fais partie de la tendance anar ?

Je vais te dire la vérité. Je suis mélenchoniste, donc à fond dans le mouvement de La France insoumise. Il y a énormément de gens qui tapent sur Mélenchon parce qu’il serait égocentré et colérique… c’est autant de choses qui me le rendent très sympathique. C’est quelqu’un de brillant et droit politiquement. Il défend à merveille des valeurs que nous sommes des millions à partager.

Tu milites sur le terrain?

Je suis très peu militant, mais comme énormément de gens, je me suis fait embarquer en 2016 par le mouvement. J’ai fait pas mal de meetings et il m’est arrivé de distribuer des tracts pour Mélenchon. Mais j’ai beaucoup trop de respect pour les militants qui s’investissent concrètement pour me considérer comme tel. Moi, je me contente d’ouvrir ma gueule sur scène avec mes petites chansons.

"Le prince du RSA"-Spécial confinage.

Mais tu fais de la chanson politique ? (Photo :Vincent Assié)léonid,fabien daïan,rémi d'aversa,du vent,interview,mandor

Non.

« Le prince du RSA », chanson anti macroniste par excellence, ce n’est pas une chanson politique ?

Alors, partons du  principe que tout est politique. Pour moi, une chanson, c’est juste une idée qui passe et que tu veux transmettre, mais qui ne doit pas prouver ou argumenter quoi que ce soit. Chacun fait ce qu’il veut de l’idée que tu proposes. L’art n’est pas fait pour convaincre.

C’est le thème de ta chanson « Mon avis » !

C’est exactement ce que je raconte, effectivement. Pendant très longtemps, je suis monté sur mes grands chevaux en clamant de grandes tirades passionnées, mais aujourd’hui, je le fais de moins en  moins. Je ferme ma gueule en fait parce que je sais que je n’ai pas le bagage intellectuel et culturel pour me permettre de chanter des choses sentencieuses et encore moins pour faire la morale.

Dans « Autrement dit », tu désacralises les enfants. Tu n’as pas honte ?

Je précise que je n’ai pas d’enfant, je ne fais donc la leçon à personne. Je ne sais pas si c’est l’héritage de Françoise Dolto, mais je constate juste que l’on met les enfants de plus en plus à une place centrale. J’ai peur qu’on finisse par en faire des adultes décalés avec la vraie vie. Les valeurs que l’on m’a inculqué, c’était de rester à ma place d’enfant. C’est quelque chose d’important dans la fondation d’une vie.

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05 mai 2020

Nicolas Vidal : interview pour son exposition virtuelle, Chanteuses de France

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nicolas vidal,chanteuses de france,exposition virtuelle,interview,mandorNicolas Vidal est chanteur et photographe. A son compteur, trois albums pop d’excellentes factures : Des ecchymoses en 2011, Les nuits sereines n’existent pas en 2016 et Bleu Piscine en 2018 (pour lequel je l’ai mandorisé). L’homme, qui a plus d’un tour dans son art, crée Faces Zine en 2017, un webzine pop en noir et blanc pour lequel il interviewe et photographie des musicien.ne.s, leur consacrant de longs portraits.

Nicolas Vidal propose depuis quelques jours une exposition virtuelle baptisée Chanteuses de France. En tout, 53 photographies en noir et blanc des icônes féminines de la pop française d’aujourd’hui. Des artistes connues, comme des confidentielles…

En plein confinement, je l’ai appelé pour en savoir plus…

Le webzine pop Faces Zine.

La page Facebook de Faces Zine.

Pour voir l’expo.

nicolas vidal,chanteuses de france,exposition virtuelle,interview,mandorLe projet (par Nicolas Vidal lui-même) :

La pop française est-elle une grande famille ? On sait que la pop mondialisée a ses reines mères et ses princesses, ses king of Pop et toute une sorte de royauté marketing qui a fait ses preuves. Il y a des reines et des princesses en France aussi, mais il y a surtout une scène foisonnante de créatrices, chanteuses, productrices, qui résistent et proposent un panel pop de musique riche et dégourdi, foisonnant de sons et d’images.

Les chanteuses de France sont aussi anglaises, africaines, suédoises, algériennes, russes, suisses, israéliennes ou belges. Elles écrivent des chansons pop, font du rock, de l’électro, de la folk voire de la country. On ne peut plus les réduire à l’invisibilité tant elles sont nombreuses, plurielles, les forces vives d’une industrie musicale encore très masculine.

Cela fait maintenant un peu plus de deux ans que je photographie et interviewe des artistes pour Faces Zine. Quand j’ai créé le webzine, j’avais la secrète envie de cartographier une scène pop au présent, indépendantenicolas vidal,chanteuses de france,exposition virtuelle,interview,mandor et populaire, d’imaginer des familles musicales qui ne le sont que parce qu’on associe ensemble certains artistes.

En voici une première, féminine donc, partiale, qui existe autant par des choix éditoriaux que par les opportunités que j’ai eu de photographier certaines chanteuses. Cette exposition en forme d’abécédaire n’est absolument pas exhaustive, et cela n’aurait aucun intérêt. Mais elle dit tout de même quelque chose de la scène française, entre indépendance farouche et icônes populaires, entre glamour indé et féminisme pop.

Dans mon travail de chanteur et de photographe, les artistes femmes m’ont toujours fortement influencé, bousculé, fait rêver. A mon tour de rendre hommage à 53 chanteuses de France en 51 photos dans cette exposition virtuelle, au présent et au futur.

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Avec Nicolas Vidal, trois de ses modèles. De gauche à droite : Cléa Vincent, Jo Wedin et The Rodeo.

nicolas vidal,chanteuses de france,exposition virtuelle,interview,mandorInterview :

Pourquoi une exposition virtuelle ?

A la base, je voulais faire cette exposition dans une galerie ou dans un lieu adéquat. Avec le contexte actuel, plutôt que d’attendre un hypothétique bon moment, j’ai trouvé intéressant de faire exister cette exposition de manière virtuelle. Je ne voulais pas que le confinement m’empêche de faire découvrir ces photos d’artistes.

Pourquoi as-tu choisi de mettre en avant des artistes féminines ?

Ce sont elles qui, en ce moment, sont le moteur de l’industrie musicale. Pendant longtemps, les artistes femmes étaient cantonnées au rôle d’interprète. Elles étaient souvent l’égérie de grands compositeurs comme France Gall avec Michel Berger et Jane Birkin avec Serge Gainsbourg. Attention ! Je sais bien qu’il y en avait aussi qui écrivaient et composaient, comme Véronique Sanson, Françoise Hardy ou Catherine Lara. Aujourd’hui, les femmes ont pris les rênes de la musique en gagnant en autonomie et en s’affranchissant des hommes. La période #metoo et #balancetonporc n’y est sans doute pas pour rien.  Elles ne sont plus des faire-valoir ou juste des interprètes. La jeune génération féminine sait tout faire.

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Dans les labels et dans l’industrie de la musique, elles ne sont pas encore à la manœuvre.

Malheureusement. Par contre, elles le sont en terme créatif et médiatique.

Tu as choisi de mettre en avant des artistes connues et d’autres moins…

Il y a beaucoup de chanteuses que j’ai interviewées pour Faces Zine et d’autres que j’ai eu la chance de croiser dans des festivals (fin de conférences de presse où concerts) comme Corine, Zazie ou Aya Nakamura. Je pense que si je propose des artistes connus, les gens auront la curiosité de s’intéresser aussi à celles qui le sont moins.

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Comment se présente ton exposition virtuelle ?

Je ne voulais pas que ce soit juste un enfilage de photos, j’ai donc eu l’idée de l’abécédaire avec le prénom plutôt que le nom de famille et un lettrage qui rappelle la typographie que j’utilise sur le webzine. Je voulais qu’il y ait une cohérence avec Faces Zine.

Comment fait-on un bon portrait, selon toi ?

J’essaie d’avoir du temps et de ne pas « objétiser » la personne qui est devant moi. Généralement, j’interviewe les artistes avant de les placer devant mon objectif, donc une petite relation s’est déjà nouée. Ils sont plutôt en confiance et je m’évertue à les rendre à l’aise pendant la séance. Il faut que je parvienne à les diriger sans qu’ils s’en aperçoivent vraiment tout en les laissant très libres dans leur façon de se comporter. C’est un dosage subtil entre mes suggestions et leur part de naturel. Je pense aussi que le fait que je sois moi aussi musicien rassure certain.e.s de mes modèles.

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J’imagine qu’il y a aussi un travail de retouches ?

Pour l’expo, j’ai retouché surtout les lumières pour qu’il y ait une cohérence et une unité entre les clichés.

Si le monde se décide à tourner de nouveau un peu rond, est-il envisageable que cette expo existe dans un lieu approprié ?

Oui, j’aimerais bien. J’envisage aussi l’éventualité de faire un livre de portraits écrit et photographique pour donner suite à ce projet. Cela permettrait aussi de témoigner de la vitalité de la scène française féminine actuelle.

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30 avril 2020

La Pièta : interview pour son premier album La moyenne

La Pietà - Studio (C) Cedrick Nöt (25).jpg

(Photo : Cédrick Nöt)

la-pieta-pic-dor-session-©-cedrick-Not-preselection-114.jpg« La Pietà est une lutte, une statue de Michel-Ange version punk... La Pietà est brute mais jamais brusque, enragée mais toujours sensible, volcanique et parfois gracile » indique fort justement le dossier de presse. Il est vrai que depuis trois ans, La Pietà (déjà mandorisé là) explose sur scène, aux quatre coins du pays. Ces moments live « tendus, ombrageux, provocants, festifs, propices à la communion » ne laissent personne indifférent. Voir La Pièta sur scène, c’est vivre une expérience unique qui provoque un choc émotionnel immédiat. Uppercut au cœur et à l’âme du début à la fin. Une performance.

Cela fait des années que je suis cette artiste dans ses différents projets, mais il est clair qu’elle s’est parfaitement trouvée dans le rôle de La Pièta (son double obscur qui tente aujourd’hui de trouver plus de lumière). Avec ce premier album, La moyenne, si elle est toujours aussi percutante, on décèle une discrète pointe de sérénité… et ça lui va bien.

J’ai appelé La Piètà, chez elle à Montpellier, en plein confinement, pour parler de ce nouveau disque…

Son site officiel.

Sa page Facebook officielle.

Argumentaire de presse (par Arnaud de Vaubicourt) :pochette album 800x800.jpg

La Pièta. C’est un cri. Une écorchure. Un désespoir porté par la lumière. La Pietà cogne, hurle, revendique. Elle caresse, aussi. La Pietà parle aux tripes et aux cœurs, avec la rage du punk et la poésie du slam. C’est un trop plein d’émotions extrêmes ressenties durant une poignée d’années qui a transformé La Pietà pour toujours. « Si la rage est un moteur, alors j’risque d’aller loin », scande-t-elle sur « Jusqu’ici tout va bien ». Cette hargne, cette rugosité verbale n’est pas plus dirigée contre la société que vers elle-même. Elle est juste l’expression primale d’un cerveau qui refuse de tourner en rond dans sa cage.

« La Moyenne », « Tapez », « Ma Guerre est Finie » ne sont ni des complaintes ni des errances poético-dégoulinantes : ce sont des pamphlets personnels, des claques que l’on donne aux autres autant qu’à soi-même, des textes d’une noirceur qui n’oublie jamais que renoncer à la lumière est la première des lâchetés.

La Pietà est une griffure, prête à appliquer du baume à celui qui saura l’écouter en regardant à l’intérieur de soi. La Pietà rugit son punk-à-textes-electro-rap (celui qui leur colle l’étiquette musicale qu’il faut gagne son poids en paires de claques).

Après trois EP rageurs en forme de chapitres où elle avançait masquée, autant sur scène que symboliquement, La Pietà sort à visage découvert La Moyenne, son premier album, le 22 mai 2020.

La parution d’un roman suivra de près.

La Pietà - Studio (C) Cedrick Nöt (52).jpg

(Photo : Cédrick Nöt)

94186339_2621151678156594_2608852492384993280_o.jpgInterview :

Malgré les textes chocs, je trouve La Pièta discètement plus sereine, non ?

Tu as raison. La Pièta est un projet qui a commencé il y a cinq ans. Je voulais raconter l’histoire d’une fille qui s’en était pris plein la gueule. En l’occurrence, c’était un peu moi, mais pas seulement. Une chanson de La Pièta n’est jamais autobiographique, mais une dérive de ce que j’ai pu vivre. Au départ, je voulais que cette histoire racontée dans un roman et en chansons dure trois ans parce que j’estimais que c’était suffisant pour évoquer juste une période de vie.

Et pourtant, elle est toujours là!

Aujourd’hui, j’essaie de m’amuser de cette Pièta qui change et qui se nourrit maintenant de Virginie, c’est-à-dire la fille qu’il y avait derrière le masque. Je tente de trouver un juste équilibre entre ce personnage qui était très sombre et ce que j’ai envie de lui apporter comme lumière désormais.

Clip de "Y en a", entièrement tourné à l'Iphone, à Rome, en Février 2020, extrait de l'album La moyenne.

Le masque, tu l’as complètement ôté ?

Oui, mais apparemment, je vais être obligée de le remettre (rires). (Note de Mandor : humour qui m’avait échappé sur l’obligation du port du masque pour sortir lors du confinement.) En vrai, je l’avais complètement retiré dans l’optique de dire que je me libère de cette histoire, de ce personnage sombre. La Pièta continue à exister, mais commence à se muter avec d’autres facettes de ma personnalité.

La première chanson de l’album est « La moyenne ». On l’a connaissait puisqu’elle était déjà sur le premier EP. Là, tu clames ton texte sans musique…

94504916_2624465864491842_8399640929169833984_o.jpg« La moyenne » est le titre phare de La Pièta. C’est le premier que j’ai sorti en disque et le premier texte que j’ai écrit dans mon roman. Pour le remettre dans l’album, nous nous sommes rendu compte que c’était compliqué de créer une nouvelle version musicale. La première avait été faite à l’arrache et c’est certainement cela qui lui avait donné une telle densité et personnalité… avec un son presque punk. Elle était très viscérale et pas léchée, du coup, quand on a essayé d’en faire une version plus propre, plus modernisée, c’était moins bien. Et remettre la même version n’avait aucun intérêt parce que la plupart des gens qui aiment mon travail l’avaient déjà. On a opté pour un a capella, ce qui a permis de mettre plus en avant le texte pur.

Es-tu de la génération qui ne croit plus en rien ?

Non. Moi Virginie Nourry, la personne qui est derrière La Piéta, t’affirme que ce n’est pas ce que je pense de la vie. Heureusement que je ne suis pas aussi désespérée qu’elle a pu l’être. J’avais besoin d’exprimer cette part sombre pour que ma part vivante et lumineuse puisse exister. Ma manière de mettre de la lumière dans tout ça et de sublimer la douleur, c’était d’en faire quelque chose d’artistique.

Clip de "J'revendique", tiré de l'album La moyenne.

En terme de texte, je trouve que celui de « J'revendique » est celui qui résume le plus la pensée de La Pièta. Et musicalement, c’est un titre plus pop et dansant que tout ce que tu as fait jusqu’à présent avec ce personnage.

C’est une chanson que je n’ai pas composé. J’ai travaillé sur cet album avec un ami, Anthony Bellevrat. J’aimais bien quelques compositions à lui qu’il n’utilisait pas, j’ai choisi celle-ci. Je me suis bien amusée à poser des textes sur une musique qui n’est pas de moi. Plus ça va, plus je vais aller vers ça. Me libérer de la partie musicale me permet de me concentrer sur les textes. Je trouve que j’ai mes limites musicalement et travailler avec des gens qui sont meilleurs que moi dans leur instrument et leur technique musicale, ça me permet de m’ouvrir vers d’autres choses.

C’est quoi ta plus forte revendication ?

Être libre… et être totalement libre d’être qui on est.

Clip de "Tapez", extrait de l'album La Moyenne.

Dans « Tapez », qui est une chanson sur la déshumanisation de notre système, on a l’impression que c’est aussi un appel à la violence.

Non, pour moi, cette chanson, c’est comme quand on regarde le film « Joker ». Le réalisateur n’est pas en train de dire qu’il faut faire comme Joker, c’est à dire, tout faire péter. Il dresse juste le tableau d’une société dans laquelle un homme est exclu et qui a des problèmes psychiatrique. La colère peut susciter des drames. Pour « Tapez », c’est la même chose. Elle raconte l’histoire de quelqu’un qui vit un deuil. Au moment d’aller enterrer cette personne, mon héroïne se retrouve confrontée à des gens et un environnement déshumanisé qui va lui faire péter les plombs. Ce n’est pas un appel à la violence, c’est un appel à faire gaffe. Si le système continue à ne plus prendre en compte nos émotions et nos sentiments, ça peut mal finir… 

Dans « Jusqu’ici tout va bien », tu dis « si la rage est un moteur, je risque d’aller loin ». Chez toi, la rage a toujours été un moteur ?

Oui, mais pas uniquement. C’est un mélange de rage et d’amour. Et pour être plus précise,  mon moteur principal, c’est quand même l’amour.

Clip de "7 mois", tiré de l'album La moyenne.

« Sept mois » et « Arrêtez tout » sont des histoires d’amours blessés et de ruptures.la-pieta-pic-dor-session-©-cedrick-Not-preselection-007.jpg

Cet album a été entièrement conçu et enregistré après une rupture amoureuse douloureuse. Il ne parle pas uniquement de ça, mais il en parle pas mal. En tant que fille passionnée, quand je vis une rupture, j’ai l’impression que le monde s’écroule. C’est vrai à ce moment-là, mais plus tard, j’arrive ensuite à le reconstruire.

Dans « Pas désolé », tu emploies la première personne du masculin.

C’est la première fois que je fais ça. Comme ça parle d’un pote homosexuel qui raconte son histoire, je me suis mise dans sa peau. De manière plus générale, c’est aussi une façon d’expliquer que dans mes chansons, quand je dis « je », ça ne veut pas dire obligatoirement que c’est moi.

Dans « Le mal du siècle », tu racontes la dépression.

Là encore, ça ne parle pas uniquement de moi. Il y a aussi un peu un ex qui était sur une mauvaise pente et mon père qui était un grand dépressif. Ca me paraissait une évidence d’appeler cette chanson comme ça, parce que j’estime que la dépression est le mal du siècle en occident. C’est un mal qui gangrène et qui est compliqué parce qu’il n’est pas tangible et très mal perçu. Quand on se casse un pied, on va directement se faire soigner, mais aller à l’hôpital psychiatrique pour soigner son mal intérieur, c’est encore très mal vu, alors souvent, on ne le fait pas.

"Ma guerre est finie" en version piano-voix. Arrangements et Piano : Anthony Bellevrat. Réalisation Vidéo : Cédrick Nöt au théâtre de Tarbes le 25 mai 2019.

La chanson qui clôt ton album s’intitule « Ma guerre est finie ». Si ta guerre est finie, de quoi va parler La Pièta ?

Il y a plein d’autres guerres… Mais c’est une manière de dire que cette douloureuse période de vie est close. Cet album est à la fois la conclusion de la période précédente et le cheminement vers la suite. J’apprends à canaliser la colère… je te le répète, je me laisse le droit de faire des choses plus lumineuses et plus joyeuses.

Comment vis-tu ce confinement ?

Bien et mal. Je suis une grande solitaire, donc ça ne me dérange pas d’être seule. Mes passions sont d’écrire, chanter, composer, peindre… je fais un peu tout ça. Mais pour moi, le confinement, c’est aussi une vraie question philosophique sur la vie et sur la mort… et sur la liberté aussi. Jusqu’où on est prêt à aller par peur de mourir ? Le confinement met aussi en exergue les inégalités sociales. Il y a les gens qui sont enfermés à plusieurs dans des petits appartements et d’autres qui sont dans de grandes maisons avec de grands jardins et des espaces libres. C’est surtout ça que je trouve insupportable. Et puis, naïvement, j’aurais aussi espéré que ce drame mondial nous rapprocherait tous. Je pensais que la bienveillance et la solidarité allait dominer. J’ai constaté sur les réseaux sociaux que c’est le contraire qui est arrivé. La haine, la malveillance, la dénonciation du voisin qui sort trop souvent… J’ai du mal à vivre cette agressivité latente.

Bonus : Un live électrique de 35 minutes enregistré en avril 2020 en plein confinement.

27 avril 2020

Raoul Petite : interview de Carton pour Ni vieux ni maître

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(Photos : Mathieu Esterni)

raoul petite,carton,ni vieux ni maître,interview mandorRaoul Petite est le doyen des groupes rocks français en activité. Plus de 1000 concerts en France mais aussi en Italie, Espagne, Canada, Hongrie, Suisse, Tunisie, Belgique. On a pu les voir 3 fois à l’Olympia archi-complet, au Casino de Paris, au Bataclan, à l’Elysée Montmartre, aux Eurockéennes, aux Francofolies, sans oublier la Fête de l’Huma et la Fiesta des Suds.

Voici enfin leur 8e album studio, Ni vieux ni maître, trois ans après l’EP 5 titres, Soyons légers ! 

La semaine dernière, j’ai appelé, le Roi Carton, son Altesse Raoul 1er (en vrai, le chanteur du groupe, Christian Picard), en plein confinement chez lui... comme tout le monde.

Leur site officiel.

Leur page Facebook officielle.

Pour écouter le disque.

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(Photo : Fred Fouchet)

Argumentaire de presse :raoul petite,carton,ni vieux ni maître,interview mandor

"Ni vieux ni Maitre". Comme une ode à la jeunesse éternelle, le titre du nouvel album des Raoul Petite rend hommage à leurs 40 ans d'existence. La bande et son kultissime chanteur Christian "Carton" Picard nous offrent 14 titres où s'expriment toutes leurs influences musicales et leurs vécus sans aucune restriction ni autocensure.

C'est un album organique, entièrement fait main, sans loop ni entourloupe, avec guitares et voix comme armes de création massive.

Un opus que l'on qualifiera de « rock » sans retenue, aux textes parfois sombres mais au regard léger, insouciant et pourtant acéré d'un photographe du temps présent.

Ce grand tout s'est bâti avec la force des vieilles âmes, dans les excès, les rires, les larmes, les joies, les doutes, les clashs mais …pour au final renaître d'une mue régénératrice.

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(Photo : Jan Dyver)

Les chansons :

Pour appréhender cet album sans préjugé, on ne citera que quelques titres : "Amours kamikazes" à l'aura gainsbourienne, porté par des voix et guitares sensuelles et épurées, nous parle de toutes ces addictions qui tentent de combler nos déchirures. "Encore et toujours" directement inspiré du film "O'Brother" des frères Cohen. Bien sûr, des questions existentielles viennent comme tout un chacun chahuter leur quotidien : "Va savoir" de quoi demain sera fait… Mais leur énergie contagieuse refait vite surface à grand renfort de riffs et de rythmiques généreuses et groovy comme sur  "Ça fait mal", "Léger et insouciant", "Gourou" ou "Chargez, chargez " qui mettent en lumière les ombres de notre société de solitude égocentrée. On y retrouve aussi avec plaisir leur dérision dance & funky en collaboration avec le DJ suédois Läbbat pour " King of the néant" où malgré le vide infini qui l'entoure, ce DJ arrive sans difficulté à nous faire rejoindre le dance floor. De toutes ces influences il ne faudra pas oublier l'enfance, pilier créatif de chaque artiste que l'on retrouve dans "Houlegate", une valse de souvenirs de vacances ou dans "Comme tes parents" vision humoristique stylée "Pixies" du combat des générations, éructé par le duo vocal Kty conasse Raoul Petite dont le refrain n'est qu'un cri.

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(Photo : Gilles Marmonier)

raoul petite,carton,ni vieux ni maître,interview mandorInterview :

40 ans de carrière, c’est énorme !

Oui, mais n’avons pas toujours été en activité, même si  le groupe a toujours existé. Quand tu fais un album, tu as des concerts pendant deux ans, ensuite tu fais un break pour recharger les batteries, puis faire de nouvelles chansons. Ensuite, tu répètes pour un autre album et tu repars en tournée après.

Tu n’es pas le fondateur du groupe.

Non, il a été créé par Frédéric Tillard en 1979 à Apt, dans le Lubéron. Au départ, il n’y avait pas de chanteur. J’étais hébergé dans une maison où il y avait une grange dans laquelle le groupe, qui ne s’appelait pas encore Raoul Petite, répétait. Du coup, je faisais souvent des bœufs avec eux. Un jour, Frédéric m’a dit qu’il aimerait bien que je rejoigne le groupe. J’ai fait une audition, mais j’étais le seul à auditionner. J’ai donc été choisi (rires).

Session Live tournée par l'équipe Natura'Live à l'Akwaba (84). "Gourou" extrait de l'album Ni vieux ni maître.

Le personnage du roi Carton que tu incarnes, il est tout de suite venu ?

Oui. On est parti directement dans la dérision. A l’époque, je faisais beaucoup de théâtre et j’aimais beaucoup l’humour. Du coup, on écrivait les chansons autour du personnage de Carton.

Au bout de 40 ans, tu ne te lasses pas de lui ?

J’adore me déguiser depuis tout petit et je continue à adorer. Dans Raoul Petite, il n’y a pas le chanteur devant, les musiciens et les choristes derrière. Nous on joue et on s’amuse tous ensemble. Il y a toujours des interactions entre nous et avec le public.

Finalement, tu as passé ta vie à jouer au sens propre du terme et au sens du musicien.

C’est ça. Je joue tout le temps, je suis un éternel gamin. Ma copine me le dit souvent : « tu es encore un môme, ce n’est pas possible ! »

Clip de "Amours kamikazes", extrait de l'album Ni vieux ni maîtres.

Tu as écrit deux morceaux, « Houlgatte » et « Amours kamikazes », ainsi que le refrain en anglais de « Ça fait mal ». Les autres titres sont écrits et composés par d'autres membres de Raoul Petite. Comment fait-on pour garder une certaine cohésion ?

Dans le groupe, nous avons un chef d’orchestre, Markus. Il compose et écrit pas mal de textes, mais surtout, c’est lui qui s’occupe des interactions entre musiciens, d’autant qu’il y en a des nouveaux. Nous sommes une dizaine, mais nous essayons de répéter souvent.

Comment faites-vous pour créer une chanson à dix ?

Quelqu’un amène une chanson nue et chacun apporte ses idées pour l’habiller. J’adore ces moments où on construit la chanson en répétition. On se retrouve entre potes pendant trois jours ou plus, cela dans une bonne ambiance. Quand on décide de monter un nouveau spectacle, on rentre en résidence… là aussi, on adore ça.

Pour se renouveler et impulser une nouvelle énergie, il faut parfois renouveler des musiciens ?

Il y en a qui restent dix ans et qui décident de jouer ailleurs à un moment. C’est souvent le cas des cuivres qui peuvent facilement aller dans d’autres groupes. Appartenir à Raoul Petite, c’est quand même une contrainte. Il faut être avec nous en exclusivité et très disponible.

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(Photo : Fred Fouché)

Tu t’étonnes que Raoul Petite existe encore 40 ans plus tard ?

Franchement oui. On a fait un break de deux ans en 1988 et, à ce moment-là, je me suis dit que c’était foutu. Mais on a retrouvé des musiciens et nous sommes finalement repartis sur les routes. Et que ça continue aujourd’hui me laisse sur le cul.

Ça représente quoi en 2020 de sortir un album ?

Là, c’est un peu spécial parce que nous sommes en plein confinement. Ce n’est pas l’idéal pour une sortie. On fait très peu de promo, à part comme on le fait là, par téléphone. On avait plein de dates en juillet et en août, pas mal de festivals en perspective… et tout est annulé. Je m’inquiète un peu. Quand pourrons-nous de nouveau jouer devant 1000 personnes ? On ne pourra plus slamer dans la foule, toucher des gens ? Nous, on est dans le contact permanent. Ça va être long et j’ai peur.

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(Photo : Fred Fouché)

Il y a des chansons aux textes sombres dans cet album.

C’est vrai, mais on essaie quand même de trouver l’angle de la dérision pour ne pas nous enfoncer dans le pathos. Avec les temps que nous traversons, inconsciemment, on a peut-être fait un album plus noir que d’habitude.

Vous touchez à toutes sortes de musiques dans ce disque.

Notamment du rock, du reggae et même une valse. On fait en sorte que les musiciens ne s’ennuient pas en jouant. Et normalement, quand les musiciens ne s’ennuient pas, le public non plus.

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(Photo : Fred Fouché)

Le public de Raoul Petite est extrêmement fidèle. Il suit depuis le début… et il y a désormais trois générations qui viennent vous voir sur scène.

Oui, et ça nous fait très plaisir. On a les parents, les enfants et même les petits-enfants. C’est très touchant.

C’est quoi Les Petites Raoul ?

C’est Raoul Petite en  moins nombreux. Nous sommes six au lieu de dix. Ça nous permet de jouer devant peu de personnes. C’est moins onéreux pour les associations. On fait ça aussi pour les comités de soutien. En ce moment, nous songeons à faire un album acoustique sous cette formule.

Quand il n’y a plus de concerts, que fais-tu ?

Je fais le maçon. J’abandonne le micro et je remets la main à la truelle. Je suis à mon compte, alors je peux m’arrêter quand les concerts reprennent.

Version acoustico-confinée d'"Houlgate", extrait de l'album Ni Vieux Ni Maître.

Le confinement que nous vivons en ce moment, sera-t-il source d’inspiration ?

Je pense, mais je ne peux pas parler à la place des autres

Vous avez des projets avec Raoul Petite sous confinement ?

On monte des morceaux acoustiques pour les balancer sur le net et prouver qu’on est encore là. On en a déjà fait un, "Dès qu'le virus se barre".

Pourquoi l’album s’intitule Ni vieux ni maitre ?

Confucius disait : « L’expérience est une lanterne qui n’éclaire que le chemin parcouru ».  Je n’ai rien à ajouter.

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10 avril 2020

Julien Belliard : interview pour Le mirage de Zo

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zo,julien belliard,le mirage de zo,interview,mandor« 10 chansons comme 10 ballades, un album sur l'errance au hasard d'un voyage imaginaire qui j'espère vous emmènera en chemin en ces temps d'immobilité physique. » C’est ainsi que Julien Belliard présente sur sa page Facebook son album Le mirage de Zo.

ZO, clin d’œil à son pseudonyme du début de sa carrière. En 2007, ZO et les dents de scie signaient l’album Sous mon pébroque, puis en 2015, ZO, cette fois-ci seul, nous proposait Les Paradis Ordinaires

Le mirage de Zo, dix titres pop et entraînants dans lesquels Julien Belliard brouille les frontières entre chanson française et indie folk.

Toujours sous confinement, j’ai appelé en  début de semaine ce sympathique artiste pour évoquer cet album, véritable épopée mystique et resplendissante.

Son site officiel.

Sa page Facebook officielle.

Pour écouter l’album Le mirage de ZO.

Biographie officielle (par HUMANOSCOPE) :zo,julien belliard,le mirage de zo,interview,mandor

Après deux albums signés sous le patronyme de ZO, Julien Belliard dévoile un troisième opus écrit cette fois en son nom. Les voiles sont levées. Le mirage de ZO nous embarque dans un monde ambulant entre le réel à l’état brut et la poésie du rêve. Les grands espaces pris en filature, des parenthèses zoomées au fil du voyage. Une échappée belle. 

Julien se décrit dans le train des envies du moment. Profondément inspiré par la liberté de mouvement. Ce mouvement si familier dans ses chansons. De l’une à l’autre, on traverse des espaces où les émotions se rencontrent. La liberté de la plaine, l’aridité des montagnes.

Le Mirage de ZO est un album traversé par le mouvement. C’est un album de frontières, de passage, où les villes et les espaces s’entrelacent pour nous mettre en chemin. Dans ces chansons on y trouve autant d’images que d’itinéraires inspirées du réel ou de l’imaginaire. Rêveries, déambulations, errance, le but n’est pas une fin en soi. L’essentiel tient dans un état mobile, le long d’une écriture qui se déroule comme un long travelling musical. Le lien et les chemins, autant d’allusions représentées dans le visuel de l’album, où cette tige de fleur forme comme des lacets de routes avec au bout un chardon.es, le vent dans les éoliennes, l’agitation de la ville, puis ce calme à l’infini. On erre sans but mais toujours vers un ailleurs, entre songe et réalité. 

zo,julien belliard,le mirage de zo,interview,mandorL’album (par HUMANOSCOPE) :

Julien Belliard cavale à son rythme, réfléchi et emballé. La vie est une grande ballade et il la met en musique. Son album raconte ce défilé de paysages, d’ambiances sonores, le tout en parfum d’aventure. Un road-movie sans terminus. Où l’on croise des accords sixties aux nineties, sortis droit de son eldorado puis l’amour en ville, aperçu par la fenêtre des souvenirs.

Chacun de ses titres pourrait être un petit bout du scénario de son album. Autodidacte, il conçoit la musique en artisan. Une fabrique où il mêle les sons et les mots « à la mano ». Il sourit d’entendre parfois sur ses maquettes les bruits de la maison de famille. Son studio est ouvert sur le salon. La musique forme une fratrie. La même depuis des décennies. S’il écrit et compose en solitaire, Julien s’entoure pour mixer, arranger, illustrer les sons en images et laisser les amis, nourrir son projet de leur créativité. Sur cet opus, Yann Arnaud (La Maison Tellier, Olivier Marguerit, Sammy Decoster) tient les manettes du mixage et Dino Trifunovic (compagnon de route d’Alister) s’attelle à la coréalisation. Pour Julien, l’amitié musicale, c’est aussi ensemble arpenter les salles de concert et parler musique à travers les âges, chiner des vinyles... 

L’artiste aime ajuster les mots, ouvrir le champ des libertés. Et dans le flou du Mirage ou de la Brume, créer la musique d’un film. Alors on laisse son esprit vagabonder et la magie opère.

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(Photo : Alexis Barbera)

Interview :

Pourquoi as-tu placé ton ancien pseudo dans le titre de ton album ?

Il y a évidemment un aspect symbolique. Même dans les albums de ZO, je signais mes chansons de mon vrai nom. Là, j’ai décidé de remettre Julien Belliard en premier. J’ai l’impression de boucler une boucle en évoquant ZO dans le titre.

Tu te cachais derrière le personnage ZO ?

C’est possible, mais c’était de l’ordre de l’inconscient.

Ce nouvel album sur l’errance se réfère-t-il uniquement au livre de Raymond Depardon, Errance

Non, mais c’est vrai qu’en tombant sur ce livre magnifique, ça m’a conforté dans l’idée d’écrire sur ce thème-là. Je suis très sensible à la figure de style du road show. Des films comme Stranger Than Paradise de Jim Jarmush et Paris, Texas de Wim Wenders ont toujours été présents dans mes inspirations. J’essaie aussi de faire en sorte que mes chansons aient un esthétisme à la Twin Peaks de David Lynch, une série qui a mille portes d’entrées.

C’est exactement ce que j’ai ressenti en écoutant tes nouvelles chansons. Je m’y suis perdu souvent.

La définition du  mot « errance » est intéressante puisqu’il s’agit d’errer sans but et sans fin. Ça me donne une sensation de liberté forte dans la création. Mes chansons sont libres de lieux de vie.

Clip de "Cette fenêtre", réalisée par Adrien Heinz / Danseuse : Alice Kinh.

Quand tu écris, tu es dans quelle condition psychologique ?

Je joue entre concentration et déconcentration. C’est très étrange. Je commence à travailler un morceau, puis je fais totalement autre chose la minute d’après. Le quart d’heure suivant, je reviens sur le morceau. J’ai procédé ainsi pour ce disque en tout cas.

Il y a 10 chansons dans ton album. A l’ancienne quoi !

C’est un exercice de style que je m’impose. J’essaie d’avoir une thématique, de la travailler, de trouver quelles directions prendre… ça se fait de moins en moins aujourd’hui. On marche plus à coup de singles ou d’EPs. Pour ma part, je veux produire des disques où il faut faire l’effort d’écouter du premier au dernier morceau. J’aime qu’on écoute un disque comme un lit un livre. Parfois, on accroche peut-être moins, mais on fait l’effort d’aller jusqu’au bout. Quand on sort d’un format long, je trouve que le ressenti émotionnel marque plus.

Clip de "Le mirage", réalisé par Adrien Heinz / 2019.

Il y a déjà trois clips de tes nouvelles chansons, "Le mirage", "Cette fenêtre" et "L'autre hémisphère".

Sur ce disque, j’ai pris beaucoup de plaisir à mettre en images mes morceaux. Mon écriture est de plus en plus inspirée par des mouvements cinématographiques.

Te sens-tu appartenir à une famille musicale française ?

Pas vraiment. J’ai écouté des choses assez diverses, mais je n’ai pas l’impression d’avoir une famille type qui ressort de musique chantée en français. J’ai du mal à me projeter dans une famille très poésie, ou très folk, ou très pop, ou très rock, ou très chanson…

Personne ne trouve grâce à tes yeux en France ?

Je n’ai pas dit ça! Il y a beaucoup de gens que j’aime. Dominique A, Mano Solo et Gainsbourg, par exemple. Dans un registre plus rock, j’ai toujours été touché par l’écriture de Romain Humeau. J’aime aussi beaucoup les premiers albums de Franck Monnet, La  Maison Tellier et Ludéal. Tu vois, le spectre de mes goûts est large. Il y a un lien entre tous ces artistes, c’est qu’il y a une recherche de poésie dans l’écriture.

Clip de "L'autre hémisphère", réalisé par Adrien Heinz. Comédienne : Maika Louakairim. Comédien : Augustin Passard.

Je sais que tu aimes beaucoup les livres de poésie.

J’ai beaucoup lu Arthur Rimbaud, Tristan Corbière, le Comte de Lautréamont, Charles Cros, Jacques Prévert... Quelque part, il a dû m’en rester quelque chose. En cette période de confinement, ça m’a traversé l’esprit d’écrire des poèmes sans musique.

Parlons de ta pochette très originale.

On y a voit un chardon avec une longue tige qui s’entrelace. J’avais envie d’une interprétation de la thématique de l’album, mais vu par quelqu’un d’autre. J’ai rencontré Valentin Abad du studio de création Akatre et, du coup, c’est ce studio qui m’a fait quelques propositions. Celle-ci m’a beaucoup plu parce que c’est une œuvre en soi et elle passera le temps.

08 avril 2020

Tom Poisson : interview pour Se passer des visages

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(Photos : Ayumi Moore Aoki)

tom poisson, se passer des visages, interview, mandorTom Poisson a peaufiné ses 10 nouvelles chansons en tournée pendant près de deux ans avant de nous les offrir sur son nouvel album Se passer des visages. 10 petits bijoux "chanson pop" finement ciselés. Je le suis depuis le début de sa carrière (quelques mandorisations, seul ou avec Les Fouteurs de joies) et force est de constater qu’il est comme le bon vin. Il vieillit bien avec le temps. Assurément, le cru 2020 est sa meilleure cuvée.

Confinement oblige, nous avons réalisé cette interview par téléphone en fin de semaine dernière.

 

Son site officiel.

Sa page Facebook.

Pour écouter le disque Se passer des visages.

Ce qu'en dit Sylvain  Siclier dans Le Monde du 5 avril 2020: 

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Argumentaire de presse officiel, par Arnaud de Vaubicourt (mais légèrement écourté) :

Se Passer des Visages pourrait bien être l'album qui, paradoxalement, impose le faciès de Tom Poisson comme indispensable en 2020. Plus de quinze ans après le début de sa carrière, ce nouvel opus est en effet un recueil de chansons qu'il distille à visage découvert. Non pas que Tom Poisson ait nagé en eaux troubles jusqu'alors, mais ces titres éclairent la personnalité de l’artiste d'un halo assez nouveau. Les thèmes abordés ici, la violence conjugale (« Trois Bleus de Plus »), le drame des migrants (« Se Passer des Visages ») ou l'émancipation face à nos propres démons (« Ma Peur ») forment l'architecture de ces chansons, qu'il déploie sur des airs parfois légers, sautillants, où la mélodie semble alléger la profondeur des textes.

Des teintes sombres s'y profilent alors. Et comme il n'y a pas d'ombre sans lumière, le chanteur y imprime aussi une sensibilité galvanisante. Celui qui "faisait des chansons" en 2004 les vit dorénavant. Il les habite pleinement. C'est à ce titre que ce nouveau disque saute tout de suite aux oreilles comme un album intimiste dans lequel on se sent immédiatement inclus, invité, pris par la main. Dévoiler une peau neuve implique de se confronter à la réalité. Alors, lorsqu'il ne chahute pas avec son groupe Les Fouteurs de Joie, Tom Poisson se présente en live dans une formule plus intimiste, aux côtés de Paul Roman, dans un spectacle baptisé 2+1* - 2 hommes & 1 micro.

En filigrane de l'album, les mélodies, les guitares, arborent une simplicité, une épure qui séduit d'emblée. Les arrangements laissent alors la part belle aux motifs plus complexes, agencés par Tom Poisson et ses acolytes Alexandre Léauthaud et Fred Pallem. Ce travail d'orfèvre ouvre aussi la voie à des gimmicks synthétiques (14 ans plus tard) qui servent la rythmique avec entêtement. Au final, si se passer des visages est une option, et parfois une nécessité, se passer de ces dix chansons de Tom Poisson devient difficile dès la première écoute.

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(Photo : Ayumi Moore Aoki)

tom poisson,se passer des visages,interview,mandorInterview :

Ton premier album est sorti en 2004. Tu as donc 16 ans de carrière en solo, avec Les fouteurs de joie et tes projets « jeune public ». Tu es en permanence dans l’action.

J’ai toujours les mains dans le moteur parce que je n’ai jamais connu une autre manière d’envisager mon métier. Je n’ai jamais été signé par une grosse maison de disque qui m’a pris en main en me facilitant la tâche. Tant mieux parce que c’est ma petite entreprise. Elle me permet de varier les plaisirs. Je n’aurais pas pu me contenter de la casquette de chanteur et vivre ainsi : faire un album, une tournée, refaire un album, refaire une tournée… J’aurais vite tourné en rond. J’essaie de trouver des formes différentes pour continuer à m’amuser de l’intérieur. Mes projets ont la chance de fonctionner à une échelle qui me convient. Même si je ne suis pas dans les grands médias, j’ai la chance d’être toujours sur la route... et c’est déjà précieux.

Tu prends juste du plaisir avec ces matières que sont la musique et la chanson.

C’est exactement ça. Ça fait du bien d’avoir des projets différents et des implications différentes dans chaque projet. Ça te donne de l’air frais et ça t’évite de trop te regarder le nombril. Je fais ce métier avant tout pour trouver du partage. L’existence est tellement courte que le partage est mon moteur.

Clip de "De loin", réalisé par François Berdeaux.

Alexandre Léauthaud, autre Fouteur de joie, et Fred Pallem t’ont aidé pour les arrangements.

J’ai écrit toutes les chansons et j’ai impulsé toute cette énergie totale acoustique. Fred et Alexandre, qui sont comme deux frangins, ont arrangé certaines chansons. Alexandre a été musicien, arrangeur et surtout réalisateur de l’album puisqu’il a fait les prises de son et le mixage. Fred a passé une dizaine de jours avec nous et a pris à son compte les chansons les plus orchestrées.

Tu as testé tes nouvelles chansons lors de ton spectacle 2+1 avec  Paul Romain.

Je voulais trouver une dynamique scénique à ce projet. En les portants sur scène, ça m’a permis de les patiner et de les affiner.

En tout il y a avait 16 titres et tu n’en a gardé que 10.

Dans le propos et dans la forme, il ne fallait pas que ce soit redondant.  Du coup, je pense que ça ne l’est pas et je trouve qu’il y a une cohérence entre toutes les chansons.

Clip de "Trois bleus de plus", réalisé par Fernando De Azevedo.

Tes chansons sont fines et loin d’être lisses.

J’essaie de les rendre pertinentes et percutantes en fonction de l’angle de tir. Il y a une chanson sur une rupture, une sur le temps qui passe, une sur les migrants, une sur les violences conjugales. Le sujet abordé n’a d’intérêt qu’à partir où on choisit le bon angle pour raconter.

Tu ne parles plus beaucoup de toi dans ce disque.

Raconter ma vie ne m’intéresse pas, beaucoup moins qu’avant en tout cas. Je ne décide pas vraiment des thèmes qui vont se dessiner dans mes chansons. Au début, je trouve un gimmick, un mot qui amène une phrase qui amène un thème. Ma façon d’écrire est un peu impressionniste et intuitive.

"Les gifles",version à la maison pendant le confinement. 

Ton écriture a changé. Elle est devenue plus poétique.

Le musicien aussi a changé et le chanteur également. Certains artistes ont une immédiateté à 25 ans. Dans mon cas, c’est comme un puzzle, assez long à faire mais qui vaut sûrement le coup de voir terminé. La vie, les épreuves, le travail nous font grandir, cela se ressent forcément dans ce que l’on peut produire. Et puis, j’aime donner aux choses le temps de voir le jour sans force volontarisme. Je suis lent dans un monde qui va vite. C’est comme suivre un long parcours sensuel jusqu’à sa propre voix/voie.

Du coup, tu as mis longtemps à te trouver en tant que chanteur ?

J’ai mis du temps à trouver mon identité vocale. Au début, je ne faisais pas ce métier pour devenir chanteur. Mon premier album, en 2004, s’appelait Tom Poisson fait des chansons pour bien signifier que c’était le côté artisanal qui m’intéressait. Je me disais que livrer des chansons comme Brassens le faisait suffisait. Pas dans mon cas. Je le répète, j’ai dû passer par un long cheminement pour trouver ma voix de chanteur.

"Ma peur", version à la maison pendant le confinement. 

Il y a deux duos : « Les fantômes » avec Laurence Jaillet et « La chanson » avec Clio.

Laurence Jaillet est une chanteuse en reconstruction musicale. Elle avait un projet il y a quelques années et elle a envie de revenir. C’est une très belle personne et une très bonne chanteuse, c’est pour ça que je suis allé la chercher. Quant à Clio, elle est top. Je suis impressionné par son deuxième album. Les gars qui l’ont réalisé ont été vraiment malins. Ca l’a modernisé sans la pervertir, le tout en rendant justice à sa plume.

Tu es content de cet album ?

C’est la première fois que je suis hautement satisfait d’un disque. Je le trouve dense. J’assume parfaitement la forme poétique utilisée qui, je l’espère, n’est pas hermétique. L’auteur, le compositeur et le chanteur que je suis se sont enfin rejoints.

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(Photos : Ayumi Moore Aoki)

03 avril 2020

Bon Air : interview pour l'album Sauvage

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(Photo : Boby)

bon air,gaëtane abrial,guillaume farré,the mellow,sauvage,mandor,interviewDu duo Bon Air, c’est d’abord Gaëtane Abrial que je connaissais. Je me souvenais de ses prestations en 2007 à la Nouvelle Star (éliminée en demi-finale, se classant 3e après Tigane et Julien Doré, le futur gagnant de cette édition). L'année suivante, elle avait sorti un album aux accents pop-folk, Cheyenne Song, produit et composé par André Manoukian, l'un des jurés du télé-crochet. Joli succès d’estime, mais pas de récidive. En 2010, elle commence à se produire avec son compagnon, Guillaume Farré, sous le nom The Mellow. En 2015, le duo change de nom et choisit Bon Air. Voilà pour le rapide historique.

Passons au présent. Le 28 février dernier est sorti leur premier album, Sauvage réalisé par Talisco, mandorisé là). Un album pop/folk à la fois lumineux, dansant, souvent émouvant, aux mélodies d’une redoutable efficacité.

Le 11 mars dernier,  peu de temps avant le confinement, nous nous sommes retrouvés dans un bar de la capitale pour une première mandorisation.

Le site officiel.

La page Facebook officielle.

Pour écouter l'album Sauvage.

bon air,gaëtane abrial,guillaume farré,the mellow,sauvage,mandor,interviewArgumentaire de presse (très raccourci) :

Il n’existe pas d’autres frontières que celles que l’on s’impose. Tel pourrait être le credo de Bon Air, un duo qui fait le grand écart entre son Sud-Ouest natal et sa Nouvelle-Zélande d’adoption. C’est chez eux, à Guéthary, qu’une partie de l’inspiration de ce nouvel album est née. L’autre source se trouve à 20 000 kilomètres de là, dans cette Nouvelle Zélande où débutait il y a huit ans l’aventure humaine et musicale de Gaëtane et Guillaume. Un territoire sauvage, si loin de chez eux et en même temps si proche de leur style de vie de nomade. Partir au bout du monde pour retourner à l’essentiel. Into the wild, autour et en soi.

Cet album est une fresque, un voyage émotionnel, avec textes en anglais bon air,gaëtane abrial,guillaume farré,the mellow,sauvage,mandor,interviewet en français, des jeux de textures et de tonalités, des modes majeurs, mineurs, calés sur les battements du cœur C’est au Manoir, en toute liberté, dans des conditions quasi live et épaulé par le sorcier des studios Talisco, que Bon Air a poli ses pépites pop-rock : On y retrouve leur univers indie-pop, épicé de déchirures électriques, de caresses électro, de chœurs qui claquent comme des tambours tribaux. Les guitares acoustiques posées en avant, mais pas que. À l’instar d’une fratrie comme Angus et Julia Stone ou d’un couple des seventies comme les vibrants Richard et Linda Thompson, Gaëtane et Guillaume ont, eux aussi, trouvé l’alchimie, cette symbiose entre deux personnes qui abolit les frontières. Quelles que soient les planches qu’il foule, Bon Air souffle chaud sur les productions pop-folk actuelles.

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(Photo : Boby)

bon air,gaëtane abrial,guillaume farré,the mellow,sauvage,mandor,interviewInterview :

Ça fait déjà 10 ans que vous chantez ensemble.

Gaëtane : Au début, nous nous sommes produits en Nouvelle-Zélande et on a été surpris de l’engouement des gens. On était là-bas surtout pour voyager, s’inspirer, mais on ne pensait pas jouer au point que cela devienne notre gagne-pain.

De retour en France, avant de monter le projet Bon Air,  il y a eu le duo The Mellow.

Guillaume : On a fait deux EP. L’un en 2012, Shelter, et le second, Seasons, en 2015. C’était un nom trop anglais, les gens ne comprenaient pas trop la signification.

Gaëtane : On a fini par se rendre compte que ce nom ne nous correspondait pas. On a donc choisi Bon Air. A Guétary, là où nous habitons, toutes les maisons ont un nom. Une s’appelle ainsi et on a trouvé que ça nous correspondait bien.

"De quoi j'ai l'air" en version acoustique.

Au début, vous chantiez en anglais. Cet album est en français, avec parfois de courts passages en anglais.

Gaëtane : Nous sommes rentrés de Nouvelle-Zélande il y a 9 ans. Nous nous sommes complètement réappropriés notre langue et notre culture française aujourd’hui... il était temps de le montrer.

Guillaume : Je t’avoue que, pour moi, chanter et écrire en français est une vraie découverte. C’est Gaëtane qui a commencé à écrire la première chanson en français, « De quoi j’ai l’air », qui est présente sur l’album. Je n’avais presque jamais chanté en français et ça m’a fait bizarre.

Oui parce qu’on ne chante pas de la même façon selon la langue.

Guillaume : En anglais, il y un léger marmonnement, alors qu’en français on articule beaucoup plus. Et puis j’ai l’accent du sud-ouest quand je parle, j’avais peur de faire trop Cabrel en chantant en français (rires).

Gaëtane : Textuellement, on a toujours autant fait attention aux textes en anglais qu’en français, mais il est clair que chanter en français à tout changé avec le public. Le retour des gens est plus intense, plus profond, depuis qu’ils comprennent les paroles.

"Aventurier", en version acoustique.

Vous vous êtes toujours sentis artistes ?

Gaëtane : Toujours. Pourtant, dans ma famille personne ne fait de la musique, même si elle en écoutait beaucoup. Depuis toute petite, je savais que j’allais faire de la musique. C’est très profondément ancré en moi, mais c’est impossible à expliquer.

Guillaume : Mes parents avaient beaucoup de 33 tours de musique américaine. Ma mère est suédoise. A 12 ans, j’avais une guitare et avec elle, je déchiffrais les paroles de Bob Dylan ou d’autres song writers. La musique était une passion. Quand j’ai commencé à voyager, elle m’a permis de partager et de faire beaucoup de rencontres. C’est un sacré lien social !

Avoir un premier album, c’est important pour vous ?

Gaëtane : Nous continuons notre chemin tranquillement. Ces dernières années, nous faisons presque 100 concerts par an, donc nous sommes déjà très contents de notre sort. Cet album est juste une continuité. Bon, j’avoue, le voir en vrai est émouvant. C’est quand même le symbole de deux ans de travail.

Vous avez créé Sauvage en  toute liberté.

Gaëtane : On ne peut pas travailler si on n’a pas une totale liberté. Nous avons été très impliqués dans toutes les étapes de la création de ce disque.

Clip officiel de "Sauvage". Réalisation / Photographie : Valentin Duciel. Co-réalisation : Gaëtane Abrial. Assistance photo : Maya Erba. Production exécutive : Konsu Agency (Wesley Wilquin).

C’est vous qui avez demandé à Talisco (Jérôme Amandi) d’amener sa pierre à votre édifice ?bon air,gaëtane abrial,guillaume farré,the mellow,sauvage,mandor,interview

Gaëtane : Oui. Quand on a écouté ses disques, on a su que c’était un son comme ça que nous voulions. On aimait l’âme et l’énergie que dégagent la musique de Talisco. Quand on a pris la décision d’amener nos chansons plus loin en sortant de notre binôme, il s’est imposé à nous. Un regard extérieur et faire évoluer notre musique étaient primordial. Nous l’avons contacté et ça a collé entre nous. On le remercie parce que c’est la première fois qu’il collabore avec quelqu’un.

Guillaume : Nous voulions des sons un peu tribaux qui nous permettent de danser en rond (rires). On a enregistré les chansons en deux fois une semaine dans une vieille maison avec un studio de 100 m2 de manière la plus live possible.

Gaëtane : Nous avons travaillé vraiment main dans la main. Chacun amenait ses idées et nous en discutions. Talisco, Guillaume et moi sommes trois pointilleux et exigeants, donc nous avons beaucoup  échangé, testé… c’était hyper intéressant. Talisco est quelqu’un de très franc et droit, beaucoup dans la communication, donc tout était clair et sain entre nous. C’est un vrai bonheur de faire un disque dans ces conditions musicales et humaines.

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(Photo : Boby)

bon air,gaëtane abrial,guillaume farré,the mellow,sauvage,mandor,interviewDans vos chansons, comment vous vous distribuez vos temps de chants respectifs ?

Gaëtane : On chante beaucoup à deux dans les refrains. Sinon, on fait de la musique ensemble depuis tellement longtemps que le partage des chants vient naturellement.

Vous écrivez et composez tous les deux ?

Guillaume : Oui, mais chacun de notre côté. Une fois que quelque chose nous plait, on le propose à l’autre qui peut très bien se permettre de corriger pour parfaire la chanson.

Quand est-ce que vous savez quand une chanson est bonne ?

Gaëtane : J’ai besoin d’être émue et même d’avoir les poils au moment où je fais la chanson. Au stade d’ébauche, il faut que je sois touchée, sinon, je laisse tomber.

Guillaume : Moi, ce n’est pas pareil. Je pars d’une idée ou d’une émotion.

Vos chansons pop sont solaires.

Gaëtane : S’il y a parfois un fond de mélancolie, nous faisons en sorte que nos chansons soient toutes lumineuses. Nous sommes comme ça dans la vraie vie. Bon Air, ce n’est pas un projet, c’est une partie de nous au quotidien. Nous sommes des épicuriens et j’espère que cela s’entend dans nos chansons.

En quoi cet album vous ressemble ?

Gaëtane : Il nous représente totalement car il correspond complètement à notre mode de vie. Notre préoccupation première n’est pas tant la musique que la volonté de vivre dans l‘instant, en fonçant tête baissée vers cette vie sauvage.

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Le 11 mars 2020, après l'interview.

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01 avril 2020

Acquin : interview pour l'album Bareback

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(Photos : Selena Fontaine)

Acquin-619bySelenaFontaineweb.jpgAprès un premier EP en 2016, Choix Esthétiques, Acquin vient de sortir son premier album, Bareback. Neuf chansons poétiques, tourmentées et profondes réalisées par Frédéric Lo (mandorisé là) aux sonorités pop-rock et aux accents queer. Ce disque-là est mon coup de cœur de ces quatre premiers mois de 2020. Musicalement et textuellement, je me prosterne.

Le 6 mars dernier,  je lui ai donné rendez-vous dans un café de la Gare du Nord.

Son site officiel.

Sa page Facebook officielle.

Pour écouter l’album Bareback.

Interview très intéressante (et complémentaire de celle-ci) pour Idoles Mag.

Biographie officielle :Acquin-617bySelenaFontaineweb.jpg

Chanteur, pianiste, auteur-compositeur C'est d'abord par une formation classique que le petit Acquin, à l'âge de quatre ans, fait ses premiers pas au violon par la méthode Suzuki. Puis il rejoint le conservatoire Gabriel Fauré à Paris à l'âge de 8 ans où il poursuit ses études de solfège et d'instrument avec l'enseignement de Hratchia Haroutunian. Il se produit avec l'orchestre inter-conservatoire dans différentes salles parisiennes dont notamment la salle Gaveau où il accompagne l'altiste soliste Yuri Bashmet. Il poursuit ses études musicales au CNR de Lyon où il se perfectionne en harmonie. En parallèle de cet apprentissage de la musique classique, il s'initie en autodidacte aux rythmes pop/rock…

IMG_5917.JPGArgumentaire de presse :

Loin des chansonniers, Acquin (comme coquin, taquin, parisien, baldaquin, Saint Thomas d’Aquin ?) lorgne plus du côté post-punk eighties et rock du genre, à l’empreinte musicale forte, tourmentée et ciselée. Sous une parure aux élégances rock, il délivre ses chansons sombres et distantes. Leur écoute sera au choix clinique, esthétique ou ironique. C’est selon. A travers une esthétique narrative et distanciée, la trame générale de Bareback dépeint et savoure différentes expériences de vie, de violences, de méandres amoureux, venant occuper l’existence et pallier son inquiétante absurdité. Cet album, continuité d’un premier EP Les Choix Esthétiques, d’une expérience live, et de la rencontre avec Frédéric Lo, s’inscrit dans une filiation avec l’album Crèvecoeur de Daniel Darc.

Des textes sombres et élégants qui collent avec la douce pop proposée.” ROCK & FOLK

Bareback n'affirme rien et préfère au contraire suggérer dans un spoken word déroutant et un bel art du contrepoint. Un disque tendu, bipolaire et caractériel.” MAGIC

Il y a une filiation avec Daniel Darc tout en ayant une singularité et une pertinence dans l’écriture des compos. J’ai aussi trouvé un lien avec Mendelson, le label Lithium, Burger et Biolay. Les textes sont étranges, avec quelque chose d’hors format. On retrouve la culture du musicien classique qui se met à l’écriture de la chanson.FRÉDÉRIC LO

« Jouissives et inhabituelles chansons, en ces temps aseptisés, sachant chanter gaiement le désir et le sexe, les bars de nuits et l’oubli. » TELERAMA (3 clefs).

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(Photo : Selena Fontaine)

IMG_5898 (3).JPGInterview :

Est-ce ce que c’est ton parcours musical « classique » qui t’a permis de sortir des chemins balisés de la pop française ?

C’est dur de répondre à cette question. Il y a un côté « avoir su pour oublier ». Mes connaissances, je ne les utilise pas, mais je ne sais pas si c’est volontaire ou non. L’harmonie dans la musique classique n’a pas bougé depuis Bach,  nous sommes nombreux à tenter de faire évoluer les curseurs.

Avant ton projet Acquin, tu as joué dans des groupes ?

Oui, je faisais de la basse dans un groupe rock avec des potes. A l'époque, je ne chantais pas encore. J’ai mis du temps à m’autoriser à composer des morceaux et à écrire des textes.

Clip de "Gender bender", extrait de l'album Bareback.

Quand as-tu décidé de t’y mettre sérieusement ?

J’étais en colocation avec quelqu’un qui avait un piano, donc je m’y suis mis. Je composais des chansons. Disons que c’était de la chansonnette. Beaucoup de mes premières créations sont restées secrètes jusqu’au moment où une m’a plu, puis une deuxième, puis une troisième… bref, un gars à qui j’ai fait écouter ces chansons me fait connaitre Maxime Lunel qui avait le studio Mastoïd à Pantin. C’est là que j’ai fait mon premier EP, Choix Esthétiques. Avec ce disque, on a fait des petites scènes à Paris.

Comment as-tu contacté Frédéric Lo pour travailler avec lui pour ton premier album?

J’avais tellement aimé son travail sur l’album de Daniel Darc, Crèvecœur, que je rêvais qu’il accepte de réaliser mon album. Je l’ai contacté sur Facebook. Il n’a pas répondu la première fois. J’ai récidivé et il a fini par me demander de lui envoyer des maquettes. Il les a écoutés et les a aimés. A ce moment-là, on a décidé de se rencontrer.

Ça t’a fait quoi de te retrouver avec lui dans son studio ?

C’était émouvant. Etre là où avaient enregistré Daniel Darc et tant d’autres…

Live Session de "Bareback", tiré de l'album Bareback, au Studio Mastoid, à Pantin. Guitare : Olivier Legall. Basse : Stéphane Mugnier. Batterie : Thomas Chalindar.

Acquin-583-bySelenaFontaineweb (2).jpgComment as-tu découvert l’album Crèvecoeur ? (Après la mandorisation d'Acquin, en bonus, mon interview de Daniel Darc en 2004 à l'occasion de la sortie de cet album..)

C’est un pote qui me l’a fait découvrir en 2012 après lui avoir fait écouter des maquettes. Il y trouvait un rapprochement. Après, j’espère qu’il ne m’a trop influencé dans ce que je fais aujourd’hui… On ne se rend jamais bien compte comment on peut être influencé par les autres.

Mélodiquement, tes chansons sont d’une efficacité redoutable.

Merci. Pourtant, j’aime que mes chansons soit sur un fil un peu casse gueule : je cherche toujours la frontière infime entre le kitsch, le raté et le réussi.

Quand tu me parles, tu n’as pas la même voix que quand tu chantes et ta personnalité ne correspond pas à ce que je m’étais imaginé en écoutant tes chansons. C’est très troublant.

On me le dit souvent (rires). Mais je n’ai pas l’impression de mentir. Il y a un côté plus sombre dans mes chansons, alors que je ne suis pas un grand mélancolique dans la vie. Je montre une part noire de moi-même, mais que l’on pourrait éventuellement trouver drôle.

Live session de "Groupe", tiré de l'album Bareback, au Studio Mastoid à Pantin. Guitare: Olivier Legall. Basse: Stéphane Mugnier. Batterie: Thomas Chalindar.

Si je te dis que tu es le Bret Easton Ellis de la chanson ?

(Rires) Je comprends que tu me dises ça, mais je tiens a rassuré tout le monde, je ne découpe personne en morceaux, comme dans American Psycho. Je ne cherche pas le décalage entre mon physique et ce que je chante, mais tant mieux s’il existe. En tout cas, je ne vais pas me créer un personnage parce que je n’ai pas envie de faire faux.

Tu évoques des histoires d’amour un peu borderline et non genrées ?

Oui, et en même temps, je ne cherche pas à être trop explicatif. Quand ça commence à être trop précis, j’aime moins. J’écris comme on fait de la peinture. Quand je crée une chanson, je commence toujours par la musique. Très vite un mot arrive, puis un autre, et la chanson commence à prendre forme. Rien n’est organisé, c’est à l’instinct phonétique que tout démarre.

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Pendant l'interview...

Ce sont des histoires vraies ?

Beaucoup de ce que je raconte vient de situation vue, entendue, racontée et ensuite, j’ai un peu transformé pour universaliser les histoires. Mes chansons sur le désir ne sont pas dans le militantisme.

Tu es content de cet album ?

Ca dépend des jours. Heureusement que j’ai travaillé avec un réalisateur sinon, je n’aurais jamais terminé le disque. Je pourrais modifier des choses à l’infini. Je ne peux pas être entièrement satisfait de cet album, sinon, je ne pourrai rien faire après.

Et qu’en pense Frédéric Lo ?

C’est quelqu’un de très réservé. Il m’a fait penser à mon ancien prof de violon qui lorsqu’il disait que c’était bien, ça voulait dire que c’était bien. Frédéric m’a juste dit : « c’est un beau disque ».

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Après l'interview, le 6 mars 2020.

Bonus: En 2004, j'ai rencontré Daniel Darc à l'occasion de la sortie de son album Crèvecoeur  (dont il est question dans cette mandorisation) pour le magazine L'hebdo (l'hebdomadaire des magasins Virgin). Je n'avais jamais publié cette interview chez Mandor. L'occasion était belle...

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30 mars 2020

Gemma : interview pour son second EP

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(Photo : Léa Tartière)

Gemma est apparue en 2015 avec un premier EP,  Juste après. Remarquée par France Inter et une partie de la profession. Personnellement, j’étais un peu passé à côté, mais à l’écoute de ce deuxième EP éponyme, j'ai été conquis immédiatement. De la pop moderne avec de jolis textes, parfois un peu grinçants, ce n’est pas notre lot quotidien. Sa sensibilité m’a beaucoup parlé.

Nous nous sommes attablés dans un bar de la capitale le 25 février dernier pour une première mandorisation qui, je l’espère, ne sera pas la dernière.

Sa page Facebook officielle. 

Pour écouter l'EP.

gemma,estelle  bruant,ep,interview,mandorArgumentaire de presse :

Gemma aime la pluie, les longues soirées d’hiver, les rendez-vous ratés et les explications inutiles.
Gemma n’aime pas le vide, le bruit, les odeurs d’essence et le mépris.
Gemma aime donner du sens aux aléas, aux détails du quotidien, aux silences entre deux mots, et à la musique des songes.

Gemma a séduit Didier Varrod et Valli sur France Inter, a joué devant Benjamin Biolay et Gaëtan Roussel, Alex Beaupain et Jeanne Cherhal.

Entre la liberté et le carcan sociétal, entre le désir d’être entendue et l’envie de se taire, Gemma écrit, compose et interprète un nouvel EP réalisé par Olivier Lude (Vanessa Paradis, - M-, Catherine Ringer, Johnny Hallyday, Yodelice...), une collaboration née au fil de l’accompagnement fidèle de la Coopérative de Mai, la SMAC de Clermont-Ferrand.

L’EP :gemma,estelle  bruant,ep,interview,mandor

En six titres étincelants et grinçants, habillés de musiques urbaines et de pop fragile, GEMMA parle du narcissisme maladif de notre société (« Les Autres », single partagé et co-écrit avec le chanteur et comédien Pierre Rochefort), de sentiments contrariés et d’amours inoubliables (« Jamais mieux que toi »), une touchante et désarmante légèreté de l’être traduite également en langue des signes, dans un spectacle pour personnes sourdes et malentendantes. 

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(Photo : Léa Tartière)

gemma,estelle  bruant,ep,interview,mandorInterview :

Quel est ton cursus professionnel ?

J’ai eu une formation en violon et en piano au Conservatoire de musique jusqu’à l’âge de 16 ans. Ensuite, je me suis mise à la guitare et j’ai commencé à composer mes premières chansons vers 20 ans. Parallèlement, j’ai fait des études assez longues, ce qui fait que je ne me suis pas focalisée sur la musique. J’ai un DEUG en Lettres et en art du spectacle. J’ai aussi une maîtrise en science du langage et j’ai suivi les cours Florent. Enfin, j’ai passé un master de médiation culturelle à Clermont-Ferrand. Ça fait cinq ans que je suis devenue plus professionnelle dans le milieu de la musique grâce à un concours de France Inter qui m’a permis de me faire remarquer par des professionnels. Sinon, à côté de ça, je suis prof d’éducation socio-culturelle. Ça reste dans l’artistique.

Tes parents t’ont-ils éduqué musicalement ?

Dans ma famille, à part moi, personne ne fait de la musique. Le Conservatoire, c’est un choix personnel. Mes parents ne m’ont pas incité à le faire. A la maison, ils écoutaient beaucoup de variété comme Souchon ou Goldman. De moi-même, à l’adolescence, je suis allée vers Jacques Brel, Charles Aznavour et Barbara. J’étais aussi très rock, Bob Dylan, Nirvana, Gun’s N Roses… J’aime aussi beaucoup William Sheller, Stephan Eicher et Véronique Sanson. Bref, plus jeune, j’étais rock et chanson française.

"Jamais mieux que toi", tiré du deuxième EP de Gemma. Ceci n'est pas un clip, mais une séquence vidéo expérimentale. 

Je sais qu’aujourd’hui, textuellement, tes préférences vont vers le hip hop.

Les rappeurs sont très doués. Oxmo Puccino et Orelsan ont des textes qui font réfléchir. C’est très riche.

Ce  deuxième EP est extrêmement bien réalisé. Il a un son d’aujourd’hui que j’apprécie beaucoup.

A la base, j’écris en piano-voix, mes chansons sont donc très acoustiques. Pour ce disque, je voulais des arrangements en phase avec ce qu’il se fait aujourd’hui. C’est La Coopérative de mai à Clermont Ferrand qui m’a mis en lien avec Olivier Lude, un ingénieur du son qui  a travaillé avec des artistes majeurs français. Lui-même m’a mis en lien avec d’autres arrangeurs. A trois, ils ont fait les arrangements de mes chansons piano-voix. Si cet EP pop chanson française trouve son public, l’idée est que nous nous retrouvions tous plus tard pour faire un album.

En écoutant les textes, j’ai eu l’image d’une femme qui doute, qui vit des histoires d’amour qui ne sont pas très positives.

Tu as bien cerné le personnage. Dans la vie, je crois que l’on tourne tous autour du même thème. Mon thème de prédilection est la rupture, mais la rupture au sens large du terme. Autant la rupture amoureuse que la rupture avec la société. La rupture de l’être, en fait. Je précise que ce n’est pas lié au fait que j’ai raté mes histoires amoureuses, puisque je vis une histoire qui fonctionne très bien depuis des années. Après, c’est vrai que je suis fragile et que j’ai des doutes. Il n’y a que les cons qui ont des certitudes.

"Déconsidération" (chanson qui ne figure pas sur le 2e EP  de Gemma). Prestation filmée par France 3 Auvergne-Rhône-Alpes (Studio 3).

C’est rare aujourd’hui, mais ton disque n’est pas foncièrement « féministe ».

Un peu quand même, mais involontairement. A partir du moment où on est une femme, il est évident qu’on est féministe. Parfois je parle des hommes dans mes chansons de manière pas très sympathique, mais j’ai conscience qu’ils ne sont pas tous des cons. Toutes les femmes ne sont pas parfaites non plus.

Tu as fait beaucoup de premières parties. Récemment avec Pomme devant 1500 personnes.

Je n’ai jamais fait un concert comme ça. C’est la première fois que je ressentais à ce point-là la force du public. 1500 personnes qui applaudissent, c’est indescriptible. C’est comme un tsunami. Ça réchauffe l’âme.

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Sur la scène de Trois Baudets, le soir de l'interview, le 25 février 2020.

Tu aimes la scène ?

Oui, même si je suis à la base une fille de l’ombre. Ce que j’aime vraiment, c’est écrire et trouver la musique qui va avec. Pour moi, c’est un peu scientifique. C’est comme une équation que l’on est en train de résoudre et à la fin, on a le résultat de notre travail. Dans le cerveau, le solfège se trouve au même endroit que les mathématiques. Ce n’est pas un hasard.

Pourquoi fais-tu de la musique ?

Pour savoir si mes textes peuvent toucher les gens. Si je vois que c’est le cas, je trouve que c’est utile de continuer à me produire sur scène et de faire des disques.

"Les autres" par Gemma et Pierre Rochefort (clip officiel, solidaire et confiné), tiré du 2e EP de Gemma. 

Sur scène, tu es à l’aise. Tu fais même rire le public.

A l’issue des concerts, il y a des personnes qui me disent que je devrais faire du one-woman-show. Comme je ne suis pas à l’aise d’avoir toute la lumière sur moi parce que je suis timide, je compense par l’humour.

Pourquoi te mets-tu en avant si tu es timide ?

L’être humain est ambivalent. C’est bien de l’admettre, ça peut nous aider. Moi, je suis au paroxysme de mon ambivalence. Je suis timide, j’ai le trac, je me demande pourquoi je fais ça, mais j’ai trouvé la réponse. J’aime ça.

Il y a des gens avec lesquels tu aimerais travailler ?

Albin de la Simone, Vincent Delerm ou Alex Beaupain… je les apprécie beaucoup.

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Après l'interview, le 25 février 2020.

28 mars 2020

Sages Comme Des Sauvages : interview pour Luxe/Misère

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Ava Carrère et Ismaël Colombani. (Photos : Claire Delfino)

sages comme des sauvages,ava carrère,ismaël colombani,émilie alenda,osvaldo hernandez,luxe misère,interview,mandorOn a connu le duo Sages comme des sauvages en 2015 avec un premier album qui se situait déjà entre univers tribaux et urbains, Largue la peau. Ava Carrère (chant, guitare, percussions) et Ismaël Colombani (chant, instruments à cordes), tous deux artistes non-conformistes, proposent des chansons folk sans frontières (calypso, rebetiko ou même country), avec toutefois une influence prononcée par le maloya réunionnais. Pour leur deuxième disque, Luxe/Misère, le duo devient quatuor. Osvaldo Hernandez (percussions afro-latines) et Emilie Alenda (basson, clavier, chant) les ont rejoints. Ils signent tous les quatre les arrangements luxuriants et foisonnants, le tout enregistré par le producteur Jean Lamoot (Alain Bashung, Noir Désir, Raphaël, Dominique A...). 

Le 18 février dernier, j’ai rencontré Ava et Ismaël (et leur bébé) dans les locaux de leur label, Zamora Productions.

Leur site officiel.

Leur page Facebook officielle.

Pour écouter l’album.

La chronique du programmateur musical de France Inter, Thierry Dupin.

Argumentaire de presse officiel :sages comme des sauvages,ava carrère,ismaël colombani,émilie alenda,osvaldo hernandez,luxe misère,interview,mandor
Avec Luxe Misère, Sages Comme Des Sauvages signe un album multiple mais constant, un album vert d’eau et jaune fluorescent à bandes réfléchissantes.

Sages Comme Des Sauvages c’est d’abord un grouple (un couple, qui a fait un groupe). Et un grouple a autre chose à faire qu’à chanter des bluettes. De leur point de vue à deux têtes, les auteurs-compositeurs s’inspirent de la maladresse des hommes (« Garçon »), des 8 mois durant lesquels ils ont accueilli deux jeunes Soudanais en partance pour l’Angleterre (« Inattendu »), du suicide dans tout ce qu’il a d’énigmatique (« Quasiment Parfait), des névroses de fond de tiroirs (« Ah les angoisses ») ou du naufrage européen (« Yassou Evropi »). À l’instar du premier album, chaque titre vient avec sa propre ambiance, et Sages comme des sauvages sait qu’une chanson peut être d’autant plus triste qu’elle est chantée gaiement, ainsi le grouple se permet tous les contrastes, toutes les fantaisies stylistiques. De nouveaux instruments viennent rejoindre leur zoo musical, une dombrah du Kazakhstan, une guitare lionne du Mexique, une guitare malgache…

Ainsi sont nées 12 chansons pour parer à la brutalité du monde, pour prendre le maquis, se cacher dans le feuillage et préparer les révoltes à venir. Les espaces sont neufs, mais sonnent pourtant familier. Le poumon sage et sauvage vient souffler aux oreilles attentives de nouveaux refrains qui sauront se rendre indispensables.

sages comme des sauvages,ava carrère,ismaël colombani,émilie alenda,osvaldo hernandez,luxe misère,interview,mandorInterview :

Avant ce duo, ni l’un ni l’autre ne jouait ce genre de musique ?

Ava : J’ai commencé la musique à l’âge de 26 ans. J’ai fait les beaux-arts, donc en musique, j’étais autodidacte. Avant Sage comme des sauvages, je faisais de la chanson qui pouvait être punk, funk ou plus traditionnel. Je ne savais pas jouer d’instrument donc j’en avais des faux, en carton, et je faisais semblant de les utiliser. J’étais plus dans le cabaret.

Ismaël : Pour ma part, j’ai commencé la musique très tôt. J’ai attaqué le violon classique à sept ans, j’ai donc eu une approche académique, mais très vite, j’ai dévié parce que le classique me saoulait. Je me suis donc dirigé vers l’expérimental. Quand j’avais seize ans, je voulais être compositeur de musique electro acoustique. J’étais attiré par la musique contemporaine, voire bruitiste. Ce qui est sûr, c’est que la chanson ne m’attirait pas du tout. Le point commun que nous avions, Ava et moi, c’est qu’on aimait briser les codes de la musique que l'on jouait.

Et quand vous vous êtes réunis, vous avez créé quelque chose qui a fonctionné.

Ismaël : Nous avons beaucoup négocié, mais nous sommes parvenus à un terrain d’entente.

Ava : La somme de nous deux allait beaucoup plus loin que ce que nous faisions chacun de notre côté.

Ismaël : Il y a une chose primordiale, c’est que nos deux voix se sont collées parfaitement et très vite. Nous avons une tessiture assez proche.

Clip de "Luxe misère" tiré de l'album Luxe/Misère.

Chanter en français était une évidence pour vous ?

Ismaël : Ça a été une ouverture immédiate par rapport à ce que je faisais avant. Le public comprend le propos et s’approprie la chanson, ce qui n’était pas le cas dans la musique que je faisais.

Ava : Notre projet Sages comme des sauvages a touché les familles. Les enfants comme les parents aiment ce que nous faisons. Nous avions des projets underground et là, c’est l’exact opposé.

Ismaël : Nous sommes arrivés dans la chanson par les bords. Et depuis que nous faisons de la vraie chanson, à notre façon, certes, nous parvenons à fédérer.

Vous êtes contents que les enfants aussi adorent votre musique.

Ismaël : Nous en sommes très fiers. Dans nos chansons, on évoque aussi beaucoup l’enfance. C’est notre premier Eden.

Ava : Les yeux d’enfants, ce sont ceux par lesquels tu peux toujours voir l’étrangeté du monde avec une certaine distance.

"Rouge colère" extrait de Luxe/Misère (live aux Studios Ferber).

Ce nouvel album s’est fait à quatre, contrairement au premier où vous étiez seuls. Là, vos comparses de scène, Emilie Alenda (basson, clavier, chant) et Osvaldo Hernandez (percussions afro-latines) vous ont aidé.

Ismaël : A deux, c’était hyper bien, mais nous étions peut-être un peu trop dans le côté chanson. Il nous manquait le côté dansant. A quatre, nous captons le public, mais on le fait aussi se mouvoir.

Ava : Avant, nous étions même assis, par nécessité.

Ismaël : Mais en même temps, nous avions développé la parlotte. On parlait beaucoup  entre les chansons et ça tissait des liens avec les spectateurs. Nous cherchions la convivialité. Aujourd’hui, à quatre, il y a un côté super héros. On a l’impression d’être les quatre fantastiques. Chacun à ses supers pouvoirs avec ses instruments respectifs.

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De gauche à droite, Emilie Alenda, Ava Carrère, Ismaël Colombani et Osvaldo Hernandez.

(Photo : Claire Delfino).

sages comme des sauvages,ava carrère,ismaël colombani,émilie alenda,osvaldo hernandez,luxe misère,interview,mandorC’est Jean Lamoot qui a enregistré et mixé ce deuxième album. Comment cela s’est passé avec lui ?

Ismaël : Ce que je trouve génial chez Jean, c’est qu’il s’adapte très facilement.

Ava : Malgré son énorme réputation de producteur, il respectait totalement notre travail et se contentait juste de nous faire des propositions le plus simplement du monde. Il a un côté très pointu dans son écoute, très sûr, mais il reste gentil et doux tout le temps. C’est un bonheur de travailler avec lui.

Ismaël : Tu sens qu’il met la musique au-dessus de lui-même. Il n’a aucun ego. Ce qui comptait avant tout, c’est qu’ensemble, nous faisions de la bonne musique. J’ajoute que c’est un des rares à comprendre la percussion. Nos deux percussionnistes nous ont dit qu’ils avaient rarement rencontré quelqu’un qui plaçait leur instrument à ce niveau-là.

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Pendant l'interview...

Vos textes évoquent la société de manière pas très positives, mais sur de la musique solaire.

Ismaël : Derrière nos chansons sociétales ou politiques, on essaie de voir le cœur des gens.

Ava : Ce qui amènent nos chansons, ce sont les ritournelles que l’on créé pour se soigner nous-mêmes. C’est presque une lapalissade ce que je vais dire, mais la musique joyeuse contrecarre la tristesse.

Ismaël : C’est comme un exorcisme. D’ailleurs, nous jouons comme des sorciers.

Il y a des participations de deux voix exceptionnelles, celle de Kate Stables dans « De l’eau » et Danyèl Waro dans « Le goût de la fumée ».

Ismaël : Ces deux voix sont magiques, chacune dans leur style. Ce que provoque leur voix nous touchent beaucoup. Il y a un côté mystique dans leur façon de chanter.

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(Photo : Claire Delfino)

Vous vous considérez plus dans la chanson française ou dans la musique du monde ?

Ismaël : On fait de la chanson française parce que nos textes sont en français, mais, c’est vrai que nous avons le cul entre deux ou trois chaises. On essaie de trouver une troisième voie qui ne respecte pas forcément les codes de la chanson française.

Vous être un grouple (groupe/couple). C’est être un binôme particulier ?

Ismaël : Oui. Il y a des thématiques que tu vas traiter différemment. Par exemple, c’est un peu compliqué de chanter une chanson d’amour à l’autre ou de chanter les amours déçus… L’introspection, sujet fort en vogue actuellement dans la chanson, c’est aussi hors de question puisque nous sommes deux. En tout cas, travailler à deux permet de se reposer l’un sur l’autre, ce qui crée une dynamique de force renouvelée intéressante.

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Après l'interview, le 18 février 2020. (Et non, vous ne verrez pas la tête de leur enfant.)

23 mars 2020

Miegeville : interview pour l'album EstOuest

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miegevielle,matthieu miegeville,interview,mandor,estouestMatthieu Miegeville n’est pas un débutant. Il dispense depuis vingt ans ses mots aux quatre coins du globe de Pékin à Los Angeles, de Clisson à Casablanca au sein de projets musicaux toujours ambitieux (Psykup, My Own Private Alaska, Agora Fidelio…) souvent issus des musiques dures (rock et metal). Trois recueils de textes ont d’ailleurs aussi vu le jour (L’Enfant du Silence, Si bleu qu’à sa brisure, Là où convergent les points cardinaux), rassemblant une partie de ses écrits.

Amorcé l’an dernier, sa carrière solo a démarré avec un très bon premier EP, Longue Distance avant que n’arrive cet album huit titres, EstOuest. Un disque qui montre toute l’étendue de son talent. Il passe d’un genre musical à l’autre avec une facilité déconcertante. C’est poétique, esthétique, violent ou doux et surtout… urgent !

Rendez-vous aux Trois Baudets, le 13 février dernier, pour faire connaissance avec cet artiste.

Son site officiel.

Sa page Facebook officielle.

Pour écouter son album.

Argumentaire de presse (par Arnaud de Vaubicourt) :miegevielle,matthieu miegeville,interview,mandor,estouest

Dans un monde où il faut absolument tout faire rentrer dans des cases, où le besoin impérieux de coller une étiquette règne, Miegeville fait figure d’électron libre. Si c’est pour Toulouse que son cœur bat, au rythme d’une ville en perpétuelle ébullition culturelle, c’est aux quatre coins du monde que Matthieu Miegeville a jadis posé ses flight cases, en officiant pour des groupes de rock, tendance dure. Et comme le talent protéiforme de cet auteur-compositeur-interprète aime vagabonder, il se met ici à nu avec EstOuest, recueil de huit chansons taillées dans le granit pour ce féru de poésie. Ce premier album a été enregistré durant l’été 2019, avec Serge Faubert aux manettes.

miegevielle,matthieu miegeville,interview,mandor,estouestL’album (argumentaire de presse officiel):

Une voix enveloppante, dense et burinée se raconte sans ambages au fil de ces compositions à fleur de peau. « Longue Nuit » ouvre l’album et c’est ici que le voyage commence. Un road trip émotionnel où le sensible côtoie l’âpreté de la vie. Sur EstOuest, la mélancolie ne cède jamais aux injonctions du désespoir, bien au contraire, elle tend à se mouvoir vers une lumière salvatrice qui point au détour de chaque titre. Accompagné par Candice Pellmont (chanteuse du groupe Winnipeg) sur « La Baleine Bleue » et « Acte Manqué », Miegeville donne à entendre des mélodies plus pop, aux refrains imparables que l’on jurerait avoir toujours connues.

Entre poésie chantée et chanson urbaine, Miegeville navigue au plus profond de ses émotions mais jamais en eaux troubles. C’est même plutôt de manière clairvoyante qu’il ressent le monde dans lequel on vit, comme dans « Blanche », faussement désabusé, ou dans le pamphlet « Les Portes », morceau coup de poing où un phrasé hip hop impose une tension palpable. De Jacques Brel à Nick Cave en passant par Dominique A, qui par ailleurs a déjà salué la qualité de ses textes, Miegeville prend un malin plaisir à adresser un clin d’œil habile à ses influences, pour dénouer nos émotions les plus enfouies.

Sous sa voix ténébreuse s’érige un kaléidoscope de sentiments puissants, ceux d’un auteur dont les stigmates et les fêlures se muent peu à peu en un bouquet mélodique aussi délicat qu’engagé.

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miegevielle,matthieu miegeville,interview,mandor,estouestInterview :

Tu viens du metal. C’est marrant comme les gens qui viennent de la musique « dure », comme Kent, sont excellent dans la pure chanson française.

Le parallèle avec Kent, j’aime bien. Pour mon cas personnel, je suis un enfant de la chanson et du rock français. Avec tout l’amour que j’ai pour mes parents, ce ne sont pas eux qui ont fait mon éducation musicale. Mon père était fan de Sardou et on écoutait le Top 50, c’est dire d’où je viens (sourire). Je suis tombé dans la marmite du metal par pur hasard, même si je m’y suis bien épanoui, mais ce n’est pas ma culture de base. Mes dieux étaient Jacques Brel, Reggiani, Ferré..

Avec tes divers projets metal, tu as chanté dans une vingtaine de pays et trois continents. Tu as enregistré un album à Los Angeles avec le producteur de The Cure et de Korn. Sacrée carrière !

Merci. Il y a des gens qui ne me connaissent qu’avec cette partie-là de ma carrière.

En 20 ans de musique, tu as joué au Printemps de Bourges, aux Eurockéennes,  au Hellfest…  et avec cet album, c’est comme si tu étais redevenu débutant. Tu ne trouves pas la situation particulière ?

C’est bien de repartir à zéro. Ça ne me dérange pas que l’on ne sache pas ce que j’ai fait avant ce disque. C’est même normal puisque je viens d’un tout autre univers musical.

"Blanche", extrait de l'album EstOuest.

Le cri est une des composantes du metal. Là, dans EstOuest, tu chantes de manière très « intime ».

Ça me permet de mettre les textes en avant. Dans le milieu du metal, il est vrai que les textes ne sont pas trop écoutés.

Tu étais frustré que les gens se foutent royalement de tes textes ?

Oui, carrément. Quand il y a trop de décibels, ce que tu chantes est noyé dans  la musique. Mon premier EP en tant que Miegeville, cet album et mes trois recueils de poésie m’ont permis de calmer ma frustration.

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Tu es un peu le poète du milieu metal ?

Pendant un temps, c’était honteux de faire de la poésie, mais aujourd'hui, je me suis rendu compte qu’il y a des gens qui appréciaient cela. Aujourd’hui, je l’assume et je suis fier de le revendiquer.

Et ça ne t’empêches surtout pas de continuer le metal ?

Dans le milieu anglo-saxon, les gens se foutent de la pluralité, en France, il faut que l’on soit dans de petites boites. Je suis obligé d’expliquer que je fais de la chanson, mais que je n’ai pas arrêté le metal. Ce n’est pas toujours bien vu dans le milieu de la chanson. Certains ne comprennent pas.

"Longue nuit", extrait de l'album EstOuest.

Musicalement, c’est album est plutôt calme.

Il y a un piano, des guitares en sons clairs et des textures electro qui ne prennent jamais l’avantage. Mais j’assume le fait que ce n’est pas de la musique légère. Des gens comme Dominique A, Miossec ou Bertrand Belin ont mis du temps à s’imposer. Moi, j’ai l’impression que ça va être la même chose. Je me dis qu’avec ce projet, il va falloir que je sois patient. Je suis content d’avancer au fur et à mesure, avec le sentiment du devoir accompli.

C’est quoi ta musique ?

C’est de la chanson moderne. Je dis chanson parce que ce sont des chansons avec refrains, couplets, mélodies, textes qui se tiennent…  Je me plais à croire que je dépoussière la vieille chanson avec des arrangements un peu electro. Et dieu sait que j’aime cette vieille chanson…

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Pourquoi il n’y a que huit titres ?

Parce que je suis très dur et exigeant envers moi-même au niveau des textes. J’aurais pu mettre 13 morceaux, mais j’en ai viré plein parce qu’ils ne me satisfaisaient pas totalement.

Serge Faubert a enregistré et mixé ce disque.

J’ai travaillé avec lui pour d’autres projets et ça colle bien entre nous. Je suis allé vers lui une nouvelle fois, car il a beaucoup de bienveillance envers moi. Il a souvent répondu à mes doutes. Il m’a incité à avoir confiance et à garder le cap.

Il y a des jeunes que tu aimes bien dans la nouvelle génération ?

Baptiste Walker Hamon. Je le trouve très touchant et ses textes sont magnifiques. « Soleil, soleil bleu », « Peut-être que nous serons heureux » et « Quitter l’enfance », à mon avis, on en reparle dans 40 ans. J’aime aussi Govrache. J’admire beaucoup cet artiste. Tous les trois, nous ne faisons pas la même musique, mais nous faisons très attention aux textes.

Je suis en train d'écrire un livre sur Daniel Balavoine, je crois savoir que tu l'apprécies beaucoup.

J’ai un respect énorme pour lui. Il avait une sacrée paire de couilles. Aujourd’hui, les artistes qui marchent sont d’une vacuité et d’une superficialité... Qui parle de quelque chose ? Est-ce que quelqu’un aborde un sujet ? Balavoine abordait dans ses chansons des sujets lourds, importants. Ce genre de mec, il y en a plus !

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Après l'interview, le 13 février 2020.

Bonus :

Matthieu Miegeville participe à l'action socio-culturelle "Transformer le Négatif en Positif". Il s'agit d'intervention Scolaire en partenariat avec l'Agence Régionale de la Santé - Occitanie et le Rectorat (Toulouse) pour la Prévention du Mal-Être et de l'Angoisse chez les Jeunes.

Cette vidéo a été réalisée par Angel FONSECA, assisté de Grégory COURTOIS, avec le soutien de l’ADPS.

18 mars 2020

Tristen : interview pour Les identités remarquables

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(Photo : Jérémy Chaussignand)

Représentant encore trop méconnu d’une chanson française indie pop très actuelle, à la limite d’une variété française aux atours électro et rock, Tristen confirme avec ce 4e album, Les identités remarquables, tout son talent et son potentiel.

Cet album  a été réalisé, enregistré et mixé par lui-même au Studio Harmonium Sauvage. Pour les arrangements, il s’est attribué l’aide de Romain Delorme.

Cette rencontre avec Tristen (déjà mandorisé-là) permet d’en savoir un peu plus sur cet artiste et sur ce brillant album. Pour être tout à fait honnête, j’ai complété certaines réponses sur ses chansons avec des propos qu’il a tenus sur sa page Facebook officielle. Evidemment, avec son accord.

Son site officiel.

Pour écouter l’album.

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Romain Delorme et Tristen (Photo : Jérémy Chaussignand)

Biographie officielle :

Après une décade à œuvrer sur la scène indie rock parisienne comme batteur ou bassiste, Sébastien Pasquet a peu à peu développé son propre universde chansons comme auteur compositeur interprète sous le pseudonyme de Tristen.

Il s’est fait connaitre avec 3 albums parus chez Volvox Music ou La Souterraine, grâce notamment à des mises en avant sur France Inter, FIP, France 2 et Libération, et surtout en accédant aux finales du Prix Moustaki 2014 et du Prix Desinvolt 2015.

C’est à Montpellier où il vit désormais que Tristen a réalisé son 4ème album intitulé Les Identités Remarquables (sortie le 24 janvier 2020 chez Bambino Musique / Inouie Distribution), dans lequel il célèbre le mariage aventureux de la pop indie et de la chanson française chère à son cœur.

tristen,les identités remarquables,interviews,mandorLe disque :

Dans cet album aux tonalités claires obscures, Tristen affirme avec force son goût pour la contemplation et se délecte du simple plaisir du mot en bouche. L’album est tout de même parsemé d’éclats pop : le duo avec La Féline, « Heureux les simples d’esprit », le duo avec sa femme Bénédicte, « Orion va-t-en-guerre », ou encore « A la face du monde ».

Comme pour ses précédents albums, les influences de Tristen sont multiples, puisées dans ses amitiés montpelliéraines (la liberté de Iaross, la flamboyance de Volin, la délicatesse de Fälk), aussi bien que dans la folie douce et l'emphase d’artistes québécois francophones tels Avec Pas d'Casque et Louis-Jean Cormier. Bien sûr, dans les hérauts de la nouvelle scène française aussi (Bastien Lallemant, Bertrand Belin, Albin de la Simone, Arman Melies, Olivier Marguerit). Avec toujours, dans un coin de la tête, le lyrisme sincère et touchant de Véronique Sanson.

Ce qu’ils en pensent :

«TRISTEN promène ses élégances à la Dominique A, Frédéric Lo ou Bertrand Belin. Remarquable » MAGIC RPM

«Une alliance parfaite entre indie pop et chanson française » LONGUEUR D'ONDES
«Tout en sensualité, nous rappelant Gainsbourg. Un album de toute beauté » FRANCOFANS
«Une voix attachante, des mélodies, des textes originaux » NOS ENCHANTEURS
« Très élégant » POP NEWS
« TRISTEN s'approche ici de l'excellence. Un disque fascinant » INDIE POP ROCK
«Remarquable du début à la fin » FROGGY DELIGHT
«La beauté de cet album vient de cette façon de s’approprier la musique, de l’accorder avec des mots » HEBDOBLOG

Interview :

Tu as presque tout fait dans cet album. Tu es guitariste, bassiste, batteur, pianiste…

Oui, mais Romain Delorme m’a beaucoup aidé. C’est un musicien important dans la scène de Montpellier, car il joue dans tous les groupes d’indie pop majeurs, dont dans un de mes groupes préférés, Volin. Il joue avec moi sur scène et sur le disque. Il m’a aidé sur des arrangements et a enregistré de la basse, de la contrebasse et du synthé. Il m’a un peu éloigné de ma zone de confort, car j’avais tendance à tout faire en milieu fermé, de la composition, à l’écriture jusqu’à l’enregistrement. Romain m’a ouvert un peu plus l’esprit et donné de l’oxygène. Pour ce disque, je ne veux pas oublier les participations précieuses sur certains titres de Gilles Yvanez à la guitare, Nicolas Larossi au violoncelle et Guillaume Gardey de Soos au bugle (instrument de musique de la famille des cuivres, plus exactement des saxhorns mis au point par Adolphe Sax au XIXe siècle). 

Ton album est plutôt sombre… à l’image de ce qu’il y a dans ta tête ?

Très certainement. Dans la vie, je suis quelqu’un de souriant et de jovial, mais dans la musique, je dois remuer le noir qui est en moi. Cela dit, si cet album n’est pas jovial, il n’est pas noir foncé. Les thèmes évoqués sont de l’ordre du contemplatif. Ce que je raconte n’est ni noir, ni blanc. Je suis posé et je regarde ce qu’il y a en moi, autour de moi… et je l’écris.

C’est particulièrement le cas dans « A la face du monde ».

Autant le dire, les paroles ont été écrites par un jeu d'associations libres que Lacan n’aurait pas renié. De ce point de départ formel se dégage en fait une description toute personnelle du monde qui m’entoure et qui m’interroge...comme nous tous à quelque degré que ce soit!

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Romain Delorme et Tristen (Photo : Jérémy Chaussignand)

Ton écriture a évolué je trouve. Elle est devenue à la fois poétique et surréaliste.

Sur ce 4e album, j’ai tout écrit alors qu’auparavant on m’aidait beaucoup. On me donnait des bribes de textes, je construisais là-dessus ou au contraire, je donnais quelques mots et on construisait un texte pour moi. Peut-être que je ne savais pas ce que je voulais… Dans Les identités remarquables, en tout cas, j’assume tout, ce qui donne une certaine cohérence.

Le fait d’écrire toi-même désormais, est-ce pour gagner un peu plus en légitimité ?

Non, c’est par envie, besoin et nécessité.

Ce disque est-il l'aboutissement de ce que tu voulais faire dans la musique ?

Il me semble avoir eu la bonne cohésion entre la musique et le texte. C’est conforme à ce que j’avais en tête.

Il y a trois duos avec ta femme Bénédicte. Symboliquement, ça représentait quelque chose de chanter avec ta femme ?

Il lui est arrivée de m’accompagner sur scène, mais depuis que nous sommes revenus à Montpellier, nous avons eu un deuxième enfant et ça devenait compliqué d’être tous les deux en concert, du coup, on a matérialisé notre envie de chanter ensemble dans des duos sur le disque.

Clip de "Heureux les simples d'esprit" feat. La Féline.

Il y a aussi un duo avec la chanteuse philosophe Agnès Gayraud, alias La Féline.

Lors de l'écriture d' « Heureux les simples d’esprit », j’ai tout de suite pensé à elle quand la mélodie est arrivée. Je lui ai demandé si elle voulait bien chanter avec moi et elle a accepté. C’est aussi simple que cela.

Elle te connaissait ?

Oui, c’est pour cela que j’ai osé lui demander. Je savais qu’elle appréciait ce que je faisais auparavant. Pendant mes 13 ans à Paris, nous nous étions déjà rencontrés. Je suis un grand fan de ce qu’elle fait depuis le début. Je trouve qu’il n’y a aucune faute dans sa discographie.

« Heureux les simples d’esprit » renvoie au message christique de l’évangile selon Mathieu : « heureux les pauvres en esprit ».

Je n’ai jamais lu cet évangile et étant totalement athée, il m’est impossible de te dire ni même de comprendre pourquoi il y a tant de références religieuses dans ce que j’écris. Comme souvent dans les chansons de cet album, le texte est parti de la description d’une sensation interne “je me tenais loin devant, là où l’orage s’est levé”. Puis je me suis laissé embarquer dans une histoire qui évoque un être simple d’esprit, à qui l’on a dit de ne pas se tenir sous les arbres un soir d’orage, pour éviter la foudre, mais qui le fait quand même...la foudre tombe et lui fait changer ses perceptions internes. C’est presque une expérience surréaliste en fait.

Live à la maison de "L'Alpha et l'Omega". TRISTEN : chant et guitare. Romain DELORME : tom et choeurs. Colin VINCENT : piano et chœurs. Bénédicte PASQUET : chœurs. Captation réalisée le 13/04/19 à Montpellier par Jérémy Chaussignand.

« L’Alpha et l’Omega », là encore référence religieuse. Cela symbolise l'éternité du Christ comme commencement et fin de tout. 

C’est bel et bien avec cet état d’esprit holistique que j’ai écrit la chanson. Je me souviens avoir commencé soft dans l’écriture “Donnez-moi le visage de la félicité. Je veux être un mirage qui guidera vos pas”, puis avoir peu à peu glissé dans la peau d’un prédicateur fou, avoir lâché les chevaux et avoir aimé ça! Un conseil, ne votez jamais pour moi... La fin de la chanson est amère ou apocalyptique, c’est selon.

Dans « Orion va-t-en guerre », avec ta femme, tu évoques la communication au sein d’un couple…

Impossible de dire pourquoi j’ai choisi ce titre, il m’est venu directement en composant le thème au piano. J’ai enchaîné ensuite sur des paroles en utilisant le gimmick “on s’était dit” et j’ai développé cette histoire de couple qui cherche à se comprendre et se parle sur fond de mélancolie astrale, pour finir par fusionner avec le soleil. Il s’agit d’un voyage interstellaire vers un monde perdu. Les impossibilités voire les absurdités matérielles évoquées dans la chanson collent parfaitement à ma nature mélancolique, qui se décline dans tout l'album.

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Clip de "Orion va-t-en guerre" feat. Bénédicte Pasquet.

Il y a une reprise de la chanson de Desireless, « Voyage voyage » ».

Comme celles du groupe Abba, c’est le genre de chansons que j’écoutais enfant et qui ont laissé une empreinte mélancolique incroyable en moi.

Dans « Contemplations II », tu évoques les feux follets. Pourquoi as-tu choisi de parler de ces petites manifestations naturelles que l’on peut apercevoir au-dessus des étangs ?

Bien qu’ils soient juste le fruit d’une rencontre éphémère de phosphore et de méthane et donc complètement dépourvus de vie, on pourrait presque croire qu’ils sont animés d’intentions, celle de danser notamment. Parler de l’éphémère, de l'inutile, c’est ce que j’ai aimé faire tout au long de cet album.

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Tristen en live.

Dans « Les bougeons de fer », tu parles des villes d’aujourd’hui ?

C’est en revoyant avec mes enfants certains épisodes des Barbapapas que j’ai commencé à écrire ce texte en alexandrins, en résonance avec l’écologisme naïf et manichéen mais si charmant de ce dessin animé des années 70. Il s’agit d’une description poétique de friches urbaines que je trouve à la fois d’une grande laideur et extrêmement fascinantes. Les utopistes des villes nouvelles des années 70 pourraient presque reprendre à leur compte quelques vers de la chanson, si elle n’évoquait pas tant une envie de nature et d’animalité…

C’est une curieuse chanson dans laquelle il y a trois parties musicales.

Le début est un hommage assumé à l’album Third de Portishead. On s’est amusé avec Romain Delorme sur la partie centrale de la chanson, à expérimenter sur nos claviers. Il a improvisé sur un Farfisa une partie floydesque bien acide à la Rick Wright pendant que je tripotais un autre synthé balancé dans du délai. Une seule prise a été faite, et c’est celle qui a été conservée dans la chanson ! Moment magique et garanti sans drogue, car nous sommes des gens comme il faut, mais l’esprit du LSD était bel et bien là je crois. La dernière partie est un moment tripatif, que nous adorons jouer sur scène d’ailleurs. On a commencé par les Barbapapas, on termine par évoquer le LSD, c’est bon on est raccord !

Live à la maison de "Contemplations 1". TRISTEN : chant et guitare. Romain DELORME : contrebasse et chœurs. Gilles YVANEZ : guitare. Guillaume GARDEY DE SOOS : bugle. Captation réalisée le 24/05/19 à Montpellier par Colin VINCENT

Dans « Je suis une  île », tu  évoques un homme et ses envies de sexe. 

Le sexe est un thème qui m’est cher. La chanson évoque donc l’histoire d’un garçon (moi) seul sur une île...enfin pas si seul que ça : des créatures viennent à lui. La suite orgiaque va se révéler être finalement une hallucination...

L’eau est pas mal présente dans ton disque. C’est le cas aussi dans « Le pavillon noir ».

Le court récit “Requin” de Bertrand Belin a été à l’origine de cette chanson. Il y parle de quelqu’un qui se noie et tout le livre est l’histoire de ce moment où l’on voit passer sa vie devant soi. Dans ma chanson, j’ai voulu décrire toutes les perceptions ressenties, sans évoquer aucune des sensations sordides que l’on doit avoir en de tels instants. En fait cette chanson ne parle pas tant de mort que de laisser aller, de mélancolie, d’enfance perdue, celle où l’on jouait aux pirates et aux corsaires (d'où le pavillon noir).

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Pendant l'interview...

Ton disque s’intitule Les identités remarquables. En tant qu’ancien prof de math, c’est une coïncidence ?

En math, les identités remarquables servent en général à accélérer les calculs, à simplifier certaines écritures, à factoriser ou à développer des expressions. Ce sont des petits outils que l’on apprend en 4e ou 5e. J’aime bien la notion d’apprendre des choses à l’école qui, ponctuellement, semblent importantes, alors que dans la vie, on n’en a pas vraiment l’utilité. Les gens en tirent la conclusion erronée qu’apprendre ce genre de choses ne sert à rien. Mais en fait, ces petites connaissances laissent des traces dans le cerveau et le façonnent. L’éducation ne laisse pas toujours des choses concrètes, mais la trace des choses. Pour moi, les mathématiques, c’est la liberté de se tromper, la liberté de créer. Léopold Sédar Senghor disait que « les mathématiques sont la poésie des sciences ». Il y a un aspect poétique et créatif dans les mathématiques dont je me sers tous les jours pour écrire des chansons.

Mais pourquoi ce titre ?

Parce que je suis aussi très fan d’un album de Marie Modiano, en 2013, Espérance Mathématique. C’est une sorte d’hommage.

As-tu déjà songé à arrêter de faire des disques ?

Nous sommes nombreux dans ce positionnement-là. Nous faisons beaucoup d’efforts financiers et temporels et ils ne sont pas toujours récompensés. La vie de famille aussi est parfois un peu sacrifiée. Alors, oui, personnellement, parfois je me dis que je vais arrêter à me donner tout ce mal. Par contre, arrêter de faire de la musique, c’est hors de question ! J’ai besoin de ça pour m’exprimer. Je sais que je continuerais toujours à faire des chansons dans mon home studio.

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Après l'interview.

15 mars 2020

Rodrigue : interview pour l'album A Fuck Toute - A Love Toute

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(Photos : Aliosha)

rodrigue,afuck toute a fuck love,interview,mandorComme l’indique son dossier de presse, Rodrigue, c’est « de la pop française sans lipstick mais qui flirte insolemment avec le rock parfois libertaire et insouciant, souvent sombre et engagé. En solo ou en groupe, avec plus de 300 concerts au compteur, huit créations scéniques pro depuis 2006, quatre albums studio, un album live, deux dvds, cinq clips et un public qui suit, le projet, reconnu pour son inventivité, a aujourd’hui atteint, une maturité et une force sans précédent. »

J’aime beaucoup cet artiste qui apporte depuis 12 ans un renouveau à la chanson française. A l’occasion de son quatrième album studio, A Fuck Toute – A Love Toute, (dans lequel il met en musique les relations amoureuses, les émotions et les étapes d’un chemin de vie plein de paradoxes), voici sa troisième mandorisation (la première là en 2011 pour son deuxième album L’Entre-Mondes et la seconde en 2014 pour son troisième, #Spectaculaire Diffus.)

Le 27 février dernier, nous nous sommes retrouvés dans un bar de la Gare du Nord.

Son site officiel.

Sa page Facebook officielle.

Pour écouter l’album.

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(Photo : Cécile Marcant)

rodrigue,afuck toute a fuck love,interview,mandorLe disque A Fuck Toute, A Love Toute(photo de la couverture: Natacha  Kerkhove)  par Rodrigue :

Quand mon réveil sonne, je m'entends souvent dire : “Allez tous vous faire foutre !”
Nihilisme joyeux et désinvolte ou glas de la défaite, déliquescence dans une pulsion de mort ?
Pourtant je sais... la vie. Tout est paradoxe.
Faut-il que tout meure pour se rendre compte de la beauté ?
En prendre conscience...
Petites épiphanies : nager dans la mer, marcher dans les montagnes... y ressentir depuis toujours le divin...
Faut-il que tout meure pour évoluer ? Peut-être oui...
Cet album est ce chemin...
Où la noirceur dans sa folie à aimer, met en lumière tout ce qui fait de nous des êtres sensibles.
Où le refus est fécond et interroge notre pugnacité à espérer.

Un album follement amoureux des désespérés, de ceux et celles qui sont revenus de tout et dont la foi en l’humanité ne tient qu’à un fil.
Un album de résilience, lorsqu'on sent que tout ne va pas se passer comme prévu
et qui nous interroge sur la direction :

À Fuck Toute : comme une banderole au devant d'un cortège

À Love Toute : comme le regard de l'homme qui palpite, change et prend un nouveau souffle

À Fuck Toute : comme le courage devant le Léviathan, malgré toute conséquence et avec une énergie proche du discernement.

À Love Toute : comme une lézarde à travers le mur pour répandre la bonnen ouvelle.

À Fuck Toute ~ À Love Toute : Comme celui qui veut jouir souverainement de tout et se réapproprier sa vie.

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(Photo : Aliosha)

rodrigue,afuck toute a fuck love,interview,mandorInterview :

Entre disques et tournées, depuis 2008 que je te suis, j’ai l’impression que tu n’arrêtes jamais.

Comme je n’ai pas de vraies tournées, je prends toutes les dates qui tombent… et il y en a eu pas mal. Là, je sais que je vais défendre cet album pendant trois ans.

Toutes les chansons de cet album sont nouvelles ?

Je les ai écrites entre 2016 et 2018, mais elles restent d’actualité.

L’album a un titre assez provocateur avec, en plus, un double sens, « A Fuck Toute, A Love Toute ».

C'est un chemin ce disque, c’est ce que je suis. Parfois, je peux ruminer sur des choses qui m’exaspèrent et au bout d’un moment, empathie oblige, comprendre que rien n'est ni blanc, ni noir. Tu sais, c’est un album de cassure et de résilience, donc, il a ce repli sur soi, cette cicatrice, ce premier élan sombre de dire « allez-vous faire foutre ! », mais il fait aussi ce chemin constructif, car aimer c'est faire, et du coup, il s'accompagne en même temps d'un véritable élan d'amour et d'ouverture. Ces deux élans paradoxaux tourbillonnent ensemble. Dans la chanson « À Fuck toute », il y a deux degrés. Je chante une phrase importante : « je veux jouir souverainement de tout ». C’est-à-dire, je veux faire mes propres choix et ne pas céder aux injonctions permanentes. Laissez-nous tranquilles et nous trouverons notre sens à la vie nous-même, avec le temps.

Teaser de A Fuck Toute - A Love Toute.

Dans « Au galop », tu te demandes « comment s’aimer quand ça n’a pas marché ? »

J’aime bien cette phrase parce qu’elle est à double sens. Comment aimer l’autre quand le couple a rompu et comment s’aimer soi-même par rapport à une rupture qui forcément te blesse narcissiquement.

J’aime beaucoup « Atteinte à l’intégrité d’un cadavre ».

Dans cette chanson, j’imagine quelqu’un qui fuit et qui revient de temps en temps faire un bilan. C’est quelqu’un qui cherche du sens à sa vie, mais qui n’en trouve pas.

Toi-même, tu es en quête de sens ?

Je ne suis pas sûr, mais j’ai un besoin d’expérimentation de la vie. Je suis un scientifique de la vie.

Ta chanson « Nous : Somme » est censé être féministe ?

Ecouter cette chanson peut mener à la réflexion à un moment T, elle est ce moment de suspension où on se dit: "Mais pourquoi ça me touche ?". Elle retrace ce chemin là. En fait c’est une chanson en deux parties. Et la deuxième partie, c’est un peu : « mais pourquoi diable j’écris ça !?! C’est une chanson qui parle de féminisme oui, mais en fait, ce n'est pas vraiment le sujet je trouve, et elle serait d'ailleurs plutôt pour les hommes alors. Mais non, en vérité, cette chanson parle avant tout de compréhension, de comprendre pourquoi quelque chose nous blesse pour pouvoir en discuter. C'est tout simple, mais pour moi, ça parle vraiment de ça en fait, nous sommes des élèves qui apprenons de la vie... ensemble.
J’ai écrit cette chanson en me disant qu’elle était juste destinée à la scène. En concert, je voyais bien qu’elle marchait particulièrement bien et qu’elle plaisait autant aux femmes qu’aux hommes. J’ai donc décidé de l’enregistrer pour qu’il en reste une trace.

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(Centre culturel de Lesquin - 2019. Photo : André C)

Aucun de tes albums n’est le même. Tu te renouvelles en permanence.

Je n’aime pas l’idée d’avoir un style et de rester dedans. Je suis toujours à l’écoute des musiques qui sortent aujourd’hui. Quand j’entends un son qui me plait, j’essaie des trucs en studio qui pourraient s’en rapprocher.

Musicalement, ton nouvel album est très varié. Pop, rock, chanson, variété, sons nouveaux…

J’ai retrouvé dans ce disque l’éclectisme que j’avais dans le premier Le jour où je suis devenu fou (2008). Il y a des artistes qui donnent un habillage à un album, moi je donne un habillage à chaque chanson. J’essaie de trouver des couleurs différentes quitte à ne pas respecter l’unité, ce n’est pas si grave. Je suis quelqu’un qui est ouvert à tout, il en est de même pour ma musique.

Sur l’album de 2014, Spectaculaire diffus, tu avais tenté l’unité.

En effet, mais finalement je préfère être éclectique.

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(Photo : André Caré)

Dans ce disque, tu joues avec les musiciens qui t’accompagnent sur scène depuis 2016.

Ce sont des bons potes et ils croient à mon projet. Il y a une très bonne ambiance entre nous. J’ai besoin de bienveillance autour de moi.

Textuellement, il y a des chansons poétiques dont la signification n’est pas évidente, comme dans « L’araignée », et des chansons plus « premier degré ».

Mais j’ai besoin que les gens qui m’écoutent ne soient pas largués. Il y a des chansons de Bashung dont j’ai du mal à comprendre les textes. Je pense être moins opaque que lui. Je me trouve compréhensible et abordable sans difficulté pour quelqu’un qui s’attarde un peu.

Ce disque est mixé par Dominique Ledudal (Les Innocents, Jeanne Cherhal, Tryo, Renaud…).

Ce que j’aime chez lui c’est qu’il travaille super bien les voix. C’est l’album où ma voix est la mieux mise en avant. J’ai fait des expérimentations de voix graves et je trouve cela beau. Je suis vraiment content de la production.

Clip de "Monokini".

Tu es satisfait de ce nouveau disque?

Oui, mais à chaque album, j’ai l’impression que c’est le meilleur. Celui-là est émotif, à fleur de peau. Si quelqu’un est disposé à l’émotion, il pourra être très touché. C’est le but de mes disques et de mes concerts… émouvoir, bousculer les gens.

Toi-même, tu es de plus en plus à fleur de peau ?

Je l’ai toujours été et j’en joue. Sur scène et sur disque. Je me mets totalement dans un moment émotionnel. Quand j’ai écrit en trois jours « Atteinte à l’intégrité d’un cadavre », j’étais dans cet état.

Es-tu content de ton sort dans le métier ?

J’ai coché tous mes rêves professionnels, sauf la tournée. Je n’ai jamais fait une vraie tournée avec un tourneur qui m’accompagne, alors que le live est ce qu’il y a de plus important pour moi.

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Après l'interview, le 27 février 2020.

12 mars 2020

Nirman : interview pour son premier album

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nirman,dimitri nirman,interviewJ’ai connu Nirman en 2017 avec son EP Animal (voir mandorisation-là). Comme il le disait lui-même, « de la chanson française teintée de pop hybride et d’électro organique ». Nous avions été nombreux à remarquer la chanson « Azzam David ». Il y évoque le pouvoir de l’amitié entre deux enfants rattrapés par la haine de leurs ancêtres : belle caisse de résonance dans le contexte actuel. Elle a permis à Nirman de décrocher le prix du texte lors du tremplin du Pic d’Or à Tarbes (pour l’anecdote, remis par Dominique Janin et moi-même le 26 mai 2018). Cette chanson a aussi ému Francis Cabrel au cours d’une résidence de travail à Astaffort. Autant de signaux approbateurs qui ont fini par convaincre son auteur de lui offrir une seconde vie sur l’album qui vient de sortir et réalisé par Da Silva (mandorisé là)

Le 10 février dernier, nous nous sommes retrouvés dans un bar parisien pour évoquer l’album pop le plus classieux du moment.

Son site officiel.

Sa page Facebook officielle.

Argumentaire de presse (légèrement écourtée) :nirman,dimitri nirman,interview

Nirman, le nom du père, barde et musicien russe, contraint de se réfugier dans les caves de Saint-Pétersbourg pour faire entendre ses ritournelles engagées, et bifurquant presque par obligation (la contrainte de la langue) vers la composition de musique de films lors de son arrivée à Toulouse. Initiation naturelle, transmission héréditaire et passion commune. Dimitri s’inscrit au Conservatoire, écoute en boucle les Beatles et confesse à 13 ans qu’il sera chanteur.

Inconsciemment, c’est le rêve avorté du père qu’il veut atteindre. Chez lui, de la détermination et de la discipline. D’abord la clarinette en tant qu’instrumentiste, puis la chanson-jazz. L’alliage entre les deux genres est fragile, surtout dans les esprits. Nirman ne joue pas les prolongations. Il revêt alors un habit qui lui sied davantage et conforme à ses aspirations actuelles. Collaboration probante et de longue haleine avec Guillaume Farley. Première carte de visite, il y a deux ans : l’EP Animal.

nirman,dimitri nirman,interviewL’album :

Sous la houlette de Da Silva au prestigieux studio ICP à Bruxelles, Nirman n’a pas cherché ici à courir derrière les modes. C’est un disque intemporel, aux teintes nuancées et dans lequel les mélodies s’insinuent en douceur et avec élégance. Un disque sur lequel des invités investis et de renom se glissent : Thomas de Pourquery au saxophone, Nicolas Fiszman le fidèle bassiste de Benjamin Biolay, Cali pour un duo autour de l’engrenage des errances nocturnes (« Compagnon de lune »).

Il y a la voix feutrée, très en avant, proche de celle d’un Alex Beaupain. Il y a aussi une délicate offrande à son fils (« Je te dirai »), une mue féminine et féministe (« Quand je ne serai plus belle »), l’apprivoisement de l’isolement créatif (« Ma solitude »), une pièce amoureuse en plusieurs actes (« C’est déjà du passé »), une déclaration frontale (« Mon amour »). Il y a là encore une percée dans les eaux plus sombres de la nostalgie (« Elles me rappellent ») et de la tristesse profonde. Celle de l’absence du père, disparu pendant la conception du disque (« Sur le balcon de mon cœur », « Où es-tu »). Des mots ordinaires, touchants de justesse et de simplicité. Comme son interprète.

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nirman,dimitri nirman,interviewInterview :

Comment as-tu contacté Emmanuel Da Silva pour la réalisation de ce disque ?

Un matin de juin 2017, alors que j’étais chez mon beau-père dans les Cévennes, j’allume mon téléphone. Une notification Twitter précise : « Da Silva vous suit ». Comme je le tiens en haute estime, je ne réprime pas mes élans d’enthousiasme. Je lui envoie un message incluant « Azzam David », une proposition de duo et une invitation pour mon concert parisien au Café de la danse. Da Silva répond dans les dix minutes. Indisponible pour le concert, partant pour le duo. Il demande aussi un numéro. Appel dans le quart-heure, causeries musicales et enregistrement en studio le mois suivant.

Pourquoi a-t-il accepté de travailler avec toi ?

Il a estimé qu’il pouvait apporter quelque chose à mes chansons et m’aider à me réaliser musicalement. Ce qu’il a fait. Nous nous sommes retrouvés aux studios ICP pour enregistrer le duo « Highlands ».

Cette première chanson, c’était aussi l’occasion de voir si ça collait suffisamment entre vous pour faire un album entier ensemble ?

Non, parce qu’au départ, il n’en était pas question. Après l’enregistrement du titre, il m’a simplement dit qu’il voulait bien continuer tout l’album si ça m’intéressait. J’ai accepté avec beaucoup de plaisir. C’est quelqu’un que j’admire depuis très longtemps.

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Nirman et Da Silva, lors de l'enregistrement du disque. 

Qu’as-tu appris avec Da Silva ?

Beaucoup de choses. Il m’a appris à chanter les mots. Il m’engueulait parfois pour que je chante plus avec les tripes. Il trouvait aussi que j’avais de jolis graves dans ma voix, mais que je n’exploitais pas. On a un peu travaillé ce côté-là et ça a bien collé.

Vous avez coécrit six chansons et lui en a écrit quatre.

Et les deux autres sont deux chansons de l’EP, dont « Azzam David ». Ecrire avec lui a été aussi très formateur. Il me reprochait souvent d’être trop dans la retenue dans le texte, de ne pas aller au bout des choses. Avant, je ne faisais que suggérer. Lui est plus tranchant que moi dans les mots. Je l’ai beaucoup écouté et observé. Ensemble, on a balayé des sujets, des moments de vie qui me traversent, qu’ils soient heureux ou malheureux, sans me cacher derrière un masque ou un personnage, comme j’avais tendance à le faire avant. J’ai pu évoquer tous mes questionnement sur l’amitié, la solitude, la mort, l’amour…

Clip de "Compagnons de lune".

nirman,dimitri nirman,interviewIl y a un duo avec Cali, que tu as rencontré à Tarbes au Pic d’Or 2018.

Après la finale, tous les candidats fumaient dehors en discutant entre eux. Moi, j’avais dans l’idée de choper Cali. Je suis parti tout seul devant la grande porte d’entrée du Théâtre des Nouveautés. Il est sorti au bout d’une demi-heure, nous avons fait une photo et nous avons parlé quelques minutes. Je lui ai dit que je travaillais avec Da Silva et je lui ai présenté mon projet. Quelques semaines après, je retourne à l’ICP faire mon album avec Emmanuel. On a commencé à chercher une personne pour un autre duo. Je lui suggère Cali. Comme c’est un pote à lui, il lui a envoyé le texte et, l’ayant apprécié, il a accepté de chanter avec moi. Cali est donc venu au studio et quand il m’a vu, il m’a dit qu’il se souvenait très bien de moi au Pic d’Or.

Comment s’est passé l’enregistrement du duo ? nirman,dimitri nirman,interview

Quand il a commencé à chanter, j’ai pris un grand coup de vent. J’ai eu l’impression que j’allais tomber à la renverse. J’étais troublé tant il était dans la chanson. Il était habité par elle au point de laisser couler des larmes en chantant. Inutile de te dire que j’avais une très grosse pression. C’est encore Da Silva qui a su trouver les mots pour me rassurer. Il m’a dit « Ce n’est pas un combat de coq. Quand tu reçois un ami chez toi, tu l’accueilles bien, tu lui fais de la place pour qu’il se sente bien chez toi… Tu fais pareil avec Cali sur ton album!" Du coup, on a trouvé un équilibre.

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Avec Cali et Da Silva, lors d'une pause.

nirman,dimitri nirman,interviewAvoir deux duos avec Da Silva et avec Cali sur son premier album… quel luxe !

Je ne les ai pas choisis au hasard. Ce sont deux personnes que j’admire énormément et avec lesquels je rêvais de travailler.

C’est marrant, je t’aurais plus associé à un artiste comme Alain Chamfort.

Pour « Compagnons de lune », Cali était l’interprète idéal, je t’assure. Dans le registre sombre et triste, il est exceptionnel. Tu n’as qu’à écouter son disque sur Léo Ferré, il est incroyable ! Quand tu lis ses livres, tu le constates, c’est quelqu’un à fleur de peau qui a des plaies encore bien ouvertes.

Clip de "Sur le balcon de mon cœur", tourné à Saint-Pétersbourg (Russie) et réalisé par Stéphane Neville.

Ton deuxième single est la chanson qui ouvre l’album, « Sur le balcon de mon cœur ». Le clip a été tourné chez toi, en Russie.

C’est une chanson qui parle de mon père que j’ai perdu pendant l’enregistrement du disque. Il fallait que les choses soient dites. Quand on a réfléchit à un clip, étant donné mes origines, mon vidéaste, Stéphane Neville, a trouvé logique que nous allions en Russie.

Tu es franco-russe, ça t’a fait quelque chose de te rendre là où sont tes racines ?

Ça m’a fait beaucoup de bien. J’ai retrouvé une partie de moi-même. En revenant en France, ça allait déjà un peu mieux.

La chanson, ça remplace un psy ?

Quelque part, oui.

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(Photo : Stéphane Neville)

Tu as écrit aussi sur ton fils, « Je te dirai » et sur ta femme, « Mon amour ».

Je réfléchissais à écrire une chanson d’amour et je me suis rappelé une interview de Florent Pagny qui expliquait qu’il ne voulait pas qu’on lui propose des chansons d’amour où il serait malheureux parce qu’il est très heureux depuis plus de 15 ans avec la même femme. Moi, je suis dans le même cas puisque je suis avec ma femme depuis 10 ans et que tout se passe bien. J’ai repensé à la chanson « Mon amour » de Kent dans laquelle il se demande comment sa femme et lui ont résisté au temps. J’avais enfin mon angle.

J’aime beaucoup la chanson « Ma solitude ».

J’ai beaucoup souffert de la solitude dans le milieu de la musique, mais depuis trois ans, je l’ai apprivoisé. Je me suis battu au quotidien pour mon projet et j’étais tout seul à travailler. Je n’avais pas de collègues et il y avait beaucoup de concurrence. J’ai aussi souffert que mes amis s’éloignent un peu et ne prennent pas au sérieux mon investissement dans la musique. J’en ai fait une chanson, avec l’aide de Da Silva qui, encore une fois, m’a permis d’aller jusqu’au bout.

Si je te dis que c’est un disque de variété française, tu le prends comment ?

C’est plus un album pop, mais j’ai fait en sorte que tout le monde puisse s’y retrouver, qu’il soit très large. Mais dire que c’est un disque de variété, je vis très bien avec ça.

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Nirman en première partie de Suarez en Belgique.

Tu as fait beaucoup de premières parties de Suarez en Belgique devant 800 à 1000 personnes, parfois plus encore. Je sais que ça c’est hyper bien passé.

Cette aventure, c’est encore grâce à Da Silva. C’est lui qui m’a présenté le chanteur du groupe, Marc Pinilla. On est devenu très copains. Un jour, il m’a proposé de faire ses premières parties en Belgique où ils sont multi disques d’or. Lors de la première date à Liège on a été accueilli comme des rois. J’ai appris que Marc parlait de moi à chaque fois qu’il faisait une télé ou une radio. J’ai halluciné ! Je ne vois pas qui, en France, considère autant sa première partie.

Tu vas continuer à tourner en Belgique, en Suisse (où le duo avec Cali est coup de cœur de l’année par RTS), en France, au Maroc…

Oui, et je suis accompagné par un brillant multi instrumentiste, Sylvain Briat. Il m’a beaucoup aidé à me trouver dans cette formule à deux.

Tu as formé une petite équipe autour de toi qui t’est essentielle.

Mon noyau dur c’est un musicien, Sylvain Briat, un photographe vidéaste, Stéphane Neville et un agent, Jean-Luc Bonaventure. Ces trois personnes m’ont permis d’éclore et aujourd’hui, on y va à fond. J’ai galéré des années pour espérer vivre ça.

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Après l'interview, le 10 février 2020.

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08 mars 2020

Marijosé Alie : interview pour l'album Madanm

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(Photo : Mike Ibrahim)

marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandorMarijosé Alie sort successivement son troisième disque, Madanm, et son deuxième roman, Une semaine et un jour. Cette artiste martiniquaise est connue musicalement pour avoir écrit et interprété un des plus grands tubes caribéens, le sensuel « Caressé Mwen ». Elle est aussi réputée comme journaliste ayant fait une belle carrière dans le service public à la télévision.

Ayant travaillé quatre ans à RFO Guyane, j’ai croisé la route de Marijosé Alie (voir après l’interview) en tant qu’artiste et en tant que journaliste. Je l’ai toujours considéré comme une sommité antillaise, ou plus simplement, une grande dame pour laquelle j’avais beaucoup de respect. D’ailleurs, le titre de son nouvel album signifie « Madame » en créole martiniquais, mais aussi maîtresse femme. Cela lui va comme un gant.

Quand les deux attachées de presse de Marijosé Alie m’ont fait parvenir son nouvel album dans le but de l’interviewer, j’ai accepté immédiatement. En écoutant ce disque enregistré et réalisé avec Mike Ibrahim, j’ai été immédiatement transporté dans mes années guyano-antillaises. C’est l’effet que me fait sa voix et ses mélodies. Les souvenirs remontent à la surface. Quant à ses textes, ils sont toujours aussi percutants que poétiques, en créole et en anglais. Ici, elle évoque des thèmes essentiels tels que les violences conjugales ou la place des femmes dans la société d’aujourd’hui. Il y a aussi un titre sur l'attentat du Bataclan…

Le 11 février dernier, je suis donc allé chez elle pour une première mandorisation. J’ai retrouvé la Marijosé Alie que j’ai toujours connu, sans aucune langue de bois. Appréciable…

Pour écouter l'album Madanm.

Biographie officielle :marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandor

Vingt ans que Marijosé Alie n’avait pas enregistré de disque à son nom. Pour autant, elle ne s’était pas murée dans le silence. Au cours d’une brillante carrière de journaliste (successivement grand reporter, rédacteur en chef, directrice régionale, elle évolue entre Paris, Dijon et la Martinique jusqu'en 2002, où elle occupe à Paris le poste de directrice de l'international à RFO) qu'elle achève en tant que directrice déléguée aux programmes chargée de la diversité à France Télévision, elle a trouvé le temps d’écrire deux livres, d’enregistrer un album en compagnie de ses filles également musiciennes, et de créer le concept Dom Tom folies qui a permis pendant 7 ans à des artistes des outre-mers de monter sur la grande scène des Francofolies de la Rochelle. Son amour pour la Martinique, son île, l'amène à croiser la route d'illustres écrivains de cette terre antillaise, qu'il s'agisse d'Aimé Césaire (à qui elle consacre un documentaire, Le Chemin de Lumière en 1982) ou d'Édouard Glissant, père de la pensée du tout-monde. Il n’y aurait d’ailleurs point de « tout-monde » sans des « toutes-femmes », ces femmes-rhizomes qui luttent sans relâche pour s'élever en se défaisant des liens pesants qui entravent leur pas. Marijosé Alie s’est justement construite dans ces mangroves-là.

marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandorArgumentaire de presse de l’album :

Cet album, Madanm (Madame, en créole martiniquais mais que l'on pourrait
aussi volontiers traduire par Maîtresse-Femme ou Femme Puissante), vient donc ponctuer une nouvelle étape du parcours de celle qui n’aura jamais cessé de garder le poing levé, un poing debout pour, dit-elle, «accentuer la verticalité de la détermination au féminin». Et bien que l’interprète de l’inoubliable « Caressé Mwen » n’affectionne pas particulièrement le terme «féminisme», les chansons de cet album sont sans ambiguïté des baumes, des miroirs, des interrogations, des clés pour les femmes, en particulier celles qui, du Moyen-Orient à Fort-de-France, de Paris à Harare, essaient de toutes leurs forces de participer à la construction d’un devenir, d’un avenir pour ce monde qui ne serait pas sans elles.

En suggérant les rythmes caribbéens plus qu’en les appuyant (les percussions sont rares) et en construisant l’essentiel de ses chansons sur un piano solitaire, Marijosé Alie élabore en compagnie du producteur Mike Ibrahim une folk créole élégante tout autant qu’elle redessine les contours de la chanson antillaise.

Les chansons :

Qu’elle aborde les violences conjugales dans « Madanm », chanson-titre de l’album, ou s’adresse comme une sœur à celles qui subissent la terreur (« Sista »), la plume de Marijosé Alie est aussi subtile que percutante, impressionniste et réconfortante, comme dans « An Ti Moman », où elle assure que le salut d’un monde à la dérive réside dans la douceur furtive de l’instant.

Même promesse de transcendance avec le très sixties « Missié Byron » dans lequel elle cite le poète Swinburne qui promet que même les rivières les plus lasses trouveront leur chemin jusqu’à la mer.

Comme ces rivières, la songwriteuse ne se perd d’ailleurs jamais. Ainsi, dans « Eva », la musique de Bach rejoint un traditionnel guadeloupéen, dans « Say Yes » un bottleneck très « morriconnien » répond à une guitare aride, dans « Missié Byron » encore, la poésie de 1866 et le créole du nouveau millénaire sont une seule et même voix et c’est dans « Da Me » qu’une pulsation afro-cubaine est traversée de stridences rocks avant de faire un détour reggae-dub.

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(Photo : Mike Ibrahim)

marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandorInterview :

Avant ce nouveau disque, il y a eu en 2015 l’album Kalenda du trio Elle et elles avec deux de vos trois filles, Frédérique et Sohée. C’était une sorte de « transmission ».

C’était très important pour moi d’enregistrer avec elles. On a eu envie de partager au public les moments de plaisir que l’on se donnait entre nous. Frédérique, mon ainée, et Sohée sont compositrices et auteures. Elles font donc leur propre musique. La première donne dans le latino-caribéen et la deuxième dans le folk, soul, blues. Quant à moi, je suis assise entre la musique classique et la musique traditionnelle, entre Bach et le tambour. Nous avons des accents musicaux qui sont complètement différents, même s’ils plongent dans le même creuset, la Caraïbe.

"Paloma", extrait de l’album Kalenda de Elle et elles, sorti en février 2016, raconte l'histoire d'une jeune femme mariée qui a une aventure avec un autre homme tandis que son mari l'attend à la maison.

Dans votre jeunesse, je sais que vous aimiez autant la musique classique, la musique traditionnelle, vous venez de me le dire, mais aussi le rock’n’roll, comme Santana ou Jimi Hendrix. Il y a d’ailleurs un peu de rock dans votre nouvel album…

Vous avez raison. Quand on écoute « Missie Byron », c’est assez électrique. Il y a dans cet album des rythmes très blues et des musiques qui n’ont rien à voir avec notre univers caribéen tout en ayant tout à voir. Avec Mike Ibrahim, qui a travaillé avec moi sur ce disque, on a dépouillé les morceaux de tous les marqueurs culturels de chez nous. Il n’y a pas beaucoup de tambours, pas beaucoup de basse… C’était un choix d’en mettre peu et de ne pas surligner cette musique-là que nous avons tellement dans notre ADN. Le groove est là, dans la manière de poser le piano et de poser les mots. D’avoir des musiques le plus dépouillée possible m’a permis d’aller au bout de ce que je suis. Parfois, on camoufle, on couvre les imperfections. Là, les imperfections sont nues. Je pense que dans les imperfections et les silences, il y a toujours un message musical qui passe.

Dans le disque, c’est vous qui êtes au piano.

C’est Mike Ibrahim qui m’a forcé. Il a trouvé que les maquettes de mes compositions, que je joue au piano, avaient déjà quelque chose d’intéressant. Pour chaque chanson, j’ai réenregistré le piano, mais les arrangements ont respecté la base.

Clip de "Live Goes On", tiré de l'album Madanm.

Peut-on dire que Madanm est l’album qui vous ressemble le plus ?

C’est en tout cas le disque qui ressemble le plus à ce que je suis aujourd’hui. Avant, j’avais beaucoup de plaisir à inviter d’autres musiciens, les meilleurs de la Caraïbe, à mettre leur patte et leur savoir-faire sur mes morceaux. A mes yeux, ça leur donnait une valeur ajouté. Je n’ai jamais été persuadée que je faisais des musiques qui pouvaient intéresser les gens.

A tort, je trouve. C’est comme votre voix. Je sais que vous, vous ne la trouvez pas exceptionnelle, alors qu'elle véhicule en moi beaucoup d'émotions.  

Je n’ai jamais été chanteuse. J’en connais beaucoup qui m’impressionnent parce qu’elles ont un grain, une personnalité vocale forte. Moi, je chante avec mes pieds (rires), mes tripes et mon cœur, mais pas avec mes cordes vocales. Je ne suis pas une instrumentiste de la voix. Ma voix ne me transporte pas. D’autres me transportent, mais pas la mienne.

Vous vous sentez plus musicienne que chanteuse ?

C’est ça, tout en ayant des choses à dire par le biais de la voix, mais surtout des mélodies. Je sais que suis une mélodiste.

Extrait du passage de Marie-José ALIE, lors du concert des 40 ans du groupe Malavoi au Zenith de Paris, le 1er Décembre 2012.

marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandorVotre chanson « Caressé Mwen », créé en 1983 avec le groupe Malavoi puis réenregistré en solo en 1988, est devenu un standard de la musique caribéenne. Vous avez toujours pensé que le monde a besoin de caresses ?

Complètement. J’ai eu l’idée de cette chanson alors que j'étais journaliste à FR3 Bourgogne, après avoir lu un graffiti sur un mur qui disait : « Alie rentre chez toi ». Je l'ai écrite et composée d'une traite à la guitare, en pensant à mes enfants.

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(Photo : Thierry Joly)

Vous avez travaillé avec les groupes Malavoi, Fal Frett, Ultra Marine… autant dire les meilleurs musiciens caribéens.

Oui, et c’est d’autant plus curieux que je ne l’ai jamais cherché puisque je ne me considérais pas comme une professionnelle de la musique.

C’est amusant parce que, je le répète, la perception que vous avez de vous n’est pas la mienne. Je vous vois plus comme une artiste que comme la journaliste star qui a occupé de hautes fonctions au sein de France Télévisions.

Franchement, la dimension artistique ne m’a jamais quitté dans la relation avec les autres, dans la manière dont j’inventais des programmes, des évènements. Je pense aussi que j’avais des réflexes d’artistes sur beaucoup de sujets, même si j’étais carrée et exigeante. Quand j’étais rédactrice en chef, on m’appelait Cruella, c’est tout dire.

C’était justifié ?

Je ne sais pas, mais ce qui n’avait rien à voir avec la réalité, c’est que les 101 dalmatiens, c’était des innocents. Moi, je peux vous dire que je n’avais pas affaire à des petits innocents (rires).

Et en plus, vous étiez une femme…

J’étais la première rédactrice en chef, la première directrice régionale… ça faisait beaucoup.

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(Photo : Mike Ibrahim)

Est-ce que vos collègues journalistes vous prenaient au sérieux alors que vous faisiez de la scène, qu’on vous voyait chanter à la télé et que vos chansons passaient à la radio ?

Quand je suis venue à la musique, j’avais déjà fait mes preuves journalistiques, donc ma réputation était déjà faite. Mais ce qui m’a été dit c’est : « tu ne peux pas interviewer le président de la République et chanter « Caressé Mwen » ! » Ça ne m’a pas empêché de le faire quand même. Le mélange des genres, dans deux domaines qui n’ont rien n’à voir, les gens n’aiment pas. Si j’ai été extrêmement critiquée, notamment par les politiques, c’était surtout parce que je ne faisais de cadeau à personne.

C’était en 1981 et la droite menait la danse…

Que ce soit outre-mer ou ailleurs, il y avait une sorte de main mise sur l’info. Si on n’était pas dans les clous ou si on ne caressait pas la bête dans le sens du poil, on était considéré comme un immonde gaucho communiste qui devait être cloué au pilori. C’était une époque où personne n’admettait qu’on ait une rigueur professionnelle, que l’on se batte pour être le plus objectif possible et que l’on donne la parole aux uns et aux autres. La résistance du journaliste face au pouvoir, ça n’a pas toujours été facile pour moi.

Et les musiciens, ils pensaient quoi de cette autre vie-là ?

Certains considéraient aussi qu’il n’était pas normal que je sois à la fois journaliste et chanteuse musicienne, c’était avoir deux fois de la lumière sur moi.

Globalement, il y avait beaucoup de jalousie autour de vous.

C’était plus de la perplexité que de la jalousie. Tout le monde se demandait si j’irais au bout de ce que je faisais. N’étais-je pas en touriste dans toutes mes activités ? Pas du tout parce que mon caractère profond m’incite à aller toujours au bout de ce que j’entreprends.

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Mariejosé Alie, Patrice Duhamel, Patrick de Carolis et Aurélie Bambuck, lors de la 11e rencontre avec les téléspectateurs de France Télévision.  

marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandor(A gauche, à l'anniversaire de François Mitterrand en 1991Vous parliez du pouvoir des hommes politiques, mais vous-même, vous avez été une journaliste influente et une patronne qui avait aussi beaucoup de pouvoir.

Ce n’était pas du pouvoir, c’était de la responsabilité.

Un petit peu quand même.

Non. D’avoir la possibilité de faire bouger les choses en donnant à voir les évènements au plus près du réel, c’est une forme de pouvoir, mais ce n’est pas un pouvoir qu’on exerce, c’est un pouvoir que l’on met à la disposition des autres. C’est complètement différent.

Mais la frontière est mince, non ?

Non. Elle est énorme. J’estime que je n’étais rien. D’ailleurs si j’écris et si je fais de la musique, c’est pour pouvoir parler à la première personne. Quand on est journaliste, on n’a pas le droit d’avoir une opinion… et moi, j’ai tout le temps des opinions et des convictions. L’art a toujours été une soupape qui m’a permis de ne pas imploser. Mon être profond a pu ainsi s’exprimer.

Clip de "Eva", tiré de l'album Madanm.

Est-ce que Madanm est un disque féministe ?

J’ai beaucoup de respect pour le féminisme du début du siècle dernier. J’ai du respect pour celles qui se sont battues au sens propre du terme, qui ont risqué leur vie, qui sont allées en prison… C’était des combattantes qui se heurtaient à un mur. Le féminisme à cette époque-là, c’était une action physique permanente. Moi, je suis juste une femme qui défend son territoire et par conséquent, celui de toutes les femmes parce qu’on est en complicité de par le monde.

Vous appartenez au parlement des écrivaines francophones.

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Nous sommes 100 et nous venons du monde entier. Il y a des femmes d’Afrique de l’ouest, d’Afrique du Sud, des femmes d’Inde, du Canada... C’est l’écriture en langue francophone qui nous relie. Nous ne sommes pas au même degré de revendication et aux mêmes étapes de combat selon d’où l’on vient, mais nous nous attendons les unes, les autres.

Vous vivez le féminisme d’aujourd’hui comment ?

Je suis femme, solidaire de toutes les femmes et solidaires de tous les combats que l’on peut mener ensemble pour pouvoir avancer. Il y a encore beaucoup de choses à faire. Les espaces que l’on a conquis ne sont jamais acquis. Il faut rester en vigilance permanente pour que ça ne redescende pas ou que ça ne retourne pas en arrière. Comme dans n’importe quelle bataille, ce qui est conquis n’est pas acquis.

On peut dire tout de même que la parole des femmes s’impose désormais. Le #balancetonporc ou #metoo ont changé la donne. Avez-vous été victime vous-même d’hommes un peu trop prévenants.

A mon époque, on se battait un peu chacune individuellement. Il n’y avait ni cet élan, ni ce partage de la parole. Quand je suis arrivée à Paris parce que l’on ne voulait pas de moi en Martinique (j’étais jugée trop subversive), le big chief de l’époque m’a accueilli dans son bureau pour que l’on discute de ma mutation. Il m’a dit que si je voulais Paris, c’était possible. En gros, c’était : « tu couches, tu as Paris ». Il devait s’imaginer des choses… femme et femme des îles de surcroit, double pénalité. Je précise que je n’ai pas eu à me défendre d’un attouchement quelconque, mais il y avait quelque chose de tellement méprisant et méprisable à me faire très clairement comprendre que pour obtenir Paris, ça ne dépendait que de moi. Résultat, je me suis retrouvée à FR3 Bourgogne, à Dijon. Franchement, je ne le regrette pas. C’est une belle région et c’était une belle période.

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Marijosé Alie, présentatrice du journal télévisé à FR3 Bourgogne – © crédit photo : Droits Réservés

Vous avez eu le droit à des mains qui traînent ?

Non, je suis assez sauvage et capable d’être violente physiquement. Je crois que les hommes le savaient. Je n’ai donc pas eu à me défendre d’agression physique. Par contre, je ne suis pas la seule dans ce cas-là, mais je me suis fait beaucoup rabaisser. Je ne me suis jamais laissé faire, j’ai d’ailleurs la réputation d’avoir le verbe haut. Avec les mots, je suis capable de mettre les gens plus bas que terre … ce qui fait que ma carrière a été difficile et chaotique.

Je la trouve belle, moi, votre carrière.

En tout cas, je ne la dois qu’à moi.

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Marijosé Alie excelle dans ce rôle de marraine de jeunes talents puisqu’elle a été, lorsqu’elle était directrice de RFO, l’ancêtre des réseaux 1ére, à l’origine d’une opération baptisée « Dom-Tom Folies » à la Rochelle qui consistait à faire monter sur la scène des Francofolies un représentant de chaque territoire ultramarin donnant ainsi de la visibilité à des jeunes artistes ultramarins. Autant dire que dans sa carte blanche à l'Olympia, elle a pris un malin plaisir à concocter et à valider une sélection d’artistes de la jeune génération.

Parlons écriture de livres. Vous avez publié deux romans et un recueil de poèmes. Pourquoi ne pas écrire sur votre vie ? Vous avez vécu beaucoup de choses…

Je ne pense pas que ma vie représente un intérêt quelconque. Par contre, j’ai besoin de libérer mon imaginaire. Ce n’est pas avec ma vie que je vais libérer mon imaginaire. Peut-être que pour mes enfants, un jour j’écrirais mes mémoires, parce que ce sont des époques et raconter comment je les ai vécues s’inscrit dans une plus grande histoire.

Dans vos livres, vous ne racontez jamais la Martinique. Vous tournez autour…

Dans mon troisième roman, sur lequel je suis en train de travailler, l’action se situe en Martinique. Ça a été difficile pour moi, car j’ai beaucoup de pudeur par rapport à mon pays. Dans la relation profonde entre les gens et leur endroit, leur espace et eux-mêmes, il y a beaucoup de désarroi, de haine parfois, de rancœurs, de passions positives ou négatives. C’est toujours difficile à restituer sans que cela ne soit manipulable. Je n’ai pas eu le courage de raconter mon endroit, mais ça vient… disons que ça fini par venir.

marijosé ali,madanm,une semaine et un jour,interview,mandorMarijosé Alie s’installe définitivement au premier plan dans le paysage de la littérature francophone. Prix Ivoire 2016 décerné pour son premier roman Le Convoi, elle revient avec un nouveau roman, Une semaine et un jour. En voici le résumé officiel :

Soraya marche dans les rues de Paris ; elle erre comme peuvent errer les gens qui ont tout perdu ou qui se sont perdus eux-mêmes. Elle n'a qu'un sac sur le dos et un vieux cahier qu'elle ne quitte pas. Elle a certainement eu une autre vie avant ; ses manières sont trop belles, son porte-monnaie trop plein. Alors quoi ? Qu'est-ce qui la pousse à vivre dehors, à écumer les chambres d'hôtel minables, à suivre cet homme étrange qui parle aux morts ?
Et pourquoi ce vieux cahier qu'elle ouvre dès qu'elle le peut et qui semble être le seul à pouvoir l'apaiser ? Qui est donc cette Célestine qui a traversé les océans pour arriver à Paris durant l'hiver 1788, alors que le froid sévit et que la Révolution française se prépare ?

Je lui ai posé quelques questions sur le livre en fin d’interview, puis je suis tombé sur cette rencontre enregistrée lors d’une soirée de présentation du roman le mardi 4 février 2020 à la Maison de l’Amérique Latine (Paris). Marijosé Alie répond aux questions de Viktor Lazlo. J’ai donc trouvé plus judicieux de diffuser cette vidéo plutôt que de publier les réponses de l’auteure à mes questions. Cette complicité féminine a indéniablement apporté un plus. Je ne lutte pas. Je vous propose la meilleure façon de vous inciter à lire ce formidable roman.

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Archives!

Comme je vous l'ai indiqué dans l'introduction de cette mandorisation, dans les années 80, j'ai parfois croisé la route de Marijosé Alie. Il m'en reste quelques clichés...

Ici, c'était le 24 août 1988. Elle participait au Grand Méchant Zouk qui s'est tenu au stade Baduel à Cayenne.

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L'année suivante, le 16 décembre 1989, toujours à Cayenne, je l'ai de nouveau interviewé, mais je ne sais plus du tout à quelle occasion. 

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